Glem spektakulære bladfarver og køligere temperaturer: det er begyndelsen på "Fashion Week" i september, der annoncerer efterårssæsonen. Som nye sæsoner inden for musik, teater, dans og kunst signalerer Fashion Week en frisk start. Hvad er nyt og vidunderligt? Hvordan skal vi opfinde os selv denne gang? Tøv og undervurderet? Prangende men smarte? Uafklaret?
Ud over at være en favorit sport til tøjhunde, er mode et varmt emne i kulturverdenen i disse dage. Project Runway har legioner af fans. Alligevel fremstår mode også som et resonansemne i museumsverdenen. Sådanne udstillinger med stor synlighed som "Aware: Art Fashion Identity" på Londons Royal Academy of Arts i 2010 og Costume Institute's 2010-show, "American Women: Fashioning a National Identity" såvel som dets 2011, "Alexander McQueen: Savage Skønhed ”har placeret mode midt på scenen i moderne udforskning af identitet.
Fashion Week blev først premiere i 1943, som hjernen til reklamer for maven Eleanor Lambert. Den mediekyndige Lambert, hvis klienter inkluderede Jackson Pollock og Isamu Noguchi, havde hjulpet med at finde museet for moderne kunst. Men hendes største lidenskab var mode. I 1940 oprettede hun "International Best Dressed List" (som hun ville sammenlægge i årtier), og midt i 2. verdenskrig besluttede hun, at det var på tide at nedlægge tronen og erklære Amerikas modeudvikling ved at starte Fashion Week i New York.
Diana Vreeland af Richard Ely Crayon, blæk og gouache på papir 1989 (National Portrait Gallery, Smithsonian Institution © Richard Ely) På samme tid dukkede Diana Vreeland op som en styrke i naturen ved Harper's Bazaar. Redaktør Carmel Snow hyrede hende i 1936, og hun lavede hurtigt et navn til sig med sin søjle "Hvorfor gør du ikke?" Disse udflugter var vildt excentriske, med Vreeland muntert stillede spørgsmål som: "Hvorfor skyller du ikke ... blondt barns hår i død champagne, som de gør i Frankrig ?. . . (og) sno hendes pigtails omkring hendes ører som makroner? ”
Under krigen blev Vreeland en stor promotor af amerikanske designere. Hun skrev om lanceringen af Fashion Week i 1943 og udvidede ”integriteten og talentet for amerikanske designere.” I stedet for den parisiske couture argumenterede hun for, at den dominerende stil var blevet amerikansk, med spændende nye designere, der stod for ”amerikansk stil og den amerikanske livsstil."
Vreelands ikke-blinkende øje var opmærksom på alt, hvad der omringede hende - sartorial, litterær, kunstnerisk. For hende var holdning og gestus nøglen: ”Du skal have stil. . . .Det er en livsstil. Uden det er du ingen. ”Hun satte sit stempel på hver del af magasinet, valgte tøjet, overvågede fotografiet og arbejdede med modellerne. "Jeg ved, hvad de skal bære, før de bærer det, hvad de skal spise, før de spiser det, (og) jeg ved, hvor de skal hen, før det er der endda!"
Fotograf Richard Avedon, der samarbejdede med hende i næsten 40 år, sagde ”Diana levede efter fantasi styret af disciplin og skabte et helt nyt erhverv. Hun opfandt moderedaktøren. Før hende var det samfundsdamer, der satte hatte på andre samfundsdamer. ”Med Vreeland skiftede fokus fra social klasse til personlighed:“ skændende personligheder, ”begejstrede hun, “ er de mest spændende ting i verden - samtale, folks interesser, den atmosfære, de skaber rundt omkring dem. ”
I sine 26 år på Harper's Bazaar (1936-62) og hendes næsten årti på Vogue (1962-71) formidlede Vreeland sin visionære stilfølelse gennem bemærkelsesværdige fotografier. Hos Bazaar samarbejdede hun især med Louise Dahl-Wolfe om sådanne historiske skud som januar-mode-historien fra januar 1942, der blev skudt på arkitekten Frank Lloyd Wrights Arizona-hus "Ship Rock" - som Vreeland selv optrådte som en model - og dækket fra marts 1943, introducerede en daværende ukendt Lauren Bacall, som følgelig blev pisket væk til Hollywood for at co-star med Humphrey Bogart i To Have og Have Not.
Vreeland - der altid talte i superlativer - etablerede et markant look, der formanede hendes læsere til at være dristige, modige og fantasifulde: ”mode skal være den mest berusende udgivelse fra verdens banalitet, ” erklærede hun engang. ”Hvis det ikke er der på mode, så fantasér det!”
Da hun forlod Vogue i 1971, musede hun: ”Jeg var kun 70 år. Hvad skulle jeg gøre, gå på pension?” Metropolitan Museum of Art-direktør Tom Hoving inviterede hende til at blive specialkonsulent for Met's Costume Institute, og hun gik hurtigt ind på skabe en 3D-fantasiverden, der ikke var begrænset af et magasinspredning. Lys, rekvisitter, musik og scenesæt blev alle rullet ud for at skabe udstillinger, der fejrede emner lige fra Ballets Russes til Balenciaga. Hendes shows var enormt populære kilder til inspiration for moderne publikum og genoplivet Costume Institute. Før hendes død i 1989 kuraterede Vreeland 14 udstillinger og kæmpede med succes for accept af ”mode som høj kunst” - ideen om, at beklædningsgenstande var så mesterlige som traditionelle kunstværker som maleri og skulptur.
I sin bog Allure fra 1980 turde Vreeland mennesker til at leve med lidenskab og fantasi. Ens kreativitet måtte være i konstant bevægelse, argumenterede hun, fordi ”Øjet skal rejse.” Jeg bad Ricki Peltzman, ejer af Washingtons Upstairs på 7. butik og en anerkendt modekurator, om at vurdere Vreelands varige indflydelse på mode. ”Mode handler om stil. Det er personlig. Hver dag viser vi verden, hvordan vi føler os uden at skulle sige et ord. Og ingen sagde det bedre end Diana Vreeland. ”
National Portrait Gallerys kulturhistoriker Amy Henderson skrev for nylig om Walter Cronkite og de olympiske atleter.
