Diane Arbus er kendt for sine foruroligende fotografiske portrætter af mennesker i udkanten af samfundet. Hun var også en af de første fotografer, der med succes sprang fra den kommercielle sfære til kunstverdenen, på et tidspunkt, hvor kritikere og kuratorer stort set ikke betragtede fotografering som en kunstform. Hun gjorde det delvis baseret på styrken i en portefølje, hun begyndte at sammensætte i 1969 for at forsøge at skabe en vis økonomisk uafhængighed og for at etablere sin kunstneriske identitet.
Denne portefølje, En kasse med ti fotografier, vises på Smithsonian American Art Museum indtil januar 2019. Museet er det eneste sted for porteføljen, en af kun fire komplette udgaver, som Arbus trykte og annoterede. De tre andre udgaver - kunstneren udførte aldrig sin plan om at lave 50 - afholdes privat.
Smithsonian-udgaven blev lavet til Bea Feitler, en kunstdirektør, der både beskæftigede og blev ven med Arbus. Det inkluderer et 11. foto, fru Gladys "Mitzi" Ulrich med babyen, Sam en stubhale makak-abe . Efter Feitlers død købte Baltimore samler GH Dalsheimer sin portefølje fra Sotheby's i 1982 for $ 42.900. Det amerikanske kunstmuseum købte det derefter fra Dalsheimer i 1986. Porteføljen blev indtil nu lagt i museets samling.
Arbus var gennemsigtig på mange måder, men mystisk hos så mange andre, begyndende med, hvordan hun besluttede de ti fotos, der var inkluderet i porteføljen. ”Hun har praktisk taget ikke efterladt nogen information om det, ” siger John Jacob, museets fotografens kurator. Jacob vovede sig med, at disse fotos er "hvordan hun så sig selv, hvordan hun skabte sit selvbillede, " siger han. ”Det bliver også, hvordan vi kender hende i dag.”
Lige ukendt: hvorfor hun tog sit eget liv i 1971, slukede en håndfuld barbiturater og skar hendes håndled, ligesom hun så ud til at nå toppen af sin karriere.
”I betragtning af porteføljen er Diane Arbus 'odyssey selve fotografiets odyssey, ” siger Jacob. Han skrev i udstillingskataloget og siger Jacob: "På det tidspunkt, hvor hun døde, var Diane Arbus allerede en voksende indflydelse på fotograferingsfeltet, men ikke bredt kendt for den større offentlighed."
En kvinde med sin baby-ape, NJ af Diane Arbus, 1971 (Museumskøb. © Diane Arbus 'ejendom) En kasse på ti ”indledte overgangen, forbinder Arbus fortid som magasinfotograf med hendes fremkomst som en seriøs kunstner og broede en levetid med beskeden anerkendelse med en postum karriere med ekstraordinær anerkendelse, ” skriver han.
Et stort gennembrud skete, da Philip Leider, redaktør for kunstverdenens fremtrædende publikation - Artforum - udgav porteføljens patriotiske dreng med stråhatte, knapper og flag på forsiden og fem andre porteføljebilleder inde i udgaven af maj 1971, idet han brød hans lange- tradition for at ignorere marken. ”Med Diane Arbus kunne man finde sig selv interesseret i fotografering eller ej, men man kunne ikke længere. . . nægter dens status som kunst. . . . Det, der ændrede alt, var selve porteføljen, ”skrev Leider.
Nogle få år tidligere - i 1967 - havde Arbus arbejde skabt rystelse ved New Documents, et show på New Yorks Museum of Modern Art (MoMA). John Szarkowski, MoMAs fotografens kurator fra 1962 til 1991, og en enorm troende på Arbus, havde valgt 30 af hendes portrætter at vise, herunder mange af dem inkluderet i en kasse med ti .
Jacob siger, at Leiders entusiasme sammen med porteføljens udvælgelse til den internationale kunstudstilling i Venedig Biennale i 1972 - hvilket gjorde hende til den første amerikanske fotograf, der blev repræsenteret der - og et komplet layout af syv af porteføljebillederne i oktober 1972-udgaven af Ms., "Var de første skridt hen imod Diane Arbus 'næsten mytiske status."
Carving Out hendes egen retning
Arbus havde sine egne ideer om, hvem hun var, og hvad hendes arbejde handlede om. Hun trossede altid konvention - fra afvisning af sin privilegerede barndom i Manhattan til hendes uortodokse ægteskab til hendes eventuelle valg af fotografiske emner. Begyndende på gymnasiet kløede Arbus at gå til de steder, hvor hun ikke var tilladt eller forventet, eller måske endda ønsket.
Hun havde til hensigt at leve sit liv, som hun valgte, og det inkluderede at gifte sig i en alder af 18 i stedet for at gå på college og følge sin mand - Allan Arbus - med i fotografering.
Diane Arbus: En æske med ti fotografier
Denne ekstraordinære bog gentager arten af Diane Arbus originale og nu legendariske genstand. Smithsonian-kurator John P. Jacob, der har afsløret en trove af ny information i forberedelsen af bogen og udstillingen, væver en fascinerende fortælling om oprettelse, produktion og fortsatte konsekvenser af dette sædværk.
Udgivet af Aperture i samarbejde med Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
De begyndte at arbejde sammen om modespredninger i perioden efter 2. verdenskrig for Seventeen, Glamour og Vogue . Han var den tekniske savant; hun var kunstneren, der kom med visionen om deres arbejde. Men hverken Allan eller Diane så en fremtid i det, der dengang var et relativt risikofri miljø. Allan ville være skuespiller - han fortsatte med til en off-Broadway og en lang tv- og filmkarriere, der omfattede et ti-årigt løb som psykiateren Sidney Freedman i 1970'erne smash-hit MASH
Diane absorberede i mellemtiden alt, hvad hun kunne om fotografering og kunstverdenen i New York, studerede ved New School for Social Research under Berenice Abbott - en fotograf, der i 1920'erne havde udviklet sig fra den parisiske avantgarde til at blive en dokumentarist. Arbus fortsatte derefter med at studere i 1956 hos Lisette Model, også på New School. Det var Model, en fransk-østrigsk, der er kendt for sine massive 16 x 20 fotografiske portrætter af samfundets ekstremer - rige og fattige, smukke og grimme - der blev betragtet som mest indflydelse på Arbus uden for hendes mand.
Arbus udviklede også langvarige og vigtige forhold til Marvin Israel, en kunstdirektør, hun først havde mødt i Seventeen, som fortsatte med at være en af hendes største lånere gennem sin kunstretning på Harper's Bazaar. Det var Israel, der foreslog, at hun skulle oprette en portefølje, og han kom med den gennemskinnelige plastkasse, der indeholdt de ti fotografier . Walker Evans, en udsøgt dokumentar af depressionen og det amerikanske liv, blev en nær ven og rådgiver, der hjalp hende med at lande et John Simon Guggenheim Foundation-stipendium i fotografering i 1963. Og kollega New Yorker og peer Richard Avedon - der også arbejdede for Harper's Bazaar og blev kendt for sine lige så forbløffende portrætter - var en vigtig livline i hendes stigende kunstkarriere.
Hemmeligheder og eventyr
Model indbragte i Arbus tanken om, at fotografering kunne afsløre hemmeligheder. Arbus gennemsyrede det med sin egen filosofi. ”Et fotografi er en hemmelighed om en hemmelighed. Jo mere det fortæller, jo mindre ved du det, ”sagde Arbus i 1971.
Det, der virkede gennemsigtigt i hendes motiv og hendes arbejde, var virkelig bare en overfladobservation. Nogle gange kunne gåden ikke løses.
Hun gjorde det imidlertid klart for alle, der ville vide, at fotografering gav hende en måde at gå uden for sig selv og have et eventyr. ”Min yndlings ting er at gå hen, hvor jeg aldrig har været, ” sagde hun i et lysbilledshow fra 1970 for en gruppe tidsskriftredaktører, der blev arrangeret af Cornell Capa, en fotojournalist, der prøvede at skabe interesse for sin idé til et foto museum, der senere blev International Center for Photography.
Dreng med stråhatte, der venter på at marchere i en pro-war parade af Diane Arbus, dækning af Artforum, maj 1971 (SAAM, Museumskøb. © Diane Arbus 'ejendom © Artforum, maj 1971, "Fem fotografier", af Diane Arbus Foto af Mindy Barrett) Fra 1962 til 1967 rejste Arbus til nudistlejre rundt om New Jersey. Hun fandt dem forbløffende, sjove, lurvede og fulde af paradokser. ”Det var en fræk ting at gøre, og det var fantastisk, ” sagde hun i løbet af den snak i 1970. Arbus kunne ikke bare gå, fuldt klædt og rusle rundt i lejrene. For at få beboernes tillid, strippet hun ned, kun iført et kamera omkring halsen og en hat på hovedet. Nudisterne fortalte Arbus, at de var moralsk overlegne - for uden beklædning var der ikke længere en seksuel besættelse. I mellemtiden "har de beskidte magasiner, og de spiller virkelig fodbold hele tiden, " sagde Arbus.
Et af skuddene i en kasse med ti - pensioneret mand og hans kone derhjemme i en nudistlejr i NJ en morgen, fra 1963 - falder ind i stuen til et ældre par, som om seeren sad i hjørnet og havde kaffe og chatter. De smiler venligt. Han har hjemmesko, og hun har på sig et par flip flops; begge er ellers helt nøgen. Arbus fandt det morsomt, at de havde to indrammede portrætfotos af sig selv ovenpå tv'et, begge i buff.
Hun var kendt for at cykle over hele New York og jagtede efter emner. Undergrundsbanen gav også rig foder. På undergrundsbanen stødte Arbus på en kvinde, der lignede Elizabeth Taylor. Hun fulgte hende og bad om sit billede. Således kom en ung familie i Brooklyn på en søndagsudflugt (1966), der skildrede kone, mand, babydatter og, efter Arbus 'egne ord, et "tilbagestående" barn.
Salgsfremmende flyer til en kasse med ti fotografier af Diane Arbus, 1970-71 (Museumskøb. © Godset Diane Arbus © Artforum, maj 1971, "Fem fotografier, " af Diane Arbus. Foto af Mindy Barrett) Arbus beboede også Hubert's Freak Museum på Times Square, især en favorit, efter at hun så - og så obsessivt set igen og igen - Tod Brownings film fra 1932. Et af hendes motiver fra de forskellige karnevalshows hun deltog i var Lauro Morales, en person med dværgisme, som hun fotograferede i et årti. I fotografiet fra 1970, som hun inkluderede i en æske med ti, sidder Morales halvt nøgne i flæskede lagner, fedora skånsomt siddede på hovedet, med blyanttynde overskæg, der beskriver de fulde læber. Han stirrer roligt direkte på kameraet. Det er et ekstremt intimt portræt, som om Arbus lige havde haft sex med ham.
Hun vendte også det intime blik mod personlige rum. Xmas-træ i en stue i Levittown, Long Is., NY fra 1962 sætter seeren lige i rummet. To lige synlige stolearme stikker fra bunden af rammen. Som det viser sig, gik Arbus til Levittown - hjemsted for nationens første planlagte forstad - for at spionere. Hun fangede dette billede ved at kigge gennem et vindue. Gaverne under træet "havde denne utrolige juleindpakning, " sagde hun i 1970.
Efter at have set Arbus-portrætterne på MoMA-showet fra 1967, skrev kritikeren Marion Magid Hoagland i magasinet Arts, at hendes værker skaber en slags transaktion mellem fotografiet og seeren. ”I en slags helingsproces bliver vi helbredt af vores kriminelle presserende hastighed ved at have vovet at kigge, ” skrev Hoagland. ”Billedet tilgir os som det var at se ud. I sidste ende er den store menneskelighed i Diane Arbus 'kunst at hellige det privatliv, som hun først syntes at have krænket. ”
Diane Arbus i Washington Square Park, NYC af John Gossage, 1967 (Privat samling, foto © John Gossage) Kampen
Mens Arbus havde en vis kritisk og kuratorisk anerkendelse i slutningen af 1960'erne - og beundring fra mange af hendes kolleger i fotoverdenen - faldt hendes kommercielle arbejde. Arbus og hendes mand Allan blev skilt i 1960 og skiltes til sidst i 1969. I årevis kæmpede hun ikke bare som en kunstner, der prøvede at tjene til livets ophold, men som enlig mor med to døtre.
Hun var skeptisk over for museets verden - på trods af sin voksende anerkendelse - og ofte over sine egne evner. Nogle gange sagde hun, at hun tog "rådne billeder."
Og alligevel så Arbus “salg af print som en potentiel indtægtskilde”, siger Jacob, showets kurator, selvom det endnu ikke var almindeligt at købe tryk som kunst.
Det var uslebne. I 1969 købte MoMA to tryk til $ 75 hver. Samme år købte Smithsonian Institution fem tryk for kun $ 125. Og efter næsten et års langvarig forhandling modtog Bibliotheque nationale de France i 1970 ca. 20 tryk fra hende til omkring $ 20 til $ 30 hver.
Da hun begyndte at sætte en kasse på ti sammen, var det i håb om at få $ 100 hver, eller $ 1.000 i alt. Portfolios "var et arbejde af kærlighed" for Arbus og andre kunstnere, siger Jeffrey Fraenkel, ejer af Fraenkel Gallery i San Francisco, som har udstillet mange af Arbus's fotos. ”De tjente ikke nogen nogen penge. I bedste fald etablerede de en slags stabil stilistisk identitet, der blev udbetalt til verden, ”sagde han.
Lucite Box designet af Israel til en kasse med ti fotografier med forsideark af Diane Arbus af Diane Arbus og Marvin Israel, 1970-71 (Courtesy Fraenkel Gallery, San Francisco; SAAM, © The Estate of Diane Arbus, fotografier høflighed Torin Stephens, Fraenkel Galleri) Selve porteføljen - ti udskrifter, hver med et overlagt vellumpapir, hvor hun håndskrevne billedtekster - var indeholdt i en helt klar plastkasse, der "tjente både som opbevaringsbeholder og udstillingsramme, " siger Jeff L. Rosenheim, kurator med ansvar for fotografiafdelingen på Metropolitan Museum of Art. Met Met ejer hele Arbus-arkiverne. I stedet for at fotografierne bliver statisk fastgjort på væggen, kunne ejeren af porteføljen "rotere dine billeder igennem og glæde dig selv, og jeg tror, hun bare må have elsket den idé, " siger Rosenheim.
Da Arbus solgte en portefølje til kunstneren Jasper Johns, skrev hun til sin eksmand i slutningen af april 1971, ”Første, der ikke kender mig, ” tilføjede, ”fire er solgt, to og et halvt betalt for. Ejerne er ude af, hvem der er hvem. Min selvtillid er absurd på en rutsjebane. ”
Arbus vidste aldrig, hvor berømt hun var at blive. Efter hendes selvmord besluttede hendes døtre Doon og Amy at afslutte udgaven af 50, som det var planlagt. Neil Selkirk, en studerende i Arbus, udskrev resten. Det var en vanskelig opgave, ikke mindst fordi Arbus havde perfektioneret sin egen idiosynkratiske udskrivningsteknik. Selvom hun proklamerede, at tagelsen af billedet var det vigtigste aspekt af hendes arbejde, “var der ingen mere bananer end hende om trykket, ” siger Selkirk.
Mange af disse postume udgaver er blevet brudt op til salg efter at have optrådt i forskellige auktionshuse. Og nogle af de komplette posthume udgaver er solgt, senest af Christie's i april 2018 - for $ 792.500. Andre posthume komplette sæt afholdes i museumssamlinger rundt om i USA, London, Amsterdam og Hannover, Tyskland. Tre sæt, der er trykt af Arbus, mærket "kunstnerbeviser", fordi de ikke har overfladerne af vellum, besiddes af Tate London / National Gallery of Scotland, Harvard Art Museums og Pier 24 Photography i San Francisco.
Men som Arbus sagde i sin tale i 1970: "Dine billeder betyder mere for dig end for nogen anden."
"Diane Arbus: En kasse med ti fotografier" er på visning på Smithsonian American Art Museum i Washington, DC gennem 21. januar 2019.
