For mange er Isamu Noguchi den fyr, der opfandt det klassiske sofabord fra midten af århundrede - den med det tunge glas og den elegant buede træbase, der er en del af Museum of Modern Art's permanente samling og eftertragtes af designmisbrugere over hele verden. Noguchi er faktisk et designikon og betragtes også som en af de mest indflydelsesrige kunstnere i USA. Hvad der er mindre kendt er, at Noguchi frivilligt interneret sig under 2. verdenskrig for at forsøge at forbedre forholdene for sine japansk-amerikanere, på trods af at han personligt blev fritaget, fordi han boede på østkysten.
Denne februar markerer 75 år siden præsident Franklin D. Roosevelt underskrev udøvende bekendtgørelse 9066, der tvang dem fra japansk etnicitet på vestkysten til indlandsflytningscentre i hele krigen. To tredjedele af folk, der blev sendt til disse lejre, var amerikanske statsborgere. De fik kun få dage til at afvikle anliggender - lukke deres forretning, sælge deres hjem - og samle de personlige ting, de kunne bære.
Undertegnet næsten to måneder efter Pearl Harbor er udøvende bekendtgørelse 9066 en smertefuld blødhed på Amerikas demokrati, indbegrebet af en mørk periode med fremmedhad og racisme. På trods af en trussel mod den nationale sikkerhed blev næsten 110.000 japansk-amerikanere - inklusive spædbørn og børn - evakueret fra deres hjem, indesluttet af pigtråd og beskyttet ved pistolpunkt i en af ti interneringslejre over syv stater.
Senere samme år mødtes Noguchi, dengang en etableret kunstner, der allerede havde bygget den ikoniske News- skulptur på facaden af 50 Rockefeller Center, derefter ”Associated Press-bygningen”, mødt med John Collier, lederen af National Office of Indian Affairs, og endte med at indrømme sig selv i Poston War Relocation Center i det sydvestlige Arizona. (Med over 18.000 indbyggere var Poston beliggende på en indisk reservation fra Colorado Tribe under Colliers jurisdiktion.) Noguchi håbede at bidrage meningsfuldt til den japansk-amerikaners lidenskab gennem den sociale magt af kunst og design - med hans egne ord til at "med vilje blive en del af menneskeheden, der er udråbt. ”Han foreslog at undervise i traditionelt japansk håndværk og foreslog design til flere parker, haver og kirkegårde i lejrene. Efter alt, vidste ingen, hvor længe krigen eller lejrene ville vare.
Først skriver biograf Hayden Herrara i Listening To Stone: The Art and Life of Isamu Noguchi, kunstneren blev ”betaget af Postons enorme golde landskab” og ”blev en leder af fora i ørkenen for at finde jerntræer til skulptur.”
Men som ugerne gik, gik det bredere sociale formål med hans internering ikke som planlagt. Kunstmaterialer til hans arbejderklasser i keramik, ler og træ ankom aldrig; han var ikke i stand til at udføre nogen af de offentlige rum, han designet. Og da Noguchi ansøgte om at rejse (da han havde meldt sig frivilligt til at komme ind), afviste lejrens embedsmænd oprindeligt hans anmodning på grund af ”mistænkelige aktiviteter.
I denne uge for at falde sammen med jubilæet for EO 9066 åbner museet, der er viet til Noguchis karriere, Self-Interned og udforsker kunstnerens komplekse beslutning om at komme ind i Poston, hvor han boede fra maj til november 1942.
”Vi vil ikke give indtryk af, at Noguchis historie er repræsentativ for den japansk-amerikanske oplevelse under internering, ” siger Dakin Hart, en seniorkurator ved Noguchi-museet. Når alt kommer til alt valgte han sin internering. I henhold til Herrera's biografi følte de andre fanger ikke, at de havde meget til fælles med ham, en berømt Manhattan-kunstner. ”Men hans oplevelse er prismatisk, ” tilføjer Hart. ”Og selvfølgelig ændrede tingene sig for Noguchi, når han først var der, og han kunne ikke let forlade.”
“Noguchi var en intens patriot, ” siger Hart. ”Men en patriot af menneskeheden først, af planeten og det globale samfund.” På mange måder er hans personlige historie en af dybtgående typisk ”Americanness”, der krydser kulturer og landets fysiske landskab. Noguchi blev født i Los Angeles med en Brooklynite mor og en far, der var en rejseplan, japansk digter, og gik på gymnasiet i La Porte, Indiana, og er, i Hart's beskrivelse, "en ægte Hoosier" i gammeldags forstand af at være ”selvhjulpen og tilbøjelig til effektivitet.” På det tidspunkt gik han under det ”amerikaniserede” navn ”Sam” Gilmour (efter sin mors familie). Biografier beskriver Noguchis middelklasse-teenageår som temmelig typiske, komplette med den nødvendige amerikanske papirrute. På denne måde blev 2. verdenskrig, forklarer Hart, følelsesmæssigt knust, fordi det skabte de to halvdele af hans identitet mod hinanden, da de begik de mest "umenneskelige tænkelige ting overfor hinanden"
Doorway, Isamu Noguchi, 1964, rustfrit stål (© The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York / ARS. Foto af Kevin Noble) 
Mor og barn, Isamu Noguchi, 1944–47, Onyx (© The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York / ARS. Foto af Kevin Noble) 
Double Red Mountain, Isamu Noguchi, 1969, persisk rød travertin på japansk fyr (© The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York / ARS. Fotografi af Kevin Noble) 
Poston Park og rekreative områder i Poston, Isamu Noguchi, Arizona, 1942, tegning (© The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York / ARS. Fotografi af Kevin Noble) 
Untitled, Isamu Noguchi, 1943, træ, snor (© The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York / ARS. Fotografi af Kevin Noble) 
Lily Zietz, Isamu Noguchi, 1941, gips (© The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York / ARS. Fotografi af Kevin Noble) Ud over skulpturelt arbejde præsenterer Self-Interned dokumenter fra postlister og aktivistgrupper, som Noguchi indsamlede, forklarer Hart. ”Fra dette skriftlige materiale er det, du er klar over, den grundlæggende formodning [af regeringsmyndighederne] om, at nogen af japansk arv ikke var en del af det amerikanske samfund, ” siger han. Det var denne indbyggede antagelse om skyld eller ”skadelig anden”, der ramte Noguchi fra 3.000 miles væk i New York. (Smithsonian American Art Museum viser i øjeblikket et tilbageblik på Noguchis karriere.)
Noguchi er bestemt den mest berømte japansk-amerikaner til at skabe kunst under disse dystre forhold. Men der er en bredere mængde arbejde reddet fra interneringslejre - et vidnesbyrd om magten i kunstens transcendens og værdighed i tider med ekstreme vanskeligheder. For eksempel viste en Smithsonian America Art Museum 2011-udstilling på Renwick-galleriet, gæstekurateret af Delphine Hirasuna og baseret på hendes bog, The Art of Gaman, mere end 120 genstande - tekande, møbler, legetøj, vedhæng og musikinstrumenter - lavet af japansk-amerikanere fra 1942 til 1946 af rester og materialer, de fandt i fangenskab. Og i 2015 rejste The Art of Gaman til Houston's Holocaust-museum. Bemærkelsesværdigt var jøder under nogle af historiens mest umenneskelige forhold stadig i hemmelighed at male og tegne i ghettoer og i koncentrationslejre. Sidste vinter udstillede det tyske historiske museum 100 kunstværker skabt af jøder midt i Holocaust fra samlingen af Yad Vashem, World Holocaust Remembrance Center i Jerusalem. Mange af magierne fremkalder en alternativ verden, bevis på ufattelig styrke og ånd i ansigtets død og tortur.
Mens han var i Poston, hjalp Noguchi også med at organisere en retrospektiv af sit arbejde med San Francisco Museum of Art (forgængeren for dagens SFMOMA). Udstillingen åbnede i juli 1942, med kunstneren stadig begrænset til en interneringslejr og San Francisco, som Hart forklarer, i greb om "udbredt racistisk paranoia, der sanktionerede sådanne vederstyggeligheder som salg af" Jap-jagt "-licenser.” Efter Pearl Harbor, nogle af museet drøftede, om de skulle fortsætte med udstillingen. Måske mest bevægende, i et brev til museets bestyrelse, skrev museumsdirektør Grace McCann Morley, "Den kulturelle og racemiks, som personificeres af Noguchi, er den naturlige antithese af alle lejere på magtaksen."
”De nyankomne kommer stadig ind, ” skrev Noguchi i et upubliceret Poston-essay. ”Ud af de voldsomme busser snubler mænd, kvinder, børn, de stærke, de syge, de rige, de fattige… De er fingeraftryk, erklærer deres loyalitet, optager sig i krigen Relocation Work Corps… og introduceres til deres nye hjem, 20 x 25 meter tjærepapirhytte, hvor de skal bo i varigheden fem til et rum. ”
I det 21. århundrede tænkes kunsten for ofte som supplerende eller supplerende - et biprodukt af samfundets komfort og sikkerhed. Og dermed mister kunstgenstande deres retmæssige konsekvens. Malerier bliver smukke billeder; skulpturer er kun dekorative eller dekorative. Men Selvinterneret minder brugerne om, at kunst handler om overlevelse. Kunstnere skaber altid, selv når reglerne i civilsamfundet er suspenderet, og ting falder fra hinanden omkring dem (måske da, kun mere så). De gør det for at vidne, som Holocaust-arkivister beskriver, og for at give deres samfund håb og adel med kreativitet og æstetisk skønhed, uanset hvor meget deres regering eller naboer har forrådt dem. Ti år senere viser skulpturer som Noguchis fra denne periode især menneskehedens fælles tråde, som historien viser uundgåeligt glider ud af vores kollektive hukommelse.
I sidste ende er dette kraften fra Selvinterneret. Den er succesrig som både en ambitiøs kunstudstilling og en forsigtighedsfortælling midt i nutidens diskussioner om et register over muslimske indvandrere. Der kan altid være had og frygt for 'den anden', men der vil også være kunstnere, der formår at skabe ting af skønhed - at løfte os fra vores omgivelser og minde os om vores ensartethed - når vi har mest brug for det.
