Fra en beskrivelse af trykket nu, i 2017, lyder det perfekt traditionelt. En sort-hvid ætsning på papir, en kunstform der har eksisteret i 500 år. Et portræt af en kvinde. I baggrunden sandsynligvis en slags indenrigsindretning. En simpel titel, American Girl .
Men i 1974, da kunstneren Emma Amos skabte American Girl, nu i samlingerne på Smithsonian American Art Museum, roede landet med sociale protestbevægelser - for kvinders frigørelse, for Black Power, for LGBT-rettigheder og for indianerrettigheder. Grupper, der var engang lydløse, krævede at blive set og hørt. Kunstnere støttede disse protester ikke kun ved marchering og skrivning, men gennem visuel kunst. Sorte kunstnere diskuterede, om bestemte medier eller stilarter fremskredt racedom.
Romare Bearden, for eksempel, havde arbejdet i årevis i collage, delvis som en måde at give fremtrædelse af billeder af rigtige sorte individer. Debatten simmede om, hvorvidt det var acceptabelt at være en abstrakt maler, eller om sorte kunstneres arbejde "behøver at handle om den sorte oplevelse på en eller anden måde", mest sandsynligt ved at skildre sorte mennesker, siger Alex Mann, museets kurator for tryk og tegninger . Nogle kunstnere kiggede på det tidspunkt til Afrika for inspiration og søgte at skabe kunst for og om afrikanske mennesker verden over. Andre lavede arbejde, der var åbenlyst politisk eller radikal, lige fra skulptur i form af en Molotov-cocktail rettet mod tante Jemima til tryk og plakater, der krævede handling.
American Girl er et mere støjsvage og mere personligt arbejde end mange af dets tid. Der er stadig mange forskellige måder for en kunstner at udtale sig om. Amos selv fortsatte med at gøre mere åbent politisk arbejde. Siger Mann, "Nogle gange taler du i korte sætninger, og nogle gange bruger du poesi."
Amos var afstemt til både borgerrettighedsbevægelsen og den spirende kvindebevægelse. Født i 1938, voksede hun op i Martin Luther King Jr. 's hjemby, adskilt Atlanta, hvor "hun ikke ville have været velkommen på museet, " siger Mary Ryan, medejer af Ryan Lee Gallery i New York, der repræsenterer Amos i dag. (Kunstneren selv er ikke længere tilgængelig til interviews, men nogle af hendes værker fra 1980'erne til 2010'erne er på visning i galleriet til midten af december.) Kort efter Amos flyttede til New York i begyndelsen af 60'erne, en gruppe af fremtrædende sorte kunstnere dannede et kollektiv kaldet Spiral for at diskutere de bedste måder, deres arbejde kunne understøtte årsagen til raceretfærdighed på. De inviterede Amos til at slutte sig til dem, som gruppens yngste medlem og eneste kvinde.
Den feministiske kunsthistoriker Linda Nochlin, der døde i sidste måned, skrev en banebrydende artikel i 1971, "Hvorfor har der ikke været nogen store kvindelige kunstnere?" Om de samfundsmæssige barrierer, som kvinder stødte på for at blive kunstnere. Som en sort kvinde stod Amos over for disse forhindringer og mere. Hun forsøgte at finde job, der underviste i kunst i New York, men blev afvist gentagne gange, fordi, siger Mann, at hun var "ung, kvindelig, sort." Hun var klar over, siger han, "at hvide kunstnere og især hvide mandlige kunstnere ikke stod overfor samme udfordringer. ”Hun kæmpede for at få sin stemme hørt, idet hun fandt, at gallerier sjældent udstillede sorte kunstneres malerier. Uden et sted at vise sit arbejde, blev hun fristet til helt at stoppe med at male, idet hun sagde til en interviewer, 'Jeg er stymmet af det faktum, at jeg sidder fast med flere malerier. . . Jeg laver dem uden grund. Ingen har nogensinde set dem. '”
I 1974, da hun lavede American Girl, var Amos begyndt at bryde væk fra Spiral-gruppen og stillede spørgsmålstegn ved, om de ældre mandlige sorte kunstnere, der havde støttet hende, tog hende alvorligt og gav hende den fulde mulighed, siger Mann. Få år senere sluttede Amos sig til det feministiske kunstkollektiv Heresies, og senere blev hun efter sigende en af de anonyme kunstverdenaktivister Guerrilla Girls.
American Girl er en del af en portefølje kaldet “Impressions: Our World, Vol. 1, ”hvilket siger en erklæring i sig selv. Den består af tryk af syv sorte kunstnere, både mænd og kvinder, og den blev produceret på Printmaking Workshop, drevet af den afroamerikanske kunstner Robert Blackburn. Det var vigtigt, at en gruppe sorte kunstnere arrangerede projektet selv. Mange på det tidspunkt havde protesteret museernes manglende inddragelse af afroamerikanernes arbejde, og sorte kunstnere søgte "en stemme i at definere den kontekst, hvor [deres] arbejde [blev] vist, " siger Evelyn Hankins, seniorkurator ved Smithsonians Hirshhorn-museum og skulpturhave. Alle tryk i porteføljen er i sort / hvid, det samme farveskema, som Spiral havde valgt på grund af sin racemæssige konnotation til gruppens udstilling i 1960'erne.
Som Emma Amos (ovenfor i 2011) ville sige: ”For mig er en sort kvindekunstner at gå ind i studiet en politisk handling.” (Becket Logan) Amos 'valg synes også at fortælle. På det tidspunkt kunne portræt af enhver sort figur og især en sort kvinde - en figur næsten usynlig i den historiske europæisk-amerikanske kanon - ses som social kommentar. Som for at gøre hende fuldt synlig, skildrer Amos kvinden tilsyneladende nøgen; Ryan siger, at Amos “altid har været interesseret i skønheden i den sorte krop.” Den varierende rigdom af sort blæk i kvindens hår, krop og ansigt afspejler også valg. ”Hver gang jeg tænker på farve er det en politisk erklæring, ” sagde Amos engang. Som kunstnere “taler vi altid om farve, men farver er også hudfarver, og selve udtrykket” farvet ”- det betyder alt andet for mig. Du skal vælge som sort kunstner, hvilken farve du skal fremstille dine figurer. . . butterscotch, brun eller rigtig sort. ”De dybe toner fremhæver kvindens lyse, forsigtige øjne og den hvide linje, der adskiller hende fra sine omgivelser. For Hankins ser hun “adskilt eller isoleret fra verden og måske sætter spørgsmålstegn ved sin plads i verden.”
Emnet for Amos arbejde kan forekomme personligt, endda intimt, men i 1974 var sætninger som "Det personlige er politiske" og "Sort er smukt" protestantbevægelsernes ropende råb. Det ville have været svært at se et værk som dette uden at læse det i en meddelelse. Kelli Morgan, kuratorialmedlem ved Pennsylvania Academy of Fine Arts, som har studeret Amos 'senere værker, ser amerikanske pige som "en repræsentation af en sort kvinde som grundlaget for det amerikanske samfund." Hun tilføjer, "Som historiker læste jeg det som en sociopolitisk erklæring. ”Som Amos selv sagde nogle år senere, “ For mig er en sort kvindekunstner at gå ind i studiet en politisk handling. ”
Og så er der titlen på værket, American Girl . Hvad betyder det at kalde denne kvinde en pige? I 1974 var kvinders frigørelse i luften, og feminister argumenterede for, at ordet "pige" var under ødelæggelse. Hvad angår "amerikanske", havde sorte kunstnere dekonstrueret dens betydning i nogen tid. Som reaktion på volden i slutningen af 60'erne havde Faith Ringgold malet et flag med ordene "Die N *****" skjult i dets stjerner og striber. I 1964 havde Lois Mailou Jones behandlet raceforbindelser med Challenge - Amerika, en collage, der afbilder sorte helte, amerikanske præsidenter, nyhedsudklip og ordet "America", der snoede sig gennem dem som en tråd. I Amos amerikanske pige ser Morgan ekko af et amerikansk flag i mønsteret af lodrette striber og hvide flekker på en mørk jord.
Så og nu, siger Hankins, fungerer som disse rejser "spørgsmålet om, hvad det betyder at være amerikansk."
Hun tilføjer, "Det er et spørgsmål, vi ser ud til at kæmpe med meget."
American Girl er i øjeblikket ikke på visningen. Ryan Lee Gallerys udstilling "Emma Amos: Black Bodies" kan ses gennem 16. december 2017 på 515 West 26th Street, New York, New York.
