Fra renæssancens storhedstid, gennem den impressionistiske periode og ind i det tidlige 20. århundrede, var kunsten lige så meget en konkurrencedygtig indsats som en kreativ.
I Italien i det 15. århundrede, i en overraskende oprør mod den foretrukne arkitekt og kunstner Filippo Brunelleschi, vandt Lorenzo Ghiberti en af de mest indflydelsesrige kunstkonkurrencer i sin tid: Kommissionen til at designe et sæt bronzedøre til det florentinske baptisteri. Ghibertis døre, "Paradisets porte", som de kom til at blive kendt, ville tjene som en af de vigtigste påvirkninger for senere kunstnere som Donatello og Michelangelo.
Under den strenge ledelse af École Nationale Supérieure des Beaux-arts i Paris, kunstnere som Renoir, Degas, David og Monet finslipede deres håndværk udelukkende gennem færdighedstest. Studerende konkurrerede om Grand Prix de Rome, et stipendium, der ville sikre et sted i det franske akademi i Rom, og producerede mesterværk efter mesterværk undervejs.
Et nyligt indlæg om designkonkurrencer på Aesthetic Grounds bragte dette uforvarende i tankerne. Mens konkurrencer inden for arkitektur og design trives (jeg vil være generøs), er antallet af billedkunstkonkurrencer faldet markant. Den eneste, jeg kunne indkalde til at tænke på, var den, der for nylig blev sponsoreret af Smithsonian's National Portrait Gallery (intet stik beregnet).
Der var en tid, hvor kunstnere brydde sig nok om deres arbejde til offentligt at stramme deres ting, og samfundet brydde sig nok om kunst til at give dem et forum til at gøre det. I dag er kunstens kampånd på linjen - til skade for både kunstnere og deres output. For hvis gensidig respekt og kærlighed til håndværk ikke har været i stand til at bringe den spidsfulde kunstverden sammen, kan en lidt venlig konkurrence muligvis gøre det.
