En kvinde slentre ned ad en gade, iført en flydende turkis kjole og røde sko lige ud af Oz. Hun er glad, ubekymret og bærer en fakkellilje - som hun fortsætter med at svinge med glæde og med største lethed ind i vinduet på en parkeret bil.
Denne videoinstallation fra 1997, Ever Is Over All, af den schweiziske kunstner Pipilotti Rist, omslutter skønheden, ironien og overtrædelsen i hjertet af "Damage Control: Art and Destruction since 1950", som nu kan ses på Hirshhorn Museum. Udstillingen sporer temaet ødelæggelse i nutidskunst fra den tidlige atomtid til nutiden. Showet begynder passende nok med et smell: Harold Edgertons optagelser af nukleare detoneringer.
I begyndelsen af 1950'erne filmet MIT-ingeniøren en række atombomptest for den amerikanske regering og projicerede en uudslettelig vision om menneskehedens ødelæggelse. Edgertons 12-minutters stumfilm skildrer ildkugler, der svulmer ind i solskin, svampeskyer, der klatrer op ad himlen, ørkensand, der dirrer og slår sig tilbage på plads som havevande. ”De er et skue, som du bliver trukket mod, ” siger Hirshhorn interim direktør Kerry Brougher, der co-kuraterede “Damage Control” med UCLAs Russell Ferguson. ”Det er showets dobbelte natur - ødelæggelse som noget forfærdeligt, men også noget smukt.”
Brougher ser opfindelsen af atombomben - og det forestående udsigt til global holocaust - som et vendepunkt i kunsthistorien, hvilket tvinger kunstnere til at tænke anderledes om ødelæggelse. ”I lyset af atombomben, hvad gjorde det for at lave et maleri?” Siger han. ”Kunstnere begyndte at bruge ødelæggelse for at bekæmpe ild med ild.” En sådan kunstner var Raphael Ortiz, hvis klaver Destruktionskoncert - eller hvad der er tilbage af det - ligger ved siden af Edgerton-filmen i indgangen til udstillingen. Ortiz ødelagde et flygel på åbningen af "Damage Control" i oktober 2013 og knuste instrumentets nøgler og inderslag med en hammer i et ritualistisk stykke performancekunst.
Værket er en genindførelse af Ortizs historiske klaverdekonstruktion ved destruktionen i kunstsymposium i 1966, som Brougher citerer som en vigtig inspiration til ”Damage Control.” På symposiet blev initiativtaget af Gustav Metzger indkaldt til kunstnere fra hele verden for at annoncere en ny, militant belastning af destruktiv kunst, der reagerede på politiske og sociale realiteter. Mens Ortiz ødelagde sit klaver, malede Metzger på nylon med saltsyre og skabte "autodestruktiv kunst", og Yoko Ono umulige hendes egen krop i Cut Piece og inviterede publikum til at skære hende med en saks.
”Det var chokerende, ” siger Brougher om symposiet. ”Folk vidste ikke, hvordan de skulle tage det.” Men en ting var sikker: den nye ødelæggelse var her for at blive.
I stigende grad påførte kunstnere ødelæggelse på sig selv og deres egne kunstværker. I 1970 brændte John Baldessari alle sine tidligere malerier i en formel genopfinde kaldet Cremation Project . (Han bager noget af asken fra sit arbejde i småkager.) I sit 2001-stykket Break Down, Michael Landy, oprettede en demonteringslinje for sine personlige ejendele og lejede en 11-personers besætning til at inventar og ødelægge alt det sidste, han ejede .
Turnerprisvindende kunstner Steve McQueen - nu bedst kendt for sine spillefilm, Hunger, Shame og 12 Years a Slave - fremstiller sig selv i ildlinjen i Deadpan (1997), en genopførelse af Buster Keatons faldende husgag fra Steamboat Bill Jr. McQueen gør mere end nyindspilning af stuntet; hans tilstedeværelse som sort mand forvandler værket til en kommentar til racerelationer og den sorte oplevelses usikkerhed. ”Du er nødt til at stå nøjagtigt rigtigt, så du ikke bliver ramt, ” observerer Brougher.
Nogle kunstnere sigtede mod deres forgængers arbejde. I 1953 bad Robert Rauschenberg Willem de Kooning om en tegning af hans til at slette. De Kooning ydmygede den yngre kunstner og anerkendte i gestus en kunstnerisk ændring af vagten fra abstrakt ekspressionisme til popkunst. Han gjorde det ikke let for Rauschenberg, men gav ham en ekstremt kompleks tegning, der tog uger at slette. Resultatet er en spøgelsesrig palimpsest, der fremkalder afslutningen på en æra.
Jake og Dinos Chapman, skade til fornærmelse mod skade, 2004. © Jake og Dinos Chapman. Høflighed White Cube
I en lignende handling med kreativ vandalisme forskrækker Britarts enfants Jake og Dinos Chapman et sæt Goyas 1810-1820 Disaster of War etchings - som skildrer forfærdeligheden ved Spaniens uafhængighedskrig fra Frankrig - for at skabe deres fornærmelse mod skade (2003), udskiftning af ofrene for de groteske hoveder af klovne og hvalpe.
Men måske er det mest (i) berømte eksempel på afskæring i “Damage Control” Ai Weiwei's Droping a Han Dynasty Urn, en triptyk, der viser den kinesiske kunstner, der gør netop det. Hvornår er destruktion kreativ versus nihilistisk? Brougher siger, at det er en fin linje, men det kommer ned på "ideerne bag det, som du gør det." Ai bragte for eksempel urnen til at kritisere samfundsmæssige værdier - hvordan vi beslutter, hvad et kunstværk er "værd", og hvad den dollarværdi betyder virkelig.
De sidste stykker i “Damage Control” berører den nuværende frygt for terrorisme snarere end paranoia i den kolde krig. Big Bang, af den israelske kunstner Ori Gersht, ligner et stilleben, men er faktisk en film, der afslører sin eponymous overraskelse i langsom motion, mens Nature morte aux granater af den palæstinensk-fødte kunstner Mona Hatoum deaktiverer en cache af granater ved at mode dem fra slikfarvet glas - men arranger dem på en stålkirtel, der gendanner deres dødbringende potentiale. Brougher ser temaet ødelæggelse som et "kontinuum" i kunsthistorien, med verdens nærmeste trusler, der udvikler sig fra brintbomber til selvmordsbomber og naturkatastrofer. "Der var ikke noget godt øjeblik at stoppe [udstillingen], " siger han. "Den hårde del var at begrænse antallet af kunstnere i showet. Der er så meget ødelæggelse."
"Skadekontrol: kunst og ødelæggelse siden 1950" er synlig gennem 26. maj 2014 og rejser til Mudam i Luxembourg, 12. juli - 12. oktober 2014 og til Kunsthaus Graz, medio november 2014 til midten af marts 2015 .
