Lyt nøje efter en fjern rumle: For 100 år siden, den 29. maj 1913, eksploderede chokket af det nye i et teater i Paris, da Diaghilevs Ballets Russes udførte Stravinskys Rite of Spring. Det bedeckede og smykkede publikum ved Theater des Champs-Elysees brød ud ved folkedans og diskordant musik, der konfronterede dem. I stedet for nåden og traditionen for sådanne balletter som Tchaikovskys Svanesø, lancerede Forårets usammenhængende koreografi og russiske hedenske omgivelser et kor af boos, der blev til slagsmål: Hvad var alt det, der fodnede rundt om? Hvor var traditionens tutus? Til publikums overraskelse og konsternation var “modernismen” netop kommet med et kæmpe cymbalulykke.
Serge Diaghilev og Igor Stravinsky havde til hensigt at bruge denne forestilling som en proklamation af modernismen - et skue, der sigter mod at sprænge gennem traditionelle grænser inden for kunst, musik og dans for at præsentere noget helt nyt og innovativt. Ideen om dance-as-spectacle er noget, der har fascineret mig, da jeg har arrangeret en Portrait Gallery-udstilling om dans i Amerika, der åbner 4. oktober. Uden at give anledning til optøjer, har spectacle spillet en afgørende rolle i dansen fra Ziegfelds Follies til Beyoncces sceneshow; publikum er altid klædet af fjer, paljetter og smuk bevægelse. Som komponist-lyrikere skrev Kander og Ebb i Chicagos temasang "Razzle Dazzle" , "Giv dem en handling med masser af flash i den / Og reaktionen vil være lidenskabelig."
Igor Stravinsky af Alvin Langdon Coburn. Gelatinsølvtryk, 1921 (Foto med tilladelse fra National Portrait Gallery) Jeg kan godt lide at blive blændet. Og som en uvæsen kulturudforsker er jeg altid på jagt efter “wow” -faktoren - den magiske ting, der får dine øjne til at springe. I scenekunsten kan det være et show-stop-øjeblik på scenen eller skærmen, en dansers storslåede spring ind i ozonen, eller en spændende stemme, der efterlader dig åndedrag. Dette er krystallinske øjeblikke, der mærker din psyke for evigt.
På det seneste er jeg blevet vævet af et par ekstraordinære forestillinger - en koncert af Philadelphia Orchestra under deres elektrificerende nye dirigent, Yannick Nézet-Séguin, og en Kennedy Center Gala-forestilling af My Fair Lady, hvor Jonathan Pryce og Laura Michelle Kelly fik dig til tror, de skabte roller som professor Higgins og Eliza for første gang.
Men jeg er også blændet af en mega-udstilling, der netop er åbnet i National Gallery of Art: “Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: When Art Danced with Music.” Baz Luhrmann har muligvis brugt en masse glamour og glitz i sin nye 3D-version af The Great Gatsby, men Galleriet har skabt Diaghilevs glitrende verden i en overdådig visning af den virkelige ting - kunsten, musikken, dansen og kostummet, der udtrykte ”søgen efter det nye” for et århundrede siden . Som udstillingen co-kurator Sarah Kennel forklarer, har Diaghilev ”aldrig ønsket at hvile på sine laurbær. Han var altid ved at innovere og redesigne. ”
Michel Fokine af Clara Sipprell. Gelatinsølvtryk, 1923, testamente af Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Et samarbejde mellem National Gallery of Art og Victoria and Albert Museum, udstillingen åbnede først i London i 2010. Galleriets udstilling er en hybrid af det show, der indeholder 80 værker fra V & A-samlingen og tilføjer omkring 50 nye objekter. "Diaghilev" viser de forbløffende kunstneriske partnerskaber, der er skabt af den russiske impresario, og belyser komponister som Stravinsky, Prokofiev og Satie og kunstnere som Bakst, Picasso og Matisse. To store Diaghilev-koreografer - Michel Fokine, der arbejdede med ham i de første år, og George Balanchine, der arbejdede med Ballets Russes i slutningen af Diaghilevs liv - ville immigrere til USA; Fokine oprettede en ballettskole i New York, og Balanchine ville have en ikonisk indflydelse på amerikansk dans, både på Broadway og i ballet.
Pablo Picasso kostume til den kinesiske Conjuror fra parade, ca. 1917 (© Victoria and Albert Museum, London) Organiseret kronologisk fortæller de fem store udstillingsafsnit historien om Diaghilevs karriere: “De første sæsoner”, “Vaslav Nijinsky - danser og koreograf”, “Den russiske avantgarde”, “Den internationale avantgarde” og “modernisme, Neoklassicisme og surrealisme. ”Der er også en fascinerende audiovisuel komponent, der inkluderer sjældne optagelser af balletterne Russes og Nijinsky, Rudolf Nureyev optræder i eftermiddag af en faun, og Mikhail Baryshnikov danser The Prodigal Son.
For tredive år siden ville denne fabelagtige udstilling have været kaldt en "blockbuster." I moderne museumsholdning er dette ord ude af fordel: blockbusters faldt på et tidspunkt i kriterierne for kritisk harrumfing, og nutidens museumsverden favoriserer ofte en reduktionistisk afhængighed af grå vægge og grå tæpper snarere end mere flamboyante tilgange. Som nogen, der begyndte i blockbuster-æraen, synes jeg, at manglen på blænding i dag er en bekymrende kommentar til, hvor langt museer har distanceret sig fra et offentligt hungrende efter inspiration.
Henri Matisse kostume til en sorg fra The Song of the Nightingale, uldfilt og fløjl i 1920 (V&A, London) Men Diaghilev-udstillingen fik mig til at smile i det øjeblik, jeg gik ind i dets omfavnelse: fra det perleformede Boris Godunov- kostume, som Chaliapin bar i 1908 til det gigantiske scenetæppe fra The Blue Train (1924) , er Diaghilev-showet en påmindelse om, hvad udstillinger kan være.
Mark Leithauser er chef for design og seniorkurator ved National Gallery of Art, og her har han skabt en enorm verden af wow. Ansvarlig for at designe mange af museets vartegn viser, talte han med mig om, hvordan forestillingen om ”blockbuster” egentlig ikke handler om størrelse: det handler om et fænomen. Den første blockbuster, "King Tut, " havde kun 52 objekter. Da det åbnede i Galleriet i 1976, stod folk i kø i timer. Direktør J. Carter Brown sagde, at showet var populært på grund af den ”rene visuelle kvalitet” og ”den betagende alder” på objekterne, sammen med den betagende følelse af at være på skattejagt. På den anden side havde "Treasure Houses of Britain" i 1985 over tusind objekter og hjalp med at forbinde "bigness" til den populære idé om blockbuster.
Leithauser mener bestemt, at en udstilling bør være forankret i historiefortælling. I ”Skattehuse” handlede historien om 500 års samling i Storbritannien, men det var også omkring 500 års arkitektonisk transformation i det britiske landsted - en transformation, der fremkaldes i de arkitektoniske scener og miljø, der blev skabt i udstillingen.
Serge Diaghilev (© Victoria and Albert Museum, London) Til Diaghilev-showet sagde Leithauser, at designet skulle være lige så teatralt som historien - installationen skulle skabe en teateroplevelse, der omfattede Diaghilevs verden. Sandheden er ifølge Leithauser, at udstillinger "skal være hvad de er."
Designerens evne til at sætte scenen så strålende giver besøgende mulighed for at forstå Diaghilevs kunstneriske samarbejde både intellektuelt og visceralt. Leithauser er en showman, der værdsætter skue: tommelfingeren for blændende blænding!
