Det plejede at være, at de fleste mennesker kunne lide at tænke på kreativitet som en blitz i mørket - en pludselig, mystisk, epifhanisk bolt, der startede oprettelsen af et maleri eller digt eller innovativ virksomhed. Men der er en voksende interesse i at dissekere og analysere den kreative proces.
Med udgivelsen af Jonah Lehrers nye bog, Forestil dig: Hvordan kreativitet fungerer, har videnskaben om kreative handlinger været mediernes sind for nylig. Lehrer gjorde en god samtale med Dave Davies på NPR's Fresh Air i sidste uge om hans bog, der specifikt fokuserer på kreativitet på arbejdspladsen.
Ved at udforske den kognitive og adfærdsmæssige minutia fra, for eksempel, produktudviklingsholdet, der kom med Swiffer, får Lehrer forestillingen om, at kreativitet ikke er den eksklusive grusbane for genier. En hel kæde af begivenheder og adskillige mennesker er ofte involveret i at give en idé sammen, indtil den bliver en god en.
Buzz om Lehrers bog begyndte næsten det tidspunkt, hvor jeg læste op om det samme emne i et meget mere fjernt domæne. På en måde giver Imagine nogle popkulturvalideringer til mennesker som Naomi Braithwaite, en lærd ved Nottingham Trent University i England, hvis doktorafhandling ser på kreativitetens rolle i skodesign i den britiske modebranche. Hendes forskning ”reagerer på nutidens kulturs proklamation af skodesigneren som” kreativt geni ”, hvor det, som denne kreativitet indebærer, forbliver særligt fraværende. Symptomatisk for designdiskursen er, at kreativitet ofte sidestilles med… den individuelle designers inspirerede fantasi. I denne sammenhæng fremstår kreativitet imidlertid som en immateriel proces, der stiller spørgsmålet: Hvordan bliver ideer sko? ”
Ligesom Lehrer hævder Braithwaite, at et kreativt produkt - i dette tilfælde en sko - ikke stammer fra et individs blitz af inspiration, men fra ”et netværk, der involverer mange personer, processer og materialer; det er både relationelt og transformativt. En kvinders højhælsko er for eksempel sammensat af mindst 12 forskellige materialer og vil have flyttet gennem over 50 forskellige produktive operationer. ”
Braithwaite foretog en fordybende etnografisk undersøgelse, hvor hun ikke kun observerede og interviewede skodesignere, hun uddannede også til at blive en selv ved London College of Fashion. Hvad hun fandt i løbet af sin forskning var, at der var en stærk forbindelse mellem de sanseelementer ved skomageri - lugten af læder, følelsen af slangeskind, lyden af hamring, de fysiske bevægelser til at trampe på en symaskine eller at strække en tå —Og den endelige form af skoen. Enhver af disse sansebaserede oplevelser kan fremkalde minder eller billeder, der har indflydelse på design, stil, farve, tekstur og ånd. "Materialer i sig selv er en massiv udløser gennem kropsligt engagement, " siger hun, "det er sanseoplevelse, der griber ind og handler på den individuelle designer, som stimulerer kreativ tanke."
Braithwaites tilgang følger ”paradigmet om placering”, en teori præsenteret af den canadiske antropolog David Howes i sin bog Empire of the Senses, der antyder, at der er noget ud over sind-kropsforbindelsen ved at tilegne sig viden eller handle kreativt, der er et ”sanseligt indbyrdes forhold til sind-krop-miljø. ”Med andre ord kan dine sko have en satinfor, fordi designeren havde et satinbånd til en særlig mindeværdig teaterforestilling, da han var 5 år.
Men det er ikke meget overraskende. De fleste af os tager for givet, at vores livserfaring informerer vores kreative output. Det, som Braithwaites tese fandt interessant, var, at industrialisering og masseproduktion af sko (eller andre produkter) ikke nødvendigvis mindsker den sensoriske oplevelses rolle i kreativiteten. Kontekstændringerne - skomagere besætter fabriksgulve, betjener gigantiske varmepresser og laserskærere og sergers - men vores kroppe og sanser er stadig fuldt ud involveret i processen. ”Selvom fremstilling er teknologidrevet, initieres alle maskiner og processer af kropslige bevægelser, ” påpeger hun, ”Det foregår i en maskine, men en person sætter skoen der, indpakker materialet, og maskinen bliver ført, uanset om ved foden eller ved hånden. Det er en færdighed, du skal lære, hvordan maskinen fungerer, hvordan bevægelsen går. Du er nødt til at lære at kontrollere det. Håndværk er stadig en meget tydelig færdighed i den moderne skomagerindustri. ”
Fordi masseproduktion skaber så konsistente produkter, er det sjældent, at forbrugerne opdager de subtile menneskelige elementer, der er indlejret i deres sko. Men designeren ser det altid, siger Braithwaite. ”Det, der mest ramte mig, da jeg arbejdede med skodesignere, var, at de aldrig bar deres egne sko undtagen ved en kommerciel begivenhed, hvor det var nødvendigt for forfremmelse. De kunne ikke bære at se deres sko på deres egne fødder, fordi alt, hvad de kunne se, var, hvordan det ikke var så perfekt, som de forestillede sig. ”
Og denne observation afslører, hvad der efter min mening er det mest overraskende og fascinerende stykke af Braithwaites forskning (skønt det virkelig er genstand for en helt anden bog, og hvis ingen har skrevet den, håber jeg, at de gør det). Det fænomen, hun beskriver, af at designere konstant var utilfredse med deres skabelse, når de blev set på egne ben, blev kun oplevet af kvindelige designere. Mandlige designere, på den anden side (i det mindste det store flertal), ville ikke sætte en kvindes pumpe på deres egen fod for at evaluere dens æstetiske værdi og ville derfor ikke opleve en forbindelse mellem personlig selvkritik og kritikken af deres arbejde. Faktisk, siger Braithwaite, mændene, hun interviewede, rapporterede oftere at de var skuffede over en sko, da de først så den dukke op fra fabrikken, og at den ikke så ”rigtig ud”, før de så den på en kvindes fod. Det slår mig, at dette fund har nogle betydelige konsekvenser for oplevelsen af mandlige kontra kvindelige designere i enhver branche, hvor produkter er kønnet. Hvis nogen har forskning, ressourcer eller generelle tanker om emnet, er jeg ivrig efter at høre det.
