Ved 11 fod højt står det - tårne, virkelig - over seeren. Et farveopråd udgår fra en pyramide-lignende ramme hængt med røde, grønne, blå og orange kurve lavet af perlerede sikkerhedsnåler. Under dem står en ansigtsløs mannequin dækket fra hoved til tå i en sort og fuchsia bodysuit.
Helt øverst er pièce de résistance: en papir-mâché bunny, med accent i lyserød bomuldssucces, med tegneserieøjne og et vagt, lidt irriterende smil. Bunny holder et æg, indskrevet med meddelelsen "Glad påske."
De, der kender kunstner Nick Caves værk, vil hurtigt genkende dette 2009-værk som en af hans signatur ”Lyde, ” og deri ligger en fejende, årtier lang saga med bærbare skulpturer lavet af fundne genstande.
Stykket, der i øjeblikket er vist på Hirshhorn-museet, er en flerårig favorit blandt besøgende. ”Det er sjovt, det er lidt humoristisk, det er over toppen, og det er noget, som folk kan forholde sig til, ” siger kurator Evelyn Hankins. ”Men jeg synes, hvad der er så interessant ved Caves arbejde, er, at disse lyddragter er beregnet til at blive båret. De er performative. ”
Cave, en indfødt fra Missouri, der nu er formand for modeafdelingen på School of the Art Institute i Chicago, studerede både kunst og dans som ung mand. Han modtog sin MFA fra Cranbrook Academy of Art i Michigan i 1989, men tilbragte også tid i New York, hvor han studerede med Alvin Ailey American Dance Theatre.
I kølvandet på, at Rodney King slog i 1991, befandt sig Cave sig en dag i parken og følte sig ”kasseret og afskediget” som en afroamerikansk mand. Han bøjede sig ned og pluk en kvist op fra jorden og derefter en anden og fastgør dem sammen i det, han har beskrevet som et forsøg på at beskytte sin egen identitet mod omverdenen.
Først begyndte formen at forme sig, at tanken om bevægelse kom til ham. ”Jeg byggede faktisk en skulptur, ” siger han. ”Og så indså jeg, at jeg kunne bære det, og at der var lyd ved at bære det og bevægelse. Så det fik mig til at tænke over [hvordan] for at blive hørt, var du nødt til at tale højere, så protestens rolle kom ind. Dette er virkelig, hvordan lyddragter slags udviklede sig. ”
Siden da har Cave produceret mere end 500 anerkendte lyddragter i en svimlende vifte af materialer og silhuetter. Værkerne har resulteret i adskillige offentlige forestillinger, herunder 2013's Heard NY i Grand Central Terminal.
Soundsuits har udviklet sig i årtier, men deres grundlæggende principper forbliver uændrede. Alle er bygget fra fundne eller kasserede objekter; de skjuler alle indikatorer for race, køn eller klasse; og de er beregnet til at blive båret i performance eller i det mindste foreslå forestillingen om performance, som tilfældet er med stykket på Hirshhorn.
Kunstnere har brugt fundne materialer i deres arbejde siden begyndelsen af det 20. århundrede, da Pablo Picasso, Georges Braque m.fl. begyndte at inkorporere avisudklip og andre quotidian-genstande i deres skulptur, collage og samling. Cave fortsætter i denne ånd og sidst favoriserer vintage håndværksartikler, som han kilder fra antikke markeder over hele landet og internationalt.
”De er ikke traditionelle kunstmaterialer, de er bestemt håndværksmaterialer, ” siger Hankins. ”Du finder normalt ikke store påskeharer i kunstgallerier.”
Det viser sig, at det var påskeharen - ikke en skitse eller en plan - som fungerede som initiativtager til netop dette stykke. ”Jeg elskede denne form for henvisning til en bestemt periode i min opvækst som barn og med mine syv brødre og var klædt ud i påsken og havde disse fantastiske, slags skandaløse påskejagt på gården… Men jeg følte mig på det tidspunkt som barn at du var autentisk, og at du var dejlig og smuk, fordi det var det, du fik at vide. ”
Caves proces er meget intuitiv, og han siger, at når han først besluttede at placere bunny øverst i skulpturen, begyndte stykket virkelig at tage form. Efterhånden som det skred frem, indsamlede det nye lag med betydning, der fremkaldte ideer om forår og genfødelse, afrikansk gravritual, rytme, identitet, høj og lav kunst, farve, bevægelse og selvfølgelig lyd.
I Cave's hænder værdsættes ting så meget for den nostalgi, de fremkalder, som for deres potentiale til at blive fjernet fra deres oprindelige kontekst. Man forventer ikke at se kviste, støjmaskiner, porcelænsfuglfiguretter eller påskeharer på et museum, men når de præsenteres som en del af en lyddragt, forestiller sig seeren materialerne, der svinger, svirrer, svinger eller klæver sammen på en overraskende måde. Disse genstande, der ellers ville blive kastet ud som "lav kunst", producerer en helt ny sanseoplevelse.
Hirshhorn's Soundsuit vises i øjeblikket i "At the Hub of Things", museets 40-års jubilæumsudstilling. Hankins siger, at hun og medkurator Melissa Ho besluttede at organisere showet ved at gruppere kunstnere fra forskellige perioder omkring løse temaer. Soundsuit deler et galleri med værker af Christo, Claes Oldenberg og Isa Genzken. Det ældste værk er Robert Rauschenbergs dæmning, en mejetærsker fra 1959, der blev skabt samme år, hvor hulen blev født.
”Rauschenberg var naturligvis berømt for at tale om at ville broen mellem kunst og liv - eller arbejde imellem de to, ” siger Hankins. ”Jeg tror, at en af de ting, museer kæmper med lige nu, er, hvordan man dokumenterer og fanger præstation, som per definition er en flygtig begivenhed. Ligesom Rauschenberg overgik kløften mellem kunst og hverdag, overbygger Cave kløften mellem statiske genstande og performance. ”
”Man finder normalt ikke store påskeharer i kunstgallerier, ” siger en af Hirshhorns kuratorer. (Nick Cave Soundsuit 2009, Hirshhorn Museum) Caves arbejde kan huskes for at tvinge kunstverdenen til at genoverveje denne kløft, men hvad der gør hans arbejde så tiltalende er, at det berører så mange forskellige temaer. "Det kan tale med collage og samling, det kan tale til performance, det kan tale med ideer om ægthed og originalitet og kunstnerens rolle og originalitet i kunsten og alle disse andre ting, " siger Hankins. ”Og jeg tror, det er en af grundene til, at Cave er så respekteret, er fordi værket - især hvad angår vores stykke - virker værket i starten som det bare er en slags sjovt og kitschy, men faktisk er det dette meget alvorlige engagement med disse forskellige temaer og historie. ”
Cave siger, at han ofte har været vidne til seere, der engagerer sig i en livlig samtale om sit arbejde. Dette er netop den effekt, han sigter mod: ”Jeg vil have, at seeren skal kunne se på værket, og vi kan tale om flere ting. Men det er ikke kun i denne ene måde at tænke på objektet på. Vi kan tale om det som et dekorativt objekt. Vi kan tale om det som en skulpturel form. Vi kan nedbryde det og tale om individuelle stykker inden for den samlede helhed. Vi kan tale om mønster. Vi kan tale om farve. Vi kan tale om rytme, lyd. Så det bliver virkelig mere universelt i sit budskab. ”
Mere end 20 år efter, at Cave hentede den første kvist, forbliver den følelsesmæssige drivkraft for lyddragtene mere relevant end nogensinde. Kunstneren siger, at han i øjeblikket arbejder på en serie om Trayvon Martin til et kommende show i Detroit. Han siger, at han også planlægger at tackle nogle af de nyere tilfælde af racemæssig profilering på steder som Ferguson og New York.
”Alle disse hændelser, der er sket inden for dette sidste år, var bare skandaløse, ” siger Cave. ”På dette tidspunkt arbejder jeg på det, jeg efterlader. Men jeg tror bare, at dette arbejde aldrig kan ende. ”
Se Nick Caves Soundsuit, 2009 på Hirshhorns udstilling "At the Hub of Things: New Views of the Collection", der i øjeblikket er på visning på museets tredje sal. Showet afslører et nyt perspektiv på museets moderne og moderne kunstbedrifter og viser de nylige renoveringer af galleriet. I udsigten inkluderer udstillingen i stor skala installationer af Spencer Finch, Robert Gober, Jannis Kounellis, Bruce Nauman og Ernesto Neto, samt malerier og skulpturer af Janine Antoni, Aligheiro e Boetti, Cai Guo-Qiang, Isa Genzken, Alfred Jensen, og Brice Marden, blandt andre.
