Nicholas Bell, ansvarlig kurator ved Renwick Gallery of Smithsonian American Art Museum, har været på museet siden 2009. Han har kurateret udstillinger på kurve og på træ - håndværk, som det traditionelt er udtænkt - såvel som på moderne håndværk (museets udstilling i 2012, “40 under 40: Craft Futures”). Han understreger vigtigheden af materialer og ideen om at "fremstille". Hans lidenskab for museet, dets renovering og genåbning den 13. november og den åbne ”Wonder” -udstilling var tydelige, da vi talte med ham .
Fra denne historie
Undre mig
KøbeFørst og fremmest, kan du fortælle os, hvorfor du vælger det stemningsfulde ord ”undring” som titlen på Renwick Gallerys åbningsudstilling? I kataloget taler du om, hvordan idéen om undring " nu nogensinde så hurtigt efterfulgt af at vide."
Mange af os synes om ”undring” som lidt barnlig. Hvilket er en skam. Der er en masse værdi ved at komme i kontakt med ting, du ikke forstår - ting, der er ekstraordinære, der er uden for vores hverdag.
I New York Times for nylig skrev kunstkritiker Holland Cotter om museer som "magtfulde historieredigeringsmaskiner"? Gælder det Renwick?
Vi åbner denne bygning som et kunstmuseum for tredje gang i tre forskellige århundreder. Som kultur og som samfund træffer vi valg - vi kan muligvis foregribe andre prioriteter. Selv om bygningen blev taget i brug som et kunstmuseum, blev den presset i brug som et militært forsyningscenter, før den nogensinde blev brugt som museum. Dette tjener til at minde os om, at vi træffer valg som folk. Nogle gange vælger vi imod kunsten, og nogle gange vælger vi for dem. Ordene over Renwicks dør, mejlet i sten, er "dedikeret til kunst."
På en måde handler ”Wonder” showet om bygningen som et vigtigt rum til at komme og opleve noget. Hvad der synes mest vigtigt at opleve er undring. Vi har brug for offentlige steder, hvor vi kan åbne os for undring.
Du skriver, at dit mål var at skabe en "fordybende sal af vidundere." "Opslukende" er et vigtigt udtryk lige nu - i film vokser 3D i popularitet, og i teater er det ikke nok for et publikum bare at sidde og observere handling på en scene. Og ”vidunderhallen” taler om sideshowet eller karnevalet, steder, der giver et klart bud på vores opmærksomhed.
Det er ironisk - så meget af vores opmærksomhed er fokuseret på et så lille rum i vores liv. Vi er en skærmbundet kultur. Jeg har tre børn under fem år. De har gjort mig hyper opmærksom på, hvor vigtigt det er at være opmærksom på dine umiddelbare omgivelser. Små børn er åbne øjne. Ingen filtre. De vil vide om alt. De har lært mig, hvordan man skal være opmærksom. Museet kan gøre dette for os som et barn kan.
En af grundene til, at jeg sammenkæmmede de ni kunstnere i denne udstilling, er, at de fremstiller ting, der er meget store. Deres arbejde gør dig intenst selvbevidst. Hvis vi går på et museum og ser små ting på piedestaler - ler og glas, masser af kar - er det hele vidunderligt, men det gør dig ikke nødvendigvis så opmærksom på dine omgivelser. Men hvis du går ind i et galleri og ser et tårn med indekskort, der er 13 meter højt, som du gør med Tara Donovans arbejde, krymper du næsten i forhold. Du tænker ganske visceralt på, hvor du er.
Så vigtig og så kritisk som indsats som digitalisering er der bare ingen reel erstatning for at opleve kunstværket personligt. Jeg synes virkelig godt om at se besøgende gå ind i hvert på hinanden følgende galleri. De rygter bogstaveligt talt tilbage på hæle - øjne udvidet, kæber falder. Der er et fysiologisk element til at møde disse kunstværker.
Derfor skal vi have offentlige rum at gå til. Dette er grunden til, at denne bygning skal være her.
Kommenterer kunstnerne, du valgte, på en eller anden måde om Renwicks faste samling?
De gør. Det er ikke nødvendigvis åbenlyst. En af grundene til, at jeg valgte disse specifikke ni, er, at de ekstraordinært brænder for at lave ting. De har en øget fornemmelse af at lave ting. Materiale er så meget større end dig. Det vælder over dig. Disse værker får dig til at tænke på materialer i dit liv og i din verden. De bekræfter betydningen af tingene - der er værdi ved at overveje, hvordan genstande bliver til i vores verden.
Hvordan ville du definere samtidskunst og nutidig håndværk? På hvilke måder er de forskellige, og på hvilke måder er de ens?
Jeg interesserer mig ikke meget for divisionen, jeg er mistænksom over for fokus på divisionen. Jeg læner mig altid mod at sløre linjerne snarere end at skelne dem. Det, der virkelig betyder noget, er de mennesker, der fremstiller ting, som er interesseret i at udtrykke sig. Jeg er ikke nødvendigvis interesseret i, hvad folk kalder sig selv. Jeg tror ikke, at disse mærker har meget stor værdi.
DIY-bevægelsen har taget en masse fantasi i det seneste. Der ser ud til at være en ny respekt for at gøre ting med dine egne to hænder - pickling, dåse, gæring. Og uden for køkkenet i tech-verdenen er “maker-bevægelsen” og “maker-rum” meget au courant lige nu. I "Wonder" -kataloget diskuteres materialernes betydning i håndværket. Kunne du tale lidt om det?
Interessen for dygtighed, proces og arbejde fortsætter ind i vores fremtid som museum. Der er meget værdi ved at se på verden som helhed gennem håndværkslinsen. Alle kunstnerne i åbningsudstillingen er i det væsentlige moderne kunstnere, der brænder meget for fremstilling og materialer. Hvilket binder dem til håndværkshistorien.
Er der særlige interesser i miljøet og den naturlige verden blandt kunstnerne i dette show?
Ja! Hvordan denne udstilling blev, var: Jeg inviterede alle disse kunstnere til at komme på turné i bygningen, når den var tom. Vi var flyttet ud, det var slidt, renoveringen var ikke startet endnu. Jeg havde aldrig set det på den måde, og det var en rigtig luksus at se det på den måde. Kunstnerne foreslog, hvad de ville gøre. Jeg bad dem om at se på arkitekturen og tænke over undringstemaet. Jeg gav dem ingen andre kriterier. Jeg valgte disse kunstnere, fordi de alle er følsomme over for rum, og deres arbejde gør dig opmærksom på din egen tilstedeværelse.
Det, der er fascinerende for mig, er, at en hel del af dem gik til naturen som et go-to point, fuldstændigt uden noget pres fra mig: Maya Lin, arbejder med ideen om Chesapeake. John Grade, træer. Patrick Daugherty, stikker. Jennifer Angus, bugs. Der er meget omverdenens følsomhed, når du går gennem disse gallerier. Det styrker ideen om, at museer er et sted, der kan hjælpe dig med at tænke på omverdenen. Når folk kommer til museet og til dette show, bowles de over og forbløffet. Hvad dette gør er at hjælpe dig med at se med friske øjne og tænke på verden omkring dig på en anden måde.
Jeg bemærker, at en af begivenheder, der markerer genåbningen af museet, indeholder håndværksøl! Er det bare et skuespil på ord - lag øl på et museum, der er afsat til håndværk?
Hele håndværksbryggerifænomenet er faktisk et af de mest synlige eksempler på dygtig fremstilling. Hver gang du køber en seks-pakke øl fra et lille bryggeri, støtter du mennesker, der brænder for at lave ting.
Renwick Gallery, der er hjemsted for Smithsonian American Art Museums kunst- og dekorative kunstsamlinger, åbner igen fredag den 13. november efter en 2-årig renovering på 30 millioner dollars. Den første udstilling ”Wonder” indeholder installationer i galleristørrelse fra ni moderne kunstnere.
