https://frosthead.com

En kort historie om mad som kunst

Filippo Tommaso Marinetti var den første kunstner i moderne tid, der tænkte på forberedelse og forbrug af mad som kunst. Den avantgarde futuristiske bevægelse, der blev dannet af Marinetti og andre kunstnere i Milano i 1909, omfavnede den industrielle tidsalder og alt det mekaniske - fra biler og fly til fremstillingsmetoder og byplanlægning. De mente, at madlavning og spisning, der er så central i alles daglige liv, også skulle være centralt i deres langsynte, langt ude idealer.

Relaterede læser

Preview thumbnail for video 'Arcimboldo

Arcimboldo

Købe

Relateret indhold

  • I 1870'erne blev mejerilobbyen Margarine Pink, så folk ville købe smør

I 1932 udgav Marinetti The Futurist Cookbook . Det var ikke kun et sæt opskrifter; det var et slags manifest. Han kastede madlavning og forbrug som en del af et nyt verdenssyn, hvor underholdning blev avantgarde-præstation. Bogen foreskrev de nødvendige elementer til et perfekt måltid. Sådanne spisesteder måtte indeholde originalitet, harmoni, skulpturel form, duft, musik mellem kurser, en kombination af retter og forskellige aromatiserede små kanapéer. Kokken skulle bruge højteknologisk udstyr til at forberede måltidet. Politik kunne ikke diskuteres, og mad måtte tilberedes på en sådan måde, at det ikke krævede sølvtøj at spise det.

Marinettis mønstre kunne ikke have forudsagt, hvilken rolle fødevarer ville spille i kunsten næsten et århundrede senere. Moderne kunstnere har brugt mad til at udtale sig: politisk (især feministisk), økonomisk og socialt. De har åbnet restauranter som kunstprojekter, gennemført forestillinger, hvor mad tilberedes og serveres i gallerier, og lavet detaljerede skulpturer fra spiselige materialer som chokolade og ost. Forfærdende som det kunne have virket for Marinetti, nogle kunstnere i dag omfavner endda mad som en afvisning af alle og alt, hvad der er fremtidsbesat.

Når man ser tilbage, har mad altid spillet en rolle inden for kunsten: hulere i stenalderhulen brugte grøntsagssaft og animalsk fedt som bindende ingredienser i deres maling, og egypterne udskærede piktogrammer af afgrøder og brød på hieroglyfiske tabletter. Under renæssancen malede Giuseppe Arcimboldo, en maler for Habsburg-domstolen i Wien og senere, for Royal Court i Prag, finurlige puslespil-portrætter, hvor ansigtsdrag var sammensat af frugt, grøntsager og blomster.

Når jeg tænker på mad og kunst, husker jeg intuitivt de store, smukke stilleliv fra den hollandske guldalder, som jeg første gang stødte på i en kunsthistorisk klasse i den nordlige renæssance. I disse herlige malerier gengives hver overflade, fra de glinsende fjerede lag med andekroppe på skinnende sølvplader til den duggede hud af frugt og bær, for at skabe illusionen om, at festen sidder lige foran seeren. I 1600'erne attesterede sådanne malerier ejernes rigdom og intellektuelle engagement. De afbildede fødevarer havde symbolsk betydning ofte relateret til bibelske tekster, og hvordan objekterne var arrangeret - og som var blevet indtaget - formidlet et budskab om tidens flydende natur eller behovet for temperament.

Som ung kunstner studerede jeg Cezannes chunky gengivelser af æbler og appelsiner. For postimpressionistiske malere som Cezanne var observation fra livet bare begyndelsen på en stort set fantasifuld proces. De værdsatte levende farve og livlige penselstrøg over fortidens hyperrealisme.

I popart-æraen blev mad en social metafor. Wayne Thiebaud malede rækker af tærter og kager i lyse pastelfarver, der bragte tanker til reklamer og børnetøj. Præsenteret som udstillinger på en spisestue, snarere end hjemlige træk i privatlivet, afspejlede hans arrangementer et rejseplan, hvor overdådige desserter betød amerikansk overflod.

Preview thumbnail for video 'This article is a selection from our Smithsonian Journeys Travel Quarterly Atlas of Eating Issue

Denne artikel er et udvalg fra vores Smithsonian Journeys Travel Quarterly Atlas of Eat Issue

Hver kultur har sit eget køkken og hvert køkken sin egen hemmelige historie. Denne specielle udgave af rejser giver et dybtgående kig på mad og kulinarisk kultur over hele kloden, herunder dybdegående historier og yndlingsopskrifter.

Købe

På samme tid begyndte kunstnere at bruge ægte mad som kunstmateriale. I 1970 lavede den sardoniske schweizisk-tyske kunstner Dieter Roth, også kendt som Dieter Rot, et stykke med titlen “Staple Cheese (A Race)” - et ordspil på “steeplechase” - der omfattede 37 kufferter fyldt med ost og andre oste presset på væggene med den hensigt, at de drypper eller "race" mod gulvet. Få dage efter, at udstillingen åbnede i Los Angeles, gav udstillingen en uudholdelig stank. Galleriet blev overvældet med tåger og fluer, og folkesundhedsinspektører truede med at lukke det. Kunstneren erklærede, at insekterne faktisk var hans tilsigtede publikum.

De feministiske kunstnere i slutningen af ​​1960'erne og begyndelsen af ​​70'erne betragtede det amerikanske forhold til mad i forhold til de begrænsninger, det havde på kvinder. Feminister hævdede, at det personlige - inklusive de mest verdslige aspekter af dagligdagen - var politisk. I 1972 lejede Miriam Schapiro og Judy Chicago et ledigt 17-værelses hus i Los Angeles, der var planlagt til nedrivning og gjorde det til en massiv kunstinstallation. Schapiro og andre kvindelige kunstnere oprettede en fordybende installation i spisestuen, der efterligner processen, som piger følger, når de dekorerer dukkehuse. Deres projekt, både en forestilling og en installation, fordømte samfundets dobbeltstandard - forskellen i forventninger og muligheder for mænd og kvinder. Mens drenge blev trænet til at lykkes i verden, forventedes piger at holde hus for deres mænd. Senere ville feministiske kunstnere som Elizabeth Murray antyde, at kvinder er tilstrækkelig magtfulde til at håndtere både det verdslige og det hjemlige i værker som ”Køkkenmaleri” (1985), hvor en klodsesked bundet til en figur, der præsiderer for et køkken, ser ud til at boltre sig fra billedplanet og konfronterer seeren.

I 1974 riffede Chicago om spisestue-temaet igen, da hun begyndte "The Dinner Party", en konceptuel tour de force, der nu var indeholdt i Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, på Brooklyn Museum. Med et team af talentfulde kunsthåndværkere skabte Chicago i løbet af flere år et 48-fod langt trekantet middagsbord med pladsindstillinger for 39 kulturelt bemærkelsesværdige kvinder, nogle ægte og nogle mytiske, fra forhistorie til moderne kvindebevægelse. Hver indstilling inkluderer et håndlavet serviet, en keramisk plade, en bæger og en løber, alle med ikonografi tilpasset den specifikke kvinde. Når tidslinjen konvergerer på nutiden, bliver pladerne mere og mere tredimensionelle, hvilket symboliserer kvinders voksende frihed og politiske magt.

I løbet af 1990'erne blev mange kunstnere afstemt over den personlige fremmedgørelse, der ville være resultatet af introduktionen af ​​hjemmecomputeren og andre skærmbaserede aktiviteter. For at afhjælpe den begynnende anomie indviede nogle disciplinen "relationel æstetik" - nu kendt mindre uigennemsigtigt som "social skulptur" - ifølge hvilken menneskelig interaktion, herunder at spise sammen, blev udtalt som en kunstform i sig selv. En af de mest fremtrædende udøvere var Rirkrit Tiravanija, der begyndte at lave mad og servere mad til seerne på gallerier og efterlod gryder, pander og beskidte tallerkener i galleriet i løbet af hans udstillinger.

I dag lærer begyndende kunstnere stadig at male stilleben af ​​frugt og grøntsager. Mange senere vender sig væk fra maleri for at forfølge nyere, mere eksperimentelle medier, men madcentrede kunstnere fortsætter ofte med at tro på pigmentets magt på lærred. New York-baserede malere Gina Beavers, Walter Robinson og Jennifer Coates er gode eksempler. Beavers kæmmer Internettet for fotografier af mad, som hun derefter kombinerer i collage med flere billeder og malerier på store lærreder. Robinson er pre-okkuperet med whisky, cheeseburgere og andre genstande. Coates fokuserer på junkfood, og fremstiller malerier, hvor s'mores, mac 'n' ost og pizza tager abstrakte former. Generelt er der en sund spænding mellem tradition og ikonoklasme i nutidig madkunst. Cirka 85 år efter offentliggørelsen synes Marinettis kogebog stadig foran kurven, men måske ikke for langt foran.

En kort historie om mad som kunst