Alle trends bliver klarere med tiden. Ser man på kunst end 15 år ud, ”kan du se mønstrerne lidt bedre, ” siger Melissa Ho, assisterende kurator ved Hirshhorn-museet. "Der er større, dybere tendenser, der har at gøre med, hvordan vi lever i verden, og hvordan vi oplever det."
Så hvad er egentlig moderne kunst? Spørgsmålet, siger hun, er mindre svarbart end endeløst diskuterbart.
Teknisk, siger Ho, er moderne kunst "det kulturelle udtryk for modernitetens historiske øjeblik." Men hvordan man udpakker denne erklæring er bestridt. En måde at definere moderne kunst, eller hvad som helst, er at beskrive, hvad den ikke er. Traditionelt akademisk maleri og skulptur dominerede det 17., 18. og 19. århundrede. ”Det handlede om perfekt, sømløs teknik og at bruge den perfekte, sømløse teknik til at udføre meget veletablerede emner, ” siger Ho. Der var et hierarki af genrer, fra historiemalerier til portrætter til stilleliv og landskaber og meget strenge forestillinger om skønhed. ”En del af modernismens sejr vælter akademiske værdier, ” siger hun.
I noget af et tilbageslag til traditionel akademisk kunst handler moderne kunst om personlig udtryk. Selvom det ikke altid var tilfældet historisk, forklarer Ho, "nu ser det ud til at være næsten naturligt, at den måde, du tænker på kunstværker er, som et udtryk for en individuel vision." Modernismen spænder over en lang række kunstnere og kunstarter. Men værdierne bag brikkerne er stort set de samme. ”Med moderne kunst lægges denne nye vægt på værdien af at være original og gøre noget nyt, ” siger Ho.
Edouard Manet og impressionisterne blev betragtet som moderne, til dels fordi de afbildede scener i det moderne liv. Den industrielle revolution bragte mange mennesker til byerne, og nye former for fritid dukkede op i bylivet. Inde i Hirshhorns gallerier påpeger Ho Thomas Hart Bentons People of Chilmark, et maleri af en masse sammenfiltrede mænd og kvinder, der lidt minder om en klassisk Michelangelo eller Théodore Géricaults berømte Flåde af Medusa, bortset fra at det er en moderne strandscene, inspireret af Massachusetts-byen, hvor Benton sommer. Ringside Seats, et maleri af en boksekamp af George Bellows, hænger i nærheden, ligesom tre malerier af Edward Hopper, et med titlen First Row Orchestra of theatregoers venter på, at gardinerne skal tegnes.
I renæssancekunst blev en høj præmie sat på at efterligne naturen. ”Derefter får abstraktionen blomstre, når det er blevet skåret væk på, ” siger Ho. Værker som Bentons og Hoppers er en kombination af observation og opfindelse. Cubister begyndte i begyndelsen af 1900'erne at lege med plads og form på en måde, der varvede den traditionelle billedvisning.
Kunsthistorikere bruger ofte ordet ”autonom” til at beskrive moderne kunst. ”Det sproglige er” kunst for kunstens skyld ”, forklarer Ho. ”Det behøver ikke at eksistere for nogen form for nytteværdi bortset fra sin egen eksistentielle grund til at være det.” Så at vurdere moderne kunst er et andet dyr. I stedet for at spørge, som man måske med et historiemaleri, om fortælling - Hvem er hovedpersonen? Og hvad er handlingen? - At mente et maleri, siger af Piet Mondrian, bliver mere om sammensætning. "Det handler om kompositionstrækningen, " siger Ho, "den formelle balance mellem farve og linje og lydstyrke på den ene side, men også bare den ekstreme renhed og strenghed i den."
Ifølge Ho siger nogle, at modernismen når sit højdepunkt med abstrakt ekspressionisme i Amerika i 2. verdenskrigs æra. Hver kunstner af bevægelsen forsøgte at udtrykke sit individuelle geni og stil, især gennem berøring. ”Så du får Jackson Pollock med hans dryppende og kaster maling, ” siger Ho. ”Du får Mark Rothko med hans meget lysende, tynd malede farvefelter.” Og i modsætning til det usynlige børstearbejde i stærkt glaserede akademiske malerier er stregerne i malerier af Willem de Kooning løse og undertiden tykke. ”Du kan virkelig føle, hvordan det blev lavet, ” siger Ho.
Kort efter 2. verdenskrig begyndte imidlertid idéerne, der driver kunst igen, at ændre sig. Postmodernismen trækker sig væk fra det moderne fokus på originalitet, og værket er bevidst upersonligt. ”Du ser en masse arbejde, der bruger mekaniske eller kvasemekaniske midler eller skrivebordsmidler, ” siger Ho. Andy Warhol, for eksempel, bruger silkeskærm, i det væsentlige fjerner hans direkte berøring og vælger emner, der spiller af ideen om masseproduktion. Mens moderne kunstnere som Mark Rothko og Barnett Newman tog farvevalg, der var beregnet til at forbinde med seeren følelsesmæssigt, introducerer postmoderne kunstnere som Robert Rauschenberg chance for processen. Rauschenburg, siger Ho, var kendt for at købe maling i umærkede dåser i hardware-butikken.
”Postmodernisme er forbundet med dekonstruktionen af ideen, ” Jeg er det kunstneriske geni, og du har brug for mig, ”siger Ho. Kunstnere som Sol LeWitt og Lawrence Weiner med værker i Hirshhorn rykker forfatteren endnu mere ud. Weiner's stykke med titlen ”EN RUBBER BALL THROWN ON the Sea, Cat. Nr. 146, ”vises for eksempel på museet i store, blå, sans-serif-bogstaver. Men Weiner var åben for, at de syv ord blev gengivet i enhver farve, størrelse eller skrifttype. ”Vi kunne have taget en markør og skrevet den på væggen, ” siger Ho. Med andre ord betragtede Weiner sin rolle som kunstner mere om undfangelse end produktion. Ligeledes er nogle af LeWitt's tegninger fra slutningen af 1960'erne dybest set tegninger efter instruktion. Han giver instruktioner, men enhver i teorien kan udføre dem. ”I denne efterkrigsgeneration er der denne tendens på en måde mod at demokratisere kunsten, ” siger Ho. "Ligesom Sol LeWitt-tegningen er det denne opfattelse, at enhver kan lave kunst."
Etiketter som "moderne" og "postmoderne" og forsøger at fastlægge start- og slutdatoer for hver periode, undertiden irk kunsthistorikere og kuratorer. ”Jeg har hørt alle slags teorier, ” siger Ho. ”Jeg tror, sandheden er, at moderniteten ikke skete på en bestemt dato. Det var denne gradvise transformation, der skete over et par hundrede år. ”Selvfølgelig er de to gange, der af praktiske grunde skal fastsættes datoer, når man underviser i kunsthistorikskurser og arrangerer museer. Efter Ho's erfaring starter moderne kunst typisk omkring 1860'erne, mens den postmoderne periode slår rod i slutningen af 1950'erne.
Udtrykket "nutidig" er ikke knyttet til en historisk periode, ligesom det er moderne og postmoderne, men beskriver i stedet simpelthen kunsten "i vores øjeblik." På dette tidspunkt betragtes arbejde ofte helt tilbage til omkring 1970 ofte som moderne. Det uundgåelige problem med dette er, at det skaber et stadigt voksende antal moderne værker, som professorer og kuratorer er ansvarlige for. ”Du skal bare holde øje med, hvordan disse ting går, ” råder Ho. ”Jeg tror, de vil blive omdefineret.”
