Da Vincent van Gogh snublede ind i den franske landsby Auvers-sur-Oise i løbet af sommeren 1890, blødte han fra et kuglesår indlagt i hans øvre del af maven, dage væk fra at dø i relativ uklarhed.
Fundet på hans person var ikke et selvmordsnotat, men snarere hvad der antages at være et groft udkast til et brev, som den 37-årige kunstner netop havde sendt til sin bror, Theo.
I hele sit liv havde Vincent udarbejdet hundreder af breve til sin bror. Hans sidste mission for ham var kun bemærkelsesværdig for, hvor almindeligt det var, ligesom dette usendte udkast, der indeholdt flere linjer udeladt fra det endelige brev. I en af de glemte linjer skriver Vincent og lader næsten fratræde: ”Nå, sandheden er, at vi ikke kan tale andet end ved vores malerier.”
Den følelse har længe været hos Dorota Kobiela. Hun var klassisk uddannet kunstner og kom først ud på udkastet til hans sidste brev, mens hun forskede på Vincents liv på Academy of Fine Arts i Warszawa for hendes afhandling om kunstnere og depression. Efter endt uddannelse fandt hun sig ikke i stand til at få hans ord ud af sit hoved, og begyndte at arbejde på en håndmalet syv minutters animeret kort for at få kunstneren fra hendes sind.
”Det var en vision om hans sidste dage, ” siger hun. ”Hvad han ville gøre. Stå op, tag skoene på, pak hans malekasse. Pak måske revolveren? ”
Men bane for filmen ændrede sig, da hun, mens hun ventede på offentlige bevillingspenge for at komme igennem for at starte produktionen, forbandt hun den britiske producent og filmskaber Hugh Welchman, der overtalte hende om, at ideen fortjente en funktionel behandling.
Kobiela var enig, og de tilbragte den bedre del af det sidste årti med at lave det, de kalder et ”interview med hans malerier.” Den udtømmende proces (styrket økonomisk af en viral Kickstarter-kampagne og bevilge penge fra det polske filminstitut) har skabt noget unikt: Kærlige Vincent, den første fuldmalet animerede film. Filmen, der for nylig er nomineret til en Oscar-pris i kategorien Animeret funktion Film, bruger 62.450 originale olie-malerier til at give stemme til Vincents sidste dage.
Kærlige Vincent, som er indrammet som et film noir-mordmysteri, fortælles gennem perspektivet af den unge mand iført en dårligt passende gul frakke og et mistænkeligt udtryk i Vincents "Portræt af Armand Roulin (1888)."
”Vi elskede altid maleriet, ” siger Welchman. ”Han er meget på en måde flot, du ved, denne magtfulde teenager. Han er lidt mistænksom over for den person, der maler ham. Du får denne testy testosteron slags følelse af ham og slags stolthed. ”
Armand, søn af landsbyens postmester, har til opgave at aflevere Vincents sidste brev til Theo. Når den voksende teenager prøver at spore Theo ned, går han tilbage til Vincents trin i Auvers og møder de sidste mennesker, der kender kunstneren. Gennem samtaler med dem begynder han at stille spørgsmålstegn ved de omstændigheder, der førte til Vincents død. Var det selvmord? Eller var det mord?
Kærlige Vincent blev først skudt med skuespillere på en grøn skærm, og derefter transporterede et team på mere end 100 kunstnere filmen til bevægelig kunst ved hjælp af animation på glas. Den møysommelige teknik, der først blev banet i gang med den canadisk-amerikanske filmskaber og animatør Caroline Leaf i 1970'erne, er blevet brugt før, især i den russiske animator Aleksandr Petrovs shorts. Men dette er den første langfilm, der er lavet i stilen. Det er sandsynligvis fordi metoden - slående for, hvordan den tillader billeder at subtile morf og udvikle sig på skærmen - kræver kunstnere at male over hver ramme af filmen på glas.
Venstre: Skuespiller Douglas Booth i kostume mod grøn skærm Center: Vincent van Goghs maleri af Armand Roulin Højre: Armand i Loving Vincent (Loving Vincent) ”Dette er første gang, nogen har haft initiativet og virkelig drivkraft og ambitioner om at være i stand til at opnå en hel [malet animationsfilm] -film, ” siger Andrew Utterson, filmhistoriker og lektor i screenstudier ved Ithaca College.
Som Utterson påpeger, er det ikke kun filmens skala, der er bemærkelsesværdig, men også dens form. ”Vi får en malet animation om et malet liv, ” siger han. Og hvis du graver dig ind, går forholdet endnu dybere. Vincent var berygtet for at skubbe sig selv til det yderste for sit arbejde, og ved at vælge denne teknik, forklarer Utterson, kom filmskaberne gennem en lignende straffende proces.
Udbetalingen er i det endelige produkt. Filmens individuelle rammer er et kunstværk i deres egen ret. I hver ramme efterlignede teamet af kunstnere de tykke lag oliemaling, som Vincent blandede på sine lærreder med sin paletkniv og hænder gennem en teknik kaldet impasto. For at få fortolkningerne lige så konsulterede filmskaberne Van Gogh-museet for at få udstyr, maling og farver, som Vincent brugte til den nøjagtige skygge.
Saoirse Ronan som Marguerite Gachet (Loving Vincent) Det er måske mest interessant, når filmskaberne bliver tvunget til at tage nogle kreative friheder til at konstruere Vincents kunst, der passer til filmens behov. Som Welchman forklarer: ”Vincents ikoniske stil er meget overbelyst. Det er brændende solskin, det er brændende, lyse farver og meget håbefuldt. ”For at forblive tro mod Vincents kunst og passe til historiens film noir-farvehistorie (eller som Welchman udtrykker det, " tage nogle af hans daglige malerier ind på natten "), teamet hentede inspiration fra den håndfulde malerier, som Vincent lavede om natten som "The Starry Night" og "Café Terrace at Night" for at destillere resten af Vincents oeuvre med en lunere gane.
Douglas Booth som Armand Roulin (Loving Vincent) Film noir i sig selv ser måske ikke ud som det mest indlysende valg for et doku-drama om Vincent (der døde næsten et halvt årti før udtrykket blev introduceret). Kobiela og Welchman siger imidlertid, at de er fans af 1940'ernes hårdkogte æstetik, og så genren som en måde at give Loving Vincent et mordmysteri underbygning.
Det centrale spørgsmål i Loving Vincent er, om Vincent forsøgte at dræbe sig selv i Auvers-hvedemarkene eller rettere sagt var blevet skudt - med vilje eller ved et uheld - af et af medlemmerne af en pakke lokale drenge, der havde tænkt på at narre Vincent, da han arbejdede . Teorien om, at drengene havde en hånd i Vincents død, blev oprindeligt cirkuleret i 1930'erne, efter at kunsthistorikeren John Rewald interviewede de lokale i Auvers og først hørte rygter om unge drenge, en pistol og kunstnerens død.
Filmskaberne siger, at de var på et kritisk tidspunkt i at skrive deres manuskript, da Steven Naifeh og Gregory White offentliggjorde deres biografi fra 2011, Van Gogh: The Life, der genopståede tanken om utilsigtet skydning.
”Det kom på et meget interessant øjeblik for os, ” siger Welchman om bogen. Som så mange før dem havde de skrabet hovedet og spekuleret på, hvorfor Vincent havde begået selvmord, lige da han begyndte at blive anerkendt som kunstner. Noget lagde ikke op.
”Han havde lige sin første fantastiske anmeldelse, ” siger Welchman. ”Monet, der allerede solgte sine malerier for 1.500 franc - hvilket var en masse penge i disse dage - sagde, at Vincent var den mest spændende nye maler, der kom igennem. Det så ud til, at succes var uundgåelig, så hvorfor dræbe sig selv på dette tidspunkt sammenlignet med nogle af de andre øjeblikke i de foregående ni år, som syntes at være meget mere brutale og desperate? ”
Derefter igen tog Vincent ikke sig af sig selv. I løbet af denne tid lagde han sin krop under en utrolig mængde belastning: arbejdede lange timer under den sydlige sol og stod på alkohol, kaffe og cigaretter. Mens Theo sendte penge til ham hver måned, brugte Vincent det hele på tryk eller udstyr til sine malerier, ofte tilfredstillende hans sult med bare brød, da han gik omkring en straffeplan fuld af maleri, skrift og læsning. "Han gik bare i en utrolig hastighed, " siger Welchman, "hvis du gør det i lang tid, fører det til en sammenbrud."
Naturligvis kan Loving Vincent ikke løse mysteriet omkring Vincents død eller for den sags skyld levere en konkret tidslinje for, hvad der skete i de sidste dage i Auvers. Men historien finder en ny vej ind i hans sidste dage gennem den bevægelige kunst, som filmen bringer til live.
”For os var den vigtigste ting Vincent, ” siger Welchman. ”Hans lidenskab og hans kamp var at kommunikere med mennesker, og et af hans problemer var, at han ikke var rigtig god til at gøre det ansigt til ansigt, og det er derfor, hans kunst kommunikerer så smukt.”
Det er en følelse, der er kernen i Loving Vincent . Bevægelsen og følelserne i Vincents kunst har overskredet tid, kultur og geografi. At tage hans statiske rammer og tilføje bevægelse til dem føles næsten foruroligende i dets nyhed. Set til komponist Clint Mansells følelsesmæssige score, resultatet, lige dele af det 21. århundrede teknologi og det sene 1800-tals kunst, er spændende at se.
Og når de uundgåelige tykke blå og grønne hvirvler af "Starry Night" kommer på skærmen, levende på en anden måde end de har været vist før, er det svært at benægte, at filmskaberne har fundet noget nyt her i Loving Vincent, og låst op en anden måde at indramme kunst, der er kendt over hele verden.
