”Jeg har fået mine dansesko, ” sagde San Francisco-kunstner Jeremy Sutton minutter før opstigning af en stigning for at tegne et tre timers levende digitalt maleri af musikere, stander og blandede gæster i Smithsonian American Art Museums Kogod Courtyard.
Eyeing Suttons sort-hvide vingespidser, trompetspilleren Carey Rayburn, der leder det Seattle-baserede Good Co. elektro-swingband, var enig. ”Ja, ” sagde han. ”Disse er uklare.”
Arrangementet 27. juni, der fokuserer på innovation inden for kunst, var den sidste i en tredelt “America Now” -serie, arrangeret af National Portrait Gallery, National Museum of American History og American Art Museum. Som Sutton malede, blev hans realtidsbillede af festen trukket på en stor skærm.
Sutton og kæreste Peggy Gyulai (selv kunstner) var blandt de snesevis, der dansede under Good Co.'s og DJ Eliazars (Eli Hason) forestillinger. Vingespidserne gentog også den hvide “virvel” af en enorm ballon, som arkitekten Nathalie Pozzi designet til gården som en del af videospilsdesigneren Eric Zimmermans “Starry Heavens” -spil. I spillet, hvis navn stammer fra et citat på Immanuel Kants gravsten, prøver tavse spillere at vælte en lineal.
Det Seattle-baserede elektro-swing-band Good Co. optrådte ved arrangementet. (Renaud Kasma) Suttons maleri bundede på en måde alle de mange dele af begivenheden: musikerne, "Starry Heaven" -spillerne og stationerne, hvor besøgende kunne spille virtual reality, Oculus Rift-spil og fordybe sig i andre digitale verdener. Alt var trods alt retfærdigt spil for sin børste, eller mere præcist, hans Wacom Intuos Creative Stylus 2 og hans blyant af FiftyThree. Men alle i partiet havde også noget til fælles - de spredte alle grænsen mellem kunst og teknologi.
Tag Suttons iPad-stativ. En palet, som han købte på Amsterdams Van Gogh-museum (baseret på størrelsen og formen på Vincents palet), den bærer maling fra tidspunkter, hvor Sutton brugte gammeldags børster og maling til at arbejde ovenpå et digitalt maleri trykt på lærred. Sutton har rigget paletten, så han har to steder at tilslutte et HDMI-kabel til sin iPad.
Programmør og spildesigner Greg Aring bragte sin Oculus Rift ”oplevelser” eller spil, ”Hellicott City” - et hjemsøgt vognritt, hvis navn antagelig stammer fra Arings hjemby Ellicott City, Md., Og som han brugte omkring 120 timer på at tjene til en Halloween-kunstshow - og “Vrolleyball”, som han sagde er en kombination af volleyball, baseball, karate og pong.
”Spil er nået langt som en kunstform i offentlighedens øje, ” sagde Aring. ”Der har altid været en debat om, hvorvidt spil er kunst, hvilket jeg synes er et fjollet spørgsmål. Bare det, at Smithsonian ville påtage sig en begivenhed som denne, er virkelig opmuntrende. Det er et godt tegn for at støtte lokale spiludviklere - folk, der laver kunst og kan lide teknologi som mig selv. ”
American Art Museum var vært for ”The Art of Video Games” i 2012, en udstilling, der fejrede 40 års medium med vintage gaming-systemer, filmede interviews med spildesignere og muligheder for at spille banebrydende spil. I 2013 erhvervede museet to videospil, "Blomst" og "Halo 2600, " til sin permanente samling, bemærkede chef for udenrigsanliggender Jo Ann Gillula.
En ni-årig ved navn Gabriel, der spillede "Hellicott City", og hvis mor kun anmodede om at blive identificeret ved hans fornavn, sagde, at spillet var "ikke rigtig så skræmmende", på trods af udseendet af "spøgelser og lignende ting, og hekse. ”Den bedste del, sagde han, var en meget hurtig rutsjebane. ”Det er meget rart, spændende, ” sagde han.
Andre besøgende valgte mellem at nippe til "Starry Heavens cocktails" af Limoncello di Capri og en frugtsaft-sammenkogning for at spille "Starry Heavens" -spelet.
Arkitekt Nathalie Pozzi, der designede ballonerne, indrømmede, at hendes arbejde ved første rødme virkede som det mindst teknologiske. Der var to store balloner, en meget stor sfærisk gul (som en stiliseret sol) og en enorm "virvel", der flød over, og et bræt under, hvor spillerne stod. "Lineal" talte fra en mikrofon, og de andre spillere forsøgte at manøvrere om at vælte ham eller hende. ”Selvom spillet ikke er digitalt, ville konstruktionen ikke være mulig uden det, ” sagde hun og bemærkede, at hun begyndte tegning med blyant og papir, men at konstruktionen blev ganske kompliceret med fans, der holdt ballonerne oppustet og 3D-udskrivning involveret.
Og som man kunne forvente, havde musikerne også meget at sige om skæringspunktet mellem kunst og teknologi. DJ Eliazar gør et punkt i at efterlade sin bærbare computer, når han optræder, sagde han, så han kan værdsætte det, han kaldte sin kunsts psykologiske og sociologiske aspekter, ved at interagere med og læse publikum. Hvis mængden for eksempel ser udmattet ud, kan han muligvis spille noget mildt for at berolige dem.
”Der er for mange muligheder inde i computeren, og du bliver suget ind på skærmen, og du interagerer ikke, ” sagde han. Stadig, tilføjede han, er teknologi afgørende for deejaying. ”Jeg kunne ikke gøre, hvad jeg laver uden det, ” sagde han.
Sasha Nollman, en vokalist fra Good Co., bemærkede, at bandet har en virkelig stærk tilknytning til traditionel jazz, men også en dyb kærlighed til elektronisk musik. ”Det er meget spændende for os, at vi blander disse to ting sammen, ” sagde hun. ”At være inviteret til et arrangement, hvor det hele handler om at gøre det, om at innovere disse ældre traditionelle musikformer, det er meget spændende.”
”Jazz er Amerikas musik. Det er vores nationale kunstform, ”tilføjede trombonisten Colin Pulkrabek. ”Vi har et bestemt ejerskab af det. Af den grund er vi nødt til at holde det i live og konstant genfortolke det, som vi finder det passende, og prøve at holde det relevant for os selv. ”
Musikerne - begge fra Good Co. og DJ Eliazar - var enige om, at det var ret spændende at blive malet i realtid. Good Co.s bandleder Rayburn huskede en fyr på en tidligere koncert i Eugene, Oregon, der kom op efter showet og tegnet karikaturer af musikerne. ”Det var fantastisk, ” sagde han. På spørgsmål om tegningerne var smigrende meldte han sig frivilligt, ”Mest. En af dem ligner en troldmand. ”
DJ Eliazar har optrådt ved kunståbninger før, hvor kunstneren tegnet ham. Han nød at se sin musik påvirke kunstneren. ”Du spiller noget, og pludselig går det ind i deres kunst, ” sagde han og huskede nogle Mellemøstlige musik, han spillede ved en tidligere begivenhed. ”Pludselig dukkede en kamel op i hans maleri.”
Kunstner Jeremy Sutton undgår "fortryd" -knappen, når han maler ved hjælp af digitale medier. Han tilføjer lag med farve i stedet for at trække dem fra. (Shalom Bible) Sutton, den digitale maler, sagde, at han har skabt kunst ved live-begivenheder stort set, da han først hentede en computer. Et parti fra 1991 ændrede sit liv på flere måder, end han kunne have kendt, sagde den indfødte i London, der studerede fysik ved Oxford University. Sutton havde boet i Palo Alto siden 1988, hvor han solgte superledende magneter, da han, som han plejede at gøre, skitserede folk til festen. En person, der kiggede over skulderen, kunne godt lide det, hun så, og tilbød at introducere ham for en ven, der lavede malerisoftware.
”Jeg vidste ikke, hvad de talte om, men jeg sagde: 'Selvfølgelig. Det ville jeg meget gerne, ”sagde Sutton, der snart lærte programmet PixelPaint Pro. ”Det ændrede mit liv. Jeg blev forelsket i hele dette medium, ”sagde han. ”Jeg følte mig hjemme med det med det samme.”
På trods af at have arbejdet i et fysikstudio indrømmede han pinligt, at han næsten aldrig havde brugt en computer, før han blev introduceret til digital maling. Men snart tog han fri fra arbejde for at rejse til Las Vegas for at demonstrere, hvordan han brugte malerisoftware på skaberkabinen på grafikshowet Siggraph. Efter at have mistet sit job blev han kunstner på fuld tid, noget man ikke gør, siger han, medmindre du har en bestemt blanding af fuldstændig naivitet, besættelsesevne og lidt vanvid.
”Det er ikke en opskrift på nogen af de ting, der giver sikkerhed, ” sagde han.
Mens han maler ved "America Now" -begivenheden, som han altid gør, fik Sutton sine fødder fast plantet i både de teknologiske og æstetiske verdener, og så ud til at dele ting til fælles med både puristerne, der undgår digitale børster og de teknologiske evangelister, der ser godt ud løfte i digital kunstfremstilling.
Han undgår at bruge “fortryd” -knappen, i stedet tilføje lag af farve i stedet for at trække fra. Og han bruger ikke “pipetten” værktøjet, som ville give ham mulighed for at gentage nøjagtige farver, som han brugte tidligere i sine malerier. I stedet justerer han farvetone, mætning og tone forny hver gang. Mens han talte med en reporter dagen før begivenheden, demonstrerede han, hvor hurtigt han kunne matche den røde farve på en kaffekop på sit tegneprogram; det tog nogle få sekunder.
”Jeg behandler mine medier som et meget formbart, transformativt medie, ” sagde han. ”Det korrigerer ikke; det transformerer altid. ”
Den digitale kunstner Jeremy Sutton maler en real-time skildring af Smithsonian American Art Museums arrangement "America Now! Innovation in Art"I det maleri, han oprettede den 27. juni, byggede Sutton på en baggrund, som han komponerede fra tre værker fra American Art Museums samling: Malcah Zeldis '"Miss Liberty Celebration" (1987), Marvin Beerbohm's "Automotive Industry" (1940) og Romare Bearden's "Empress of the Blues" (1974). Flere af musikerne fra Beardens stykke vises fremtrædende i Suttons endelige maleri, ligesom Good Co.'s Sasha Nollman (i en markant blå kjole), Pulkrabeks trombon, DJ Eliazars hat, ballonvirvlen og gårdens loft. Sutton tog ofte pauser fra arbejdet, som han oprettede med appen Sketch Club, for at tale med besøgende i alle aldre om sit arbejde, de klasser, han underviser mest på hans San Francisco-studie og hans teknikker. At interagere med offentligheden på denne måde, bekræftede kæreste Gyulai, er noget, han nyder meget.
Måske mere symbolsk for krydset mellem teknologi og kunst end endda hans iPad-staffeli er den måde, Sutton trækker på sin fysiktræning i sin kunstskabelse. Begge tilgange til at se verden, sagde han, har meget at gøre med at søge mønstre, struktur og rytme og derefter være kritiske over for hvad der vises på overfladen.
”Det handler om at se ting ud over det, man først ser, ” sagde han.
