Diane Arbus 'arbejde var kun inkluderet i en håndfuld museumsudstillinger, før hun døde af sin egen hånd i en alder af 48 i 1971. Ikke desto mindre havde hun allerede fået kendskab med en række uforglemmelige billeder - en "jødisk gigant" truende over hans forbløffede forældre, et ældre par, der sad nøgen i en nudistcamp-hytte, en grimaserende dreng, der greb en legetøjshåndgranat - der synes at afspejle vores dybeste frygt og mest private ønsker.
Den første større retrospektiv af Arbus 'arbejde blev afholdt i 1972, et år efter hendes død, på Museum of Modern Art (MOMA) i New York City, hvor hun boede det meste af sit liv. Showet trak enorme skarer og ros for menneskeheden og den formelle skønhed i sit arbejde. Men nogle fandt, at hendes billeder var foruroligende, endda frastødende: kritikeren Susan Sontag, for eksempel, kaldte hendes portrætter af “forskellige monstre og kantlinjesager. . . . anti-humanist. ”Arbus 'arbejde, skrev Sontag, " viser mennesker, der er patetiske, pittige og frastødende, men det vekker ikke nogen medfølende følelser. "
I dag er Arbus, der engang sagde, at hendes billeder forsøgte at fange ”rummet mellem hvem nogen er, og hvem de tror, de er”, blevet en af USAs mest kendte fotografer og en af dens mest kontroversielle. Men hendes præstationer som kunstner er blevet overskygget af hendes selvmord og af den foruroligende mærkelighed, der kommer ud af hendes billeder. Hun er berømt som ”fotograf af freaks” og er blevet betragtet som noget af en freak selv.
Nu drøfter en ny generation af seere og kritikere betydningen og betydningen af Arbus 'overbevisende, foruroligende billeder takket være “Diane Arbus Revelations”, en udstilling med næsten 200 af hendes billeder på Los Angeles County Museum of Art gennem maj 31. Det første Arbus-retrospektiv siden MOMA-showet i 1972, "Revelations", placerer hende i centrum af det amerikanske fotografering fra det 20. århundrede.
”At kaste Arbus i rollen som en tragisk figur, der identificerede sig med freaks, er at bagatellisere hendes præstation, ” siger Sandra S. Phillips, seniorkurator for fotografering på San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), hvor showet stammer fra. ”Hun var en stor humanistisk fotograf, der var i spidsen for hvad der er blevet anerkendt som en ny form for fotografisk kunst.”
Udstillingen har allerede fremkaldt stærke kritiske reaktioner. San Francisco Chronicle- kunstkritiker Kenneth Baker roste Arbus 'arbejde for dets intelligens og medfølelse, og Arthur Lubow, der skrev i New York Times Magazine, kaldte hende "en af de mest magtfulde amerikanske kunstnere i det 20. århundrede." Men andre har afvist hende. som skyld-redet og sygeligt. "Arbus er en af disse uærlige bohemer, " skrev Den Nye Republiks Jed Perl, "der fejrer andre menneskers excentricitet og aggrandiserer deres eget narcissistisk pessimistiske syn på verden."
Meninger vil sandsynligvis blive endnu dybere splittet, efterhånden som showet bevæger sig rundt i landet - ved siden af Museum of Fine Arts i Houston (27. juni-29. august) og derefter til Metropolitan Museum of Art i New York City (1. marts-29. maj), 2005). Yderligere spillesteder inkluderer Museum Folkwang i Essen, Tyskland, Victoria og AlbertMuseum i London og WalkerArtCenter i Minneapolis.
Jeff Rosenheim, Metropolitan's associerede kurator for fotografering, mener, at Arbus 'billeder forbliver provokerende, fordi de rejser foruroligende spørgsmål om forholdet mellem fotograf, emne og publikum. ”Hendes arbejde implicerer dig og synetik i sig selv, ” siger han. ”Vores licens til at have denne oplevelse af at se en anden person ændres og udfordres, understøttes og beriges. Jeg er overbevist om, at dette muligvis er den vigtigste enkelt-kunstnerfotograferingsudstilling, som vores museum nogensinde vil gøre. ”
Indtil for nylig omringede mysteriet mange af detaljerne i Arbus 'liv og arbejde. I årtier nægtede hendes ejendom at samarbejde med enhver indsats for at skrive en Arbus-biografi og gjorde det muligt for offentligheden kun at se en lille del af sit arbejde. Alt dette har ændret sig med den nye udstilling, der blev udviklet i samarbejde med godset og dets administrator, Doon Arbus, den ældste af Arbus 'to døtre. Showet inkluderer ikke kun Arbus 'mest berømte billeder, men også tidlige fotografier og modent arbejde, der aldrig var udstillet før. Derudover formidler visninger af hendes bøger, kameraer, breve og arbejdsbøger en kraftfuld fornemmelse af fotografens personlighed - finurlig, sindig og uendelig nysgerrig.
”Dette er et nyt syn på Arbus gennem hendes egne ord, ” siger den uafhængige kurator Elisabeth Sussman, der organiserede retrospektivet med SFMOMAs Phillips. ”Hun var ekstremt smart og vittig og utrolig opmærksom, og fotografierne er bare en del af det.”
Udstillingskataloget, Diane Arbus Revelations (Random House), tilbyder ikke kun det mest komplette udvalg af Arbus-billeder, der nogensinde er lagt mellem omslag, men også en fascinerende 104-siders illustreret kronologi af Arbus 'liv, besat med uddrag fra hendes breve og andre skrifter. Kronologien, der er sammensat af Sussman og Doon Arbus, er faktisk fotografens første autoriserede biografi og den første, der kan trække på sine papirer.
Arbus blev født Diane Nemerov i 1923. Hendes mor, Gertrude, valgte sin datters navn og udtalte det "Dee-Ann." Talent var rigeligt i Nemerov-familien, et velhavende New York-klan, der drev Russeks, et moderigtigt stormagasin Fifth Avenue. Dianes ældre bror var Howard Nemerov, en Pulitzer-prisvindende digter, der blev udnævnt til US poet laureaat i 1988. Hendes yngre søster, Renée Sparkia, blev billedhugger og designer. Efter at have trukket sig tilbage fra Russeks startede deres far, David Nemerov, en anden, succesrig karriere som maler.
Dianes kunstneriske og litterære gaver blev tidligt synlige. Hendes far opmuntrede hende til at blive maler, og hun studerede kunst i gymnasiet. I en alder af 14 blev hun forelsket i Allan Arbus, den 19-årige nevø af en af hendes fars forretningspartnere. Hendes forældre afviste hendes forelskelse, men romantikken blomstrede i det skjulte. Snart mistede Diane interessen for at male og gå på college og sagde, at hendes eneste ambition var at blive Allans kone. ”Jeg hadede maleri, og jeg stoppede lige efter gymnasiet, fordi jeg konstant fik at vide, hvor fantastisk jeg var, ” sagde hun mange år senere. ”Jeg havde den fornemmelse, at hvis jeg var så fantastisk på det, var det ikke værd at gøre.”
Diane og Allan blev gift, så snart hun fyldte 18 år, i 1941, med den bekymrende accept af sin familie. Parret forfulgte en fælles interesse for fotografering og gjorde badeværelset i deres Manhattan-lejlighed til et mørkt rum på deltid. David Nemerov gav dem arbejde med at skyde modefotografier til Russeks annoncer.
Under 2. verdenskrig tjente Allan som militærfotograf. Et af de tidligste fotografier i showet “Revelations” er et selvportræt fra Diane fra 1945, der blev lavet til Allan, mens han var i hæren. Skønt hun er gravid med Doon, som skulle blive født senere det år, er hun på billedet stadig slank og meget smuk med mørke øjne og en vemodig, anden verdens luft.
Efter krigen startede Arbuses 'karriere som kommercielle fotografer, og snart arbejdede de for top kvindeblade og reklamebureauer. Normalt skød Allan billederne, mens Diane kom med smarte ideer og rekvisitter. Diane tog sig også af Doon og deres anden datter, Amy, født i 1954. (Doon, nu 59, blev forfatter, arbejdede på flere magasinprojekter med sin mor og udgav senere to bøger med fotografen Richard Avedon. Amy fulgte med i sin mors fodspor og blev fotograf.)
Et fotografi, som Allan og Diane lavede til Vogue-magasinet af en far og søn, der læste en avis, var inkluderet i Museum of Modern Art's populære ”The Family of Man” -show i 1955. Men begge følte sig frustrerede over modeens begrænsninger og stress. arbejde. Diane ville være kunstner, ikke bare stylist, mens Allan drømte om at blive skuespiller. Deres voksende utilfredshed lægger pres på deres ægteskab. Det gjorde de depressive episoder, som Diane led, svarende til fortvivlelsen, der med jævne mellemrum havde lammet hendes mor. I 1956 stoppede Diane parets virksomhed for at lave fotografier på egen hånd. Allan fortsatte med at arbejde under navnet Diane & Allan Arbus, mens han tog skuespillerklasser og begyndte en karriere i teatret.
Selvom magasiner som Life, Look og Saturday Evening Post havde skabt et blomstrende marked for fotografering, var der kun lidt interesse for billeder, hvis eneste formål var at være et kunstværk snarere end at dokumentere sociale realiteter eller sælge produkter. Ikke desto mindre forfulgte Robert Frank, William Klein og andre flygtninge fra modeverdenen deres egen vision om, hvad fotografering kunne være, og en favorit tilgang var gadefotografering, der opdagede uventet skønhed og mening i hverdagens mennesker og steder.
Flere af Diane Arbus 'tidlige fotografier i den aktuelle udstilling viser hende, hvor hun prøvede sin egen version af gadefotografering. Men hun havde endnu ikke fundet sit emne. Et vendepunkt kom, da hun tog en klasse hos den wienerfødte fotograf Lisette Model på New Yorks NewSchool.
”Hun kom til mig og sagde: 'Jeg kan ikke fotografere, '” Model fortalte senere Doon Arbus. ”Og jeg sagde 'Hvorfor ikke?' Og hun sagde: "Fordi hvad jeg vil fotografere, kan jeg ikke fotografere." ”Model sagde til Diane at gå hjem og finde ud af, hvad det var, hun virkelig ville tage billeder af. ”Og den næste session kom hun til mig, og hun sagde: 'Jeg vil fotografere, hvad der er ondt.' Og det var det, ”sagde Model.
”Jeg tror, hvad hun mente ikke var, at det var ondt, men at det var forbudt, at det altid havde været for farligt, for skræmmende eller for grimt til at nogen anden kunne se på, ” skrev Doon i en erindring, der blev offentliggjort kort efter hende mors død. ”Hun var fast besluttet på at afsløre, hvad andre havde lært at vende ryggen til.”
Diane var fascineret af risikotagelse og havde længe omfavnet New York Citys kunstverden livs-til-kant-holdninger til penge, social status og seksuel frihed. Nu forfulgte hun den samme slags spænding i sine fotografier. ”Jeg har altid tænkt på fotografering som en fræk ting at gøre - det var en af mine yndlings ting ved det, og når jeg først gjorde det, følte jeg mig meget pervers, ” huskede hun senere. Model havde ofte taget fotografier af de sømandere dele af byen, herunder Coney Island og Hubert's Museum, en sideshow på Times Square. Arbus gik endnu længere og udforskede voksmuseer, dansesaler og flophouses. "Min favorit ting, " citeres Arbus ofte for at sige, "er at gå hen, hvor jeg aldrig har været."
Vi får et glimt af hendes altetende følsomhed i udstillingerne af personlige materialer i udstillingen. Der er godt tømrede kunstbøger (om Delacroix, Picasso, Berenice Abbott, El Greco) og tekster både vægtige (filosofiske essays af Schopenhauer) og hofte (Allen Ginsbergs episke digt Howl ) sammen med lister over ideer til projekter ("seance, sigøjner, tatovering, opera, der åbner backstage ”), samlinger af avisudklip (“ Woman Tortured by Agonizing ITCH ”) og mindesmærker om ulige karakterer (942 pund“ Human Blimp ”). Genoprettelse af et af hendes opslagstavler kombinerer hendes egne fotografier (af en treøjet cirkusfreak og hans kone, af en smuk pige og hendes mor) med postkort, øjebliksbilleder, tabloidfotos (en udpakket mumie, en snarling J. Edgar Hoover) og et panel revet fra en komisk advarsel fra "Orphan Annie", "De bedste ting, der transporteres til overskydende, er forkert."
I 1959 adskilte Arbuses sig, og Diane flyttede ind i et lille vognhus i Greenwich Village med deres to døtre. Hendes nye situation og hendes beslutsomhed til at være uafhængig skabte pres på hende for at skabe mere indkomst. Heldigvis åbnede nye muligheder sig. Nogle magasiner begyndte at udgive et mere personlig, romanistisk mærke journalistik, der havde brug for en ny, bevidst kunstnerisk form for fotografering for at supplere den. I efteråret 1959 opnåede Diane sin første magasinopgave, et fotosession om New York City for Esquire, der omfattede portrætter af en Skid Row-eksentriker, en sideshow-kunstner kendt som Jungle Creep, en ung socialite og et anonymt lig.
Billederne havde imidlertid ikke det karakteristiske skarpe fokus-look, som vi generelt forbinder med Arbus. I 1950'erne og begyndelsen af 60'erne brugte hun et 35-millimeter kamera og naturlig belysning, og hendes arbejde fra denne periode viste indflydelse fra Model, Robert Frank og andre udøvere af gadefotografering. Ligesom dem foretrak hun slørede overflader og kornede teksturer, langt fra det ryddige udseende fra almindelige kommercielle fotografier.
Derefter, engang omkring 1962, skiftede hun til et 2 1/4-format kamera, som gjorde det muligt for hende at skabe skarpere billeder med strålende detaljer. Hun beskrev dette skift år senere, huskede, at hun var blevet træt af kornede strukturer og ville ”se forskellen mellem kød og materiale, densiteterne af forskellige slags ting: luft og vand og skinnende.” Hun tilføjede, ”Jeg begyndte at Bliv frygtelig hyped af klarhed. ”
Dette skift var heller ikke kun et spørgsmål om kamerastørrelse eller valg af belysning (hun tilføjede senere en strobe-blitz). Mere og mere gjorde Arbus sit intense forhold til de mennesker, hun fotograferede emnet for sit arbejde - hendes nysgerrighed omkring detaljerne i deres liv, deres vilje til at dele deres hemmeligheder og det spændende ubehag, hun følte under disse møder. ”Hun kunne hypnotisere folk, jeg sværger, ” citeres kollega-fotograf Joel Meyerowitz i Patricia Bosworth's uautoriserede biografi fra 1984 fra Arbus. ”Hun ville begynde at tale med dem, og de ville være så fascinerede af hende, som hun var med dem.” Denne følelse af gensidighed er en af de mest slående og originale ting ved Arbus 'fotografier, hvilket giver dem en klarhed og fokus, der er lige så meget psykologisk som fotografisk.
En læser af Freud, Nietzsche og James Frazers afhandling om religion og mytologi, The Golden Bough, Arbus så cirkusartister, excentriker, dværge og transvestitter, hun fotograferede både som fascinerende virkelighedsliv og som mytiske figurer. Gennem dem fandt hun vej til endnu flere mennesker og steder langt fra sin egen baggrund. ”Jeg har lært at komme forbi døren fra ydersiden til indersiden, ” skrev hun i en stipendiatansøgning fra 1965. ”Et miljø fører til et andet. Jeg vil være i stand til at følge. ”
Hendes intelligens og elfin skønhed viste sig at være værdifulde aktiver. Og hendes begejstrede påskønnelse af den, der slog hende som ekstraordinær, gjorde det muligt for hende at få hovedret til en kvindelig imødekommende boudoir, en dværgs hotelværelse og utallige andre steder, der ville have været lukket for en mindre vedvarende, mindre tiltalende fotograf. Når hun fik tilladelse til at tage billeder, tilbragte hun muligvis timer, endda dage med at skyde sine motiver igen og igen og igen.
Hendes fag blev ofte samarbejdspartnere i skabelsesprocessen, undertiden over mange år. For eksempel dukkede den mexicanske dværg, hun fotograferede på et hotelværelse i 1960, stadig ud på sine fotografier ti år senere. Og hun fotograferede først Eddie Carmel, som hun kaldte den jødiske kæmpe, med sine forældre i 1960, ti år før hun omsider fandt det portræt, hun havde søgt.
Da Arbus rejste til San Francisco i 1967, introducerede fotograf Edmund Shea hende for nogle ”hippie-kyllinger”, der arbejdede som toppløse dansere. Han var ikke overrasket over, at Arbus var i stand til at overbevise dem om at stille for hende. ”Nogle mennesker kan lide at betragte hende som kynisk. Det er en total misforståelse, ”siger han. ”Hun var meget følelsesmæssig åben. Hun var meget intens og direkte, og folk relaterede til det. ”Arbus havde selv blandede følelser omkring sin evne til at tegne sine emner. ”Slags to-ansigt” er, hvordan hun engang beskrev sig selv: ”Jeg hører mig selv sige, 'Hvor fantastisk.' . . . Jeg mener ikke, jeg ville ønske, at jeg så sådan ud. Jeg mener ikke, at jeg skulle ønske, at mine børn så sådan ud. Jeg mener ikke, jeg vil kysse dig i mit private liv. Men jeg mener, det er utroligt, unægteligt noget. ”
I flere år viste Arbus 'karakteristiske fotografier sig populær blandt tidsskriftredaktører. Efter det første Esquire- fotosessay offentliggjorde hun mere end 250 billeder i Harper's Bazaar, Sunday Times Magazine i London og mere end et dusin andre magasiner, og genererede hundreder af ekstra billeder, der blev tildelt men gik upublicerede. Hun udførte også et lille antal private kommissioner, hvoraf den ene danner grundlaget for en mindre Arbus-udstilling, der også rejser landet i år og næste år. Med titlen "Diane Arbus: Family Albums" stammer showet på Mount Holyoke College Art Museum i Massachusetts og præsenterer nogle af Arbus 'magasinportrætter af berømtheder sammen med de komplette kontaktark fra en nyligt opdaget fotosession med en Manhattan-familie. Showets run inkluderer stop i Maine, Oregon og Kansas.
Selv om Arbus betragtede meget af hendes fotografering-forhire som ren betaling for regningerne, overbeviste hun ofte magasinredaktører til at hjælpe med at finansiere og få adgang til sine kunstneriske projekter. Nogle af hendes mest personlige, bedst kendte fotografier - for eksempel portrættet af kongen og dronningen af en ældre dans til 1970 - optrådte først i magasiner med stor omsætning. Samtidig begyndte kunstværden at erkende, at Arbus 'billeder var mere end smart magasinjournalistik. I 1967 blev 32 af hendes fotografier valgt af MOMA til udstillingen "Nye dokumenter". Showet omfattede også arbejde af to andre vigtige unge fotografer, Lee Friedlander og Garry Winogrand, men Arbus trak det meste af opmærksomheden. New York- magasinet kaldte sit arbejde "brutalt, våget og afslørende", og Newsweek krediterede hende "den skarpe krystalklare generøse vision for en digter." Men New York Times- kritikeren Jacob Deschin skrev, at hendes arbejde "nogle gange. . . grænser tæt på dårlig smag, ”og andre seere fandt, at hendes billeder var irriterende.
”Jeg kan huske, at jeg gik til 'Nye dokumenter', da jeg var på college og så en mand spytte på hendes arbejde, ” siger SFMOMAs Phillips. ”Folk havde ikke set et entydigt billede af en mand i curlers med lange negle, der ryger en cigaret, og på det tidspunkt virkede det konfronterende. Nu på denne afstand ser det ud til at være elegant og empatisk snarere end truende. ”Arbus fandt opmærksomheden svær at tackle. ”Showet var pragtfuldt, men for mange opkald og breve, og folk syntes, at jeg er en ekspert eller utroligt elskelig, ” skrev hun til en ven. ”Jeg er nødt til at være forladt og anonym for at være rigtig glad.” Hun fortalte en interviewer fra Newsweek, ”Jeg troede altid, at jeg ville vente, indtil jeg er halvfems med at få et show. . . Jeg ville vente til jeg fik det hele gjort. ”
Omvendt faldt hendes voksende berømmelse sammen med et fald i opgaver, delvis på grund af skiftende mode, delvis fordi berømtheder måske har været på vagt over at blive fotograferet af en kvinde, der blev berømt (i en korrekturlæser ord) som ”troldmanden fra odds. ”For at komplicere sagen yderligere flyttede Allan, som hun forblev tæt på, til Californien i 1969 for at forfølge en skuespillerkarriere på fuld tid. Efterhånden landede han arbejde i snesevis af film og begyndte i 1973 en langvarig rolle i den populære tv-serie “M * A * S * H” som psykiater Dr. Sidney Freedman.
I håb om at få nogle indtægter lancerede Diane planer om at sælge en begrænset udgave af ti af hendes fotografier, indkapslet i en klar plastkasse, der ville fungere som en ramme, for $ 1.000 pr. Sæt. Projektet var dog forud for sin tid, og kun fire sæt solgte i løbet af hendes levetid: det ene til kunstneren Jasper Johns, de andre tre til nære venner. ”Hun prøvede at pakke fotografering som en kunstform, før det virkelig blev accepteret som sådan, ” siger Phillips. For nylig befalte et af sættene $ 380.000 på auktion.
Men hvis penge undgik hende, gjorde anerkendelsen det ikke. Museer inkluderede hendes arbejde i shows, og forlagene undgav forgæves for at komme med en bog med hendes billeder. I 1971 blev hun valgt til at repræsentere De Forenede Stater på Biennalen i Venedig i 1972 - den første amerikanske fotograf, der nogensinde blev hædret ved denne prestigefyldte kunstbegivenhed. Men hun ser ud til at have set sådanne beviser på succes som en distraktion fra sit ønske om at fortsætte med at tilføje sit fotografiske katalog - hun kaldte det sin sommerfuglkollektion - af ulige og spændende mennesker. A1971-stipendiatforslaget (som ikke blev accepteret) beskrev et ønske om at fotografere ”Forskellen. De med fødsel, ulykke, valg, tro, forudindtagelse, inerti. ”Udfordringen, skrev hun, var“ ikke at ignorere dem, ikke at klumpe dem alle sammen, men at se dem, at tage varsel, være opmærksomme. ”
Et projekt, der især engagerede hende, var en serie fotografier, der blev startet i 1969 af beboere ved statsinstitutioner for stærkt tilbagestående. Hun søgte et nyt look og kæmpede for at bruge naturligt lys i kombination med strobe-blitz eller i sig selv, "forsøgte at gøre mine skarpe billeder sløret, men ikke så meget, " skrev hun til sin eksmand den august. Ved udgangen af året fik hun resultater, der begejstrede hende. ”Jeg tog de mest fantastiske billeder, ” rapporterede hun i et andet brev til Allan og kaldte dem ”lyrisk og øm og smuk.” Disse billeder markerede en ny retning med deres bløde belysning og mere afslappet sammensætning - ”som snapshots, men bedre, ” Diane skrev. De er aldrig vist i løbet af hendes levetid, de fremstår som blandt hendes mest bevægende, mest kraftfulde fotografier. Men hverken den anerkendelse, hun fik, eller selve arbejdet kunne undgå de perioder med depression, sandsynligvis forværret af flere anfald med hepatitis, der plagede hende. I 1968 beskrev hun sine mørke stemninger til en ven som ”kemisk, jeg er overbevist. Energi, en speciel form for energi, lækker bare ud, og jeg bliver tilbage uden at have tillid til at krydse gaden. ”Sommeren 1971 blev hun igen overvældet af” blues ”. Denne gang viste de sig dødelig. Den 26. juli tog hun en stor mængde barbiturater og spalte sine håndled. En ven opdagede hendes krop i badekarret i hendes WestVillage-lejlighed to dage senere.
Arbus 'død og showet fra 1972, der fulgte, gjorde hende berømt på en måde, hun aldrig havde været, mens hun levede. Men nogle kritikere fandt i hendes selvmordsbevis, at hendes billeder afspejler patologi mere end kunst. Faktisk har dramaet i hendes liv undertiden truet med at formørge omdømmet for sit arbejde. Men hvor meget hendes kunst og liv måske er blevet forvirret, er virkningen af Arbus 'fotografier og deres evne til at smelte mytikken med det meget personlige stærkere end nogensinde før.
Ved at give offentligheden en chance for at støde på et hidtil uset antal af hendes billeder, viser ”Revelations” -udstillingen, at hun var en kunstner i første rang og en pioner inden for at nedbryde murene, der adskiller fotografering fra maleri og resten af den såkaldte finere kunst.
Showet spørger også, om den foruroligende intimitet, der stadig undertiden ses som en svaghed, ikke i stedet er en kilde til kunstnerisk kraft i Arbus 'billeder. I sit katalogessay bemærker Phillips den høje værdi, som kunstverdenen i 1960'erne lægger på værker, der var "selvsikker, endda arrogant og mistænksom overfor indhold, " især indhold, der smækkede af følelser eller historiefortælling. Efter denne standard kunne Arbus 'arbejde let afskediges som for personligt, for neurotisk. I det 21. århundrede er Arbus imidlertid med personlig identitet og fortællende centrale spørgsmål for kunstnere fremkommet som en dristig innovatør.
”Jeg er aldrig blevet rørt af nogen anden kunstner, som jeg har været af Arbus, ” siger MetropolitanMuseums Rosenheim. ”Hendes billeder har denne magt, der er den nøjagtige sammenhæng mellem det intime forhold, hun må have haft til sine motiver. De påvirker evigt, hvordan du ser på verden. ”Uanset om Arbus fotograferer en tatoveret mand, en dronning eller en grædende baby, jo mere vi ser på hendes billeder, jo mere føler vi, de ser tilbage på os.
