Over på det nydesignede, buggy og glatløst langsomme Salon- websted "Channel Show" -korrespondent Aasif Mandvi "kanaliserede" for nylig en studioleder for at adressere race i film - specifikt hvide skuespillere der spiller ikke-hvide roller. Det har været et ømt punkt i filmbranchen i over 100 år, et, der fortjener bedre end Mandvi's tage. Tegneserien kaster et par smarte aleck-bemærkninger og et dusin eller så spinkle, men ganske vist pinlige eksempler, og når tilbage til 1937's The Good Earth . Men han ignorerede de mere indlysende eksempler, der praktisk taget stirrede ham i ansigtet - som The Dictator, Sacha Baron Cohen-komedien om lederen af det nordafrikanske land “Wadiya.”
Baseret på en Pearl S. Buck-roman forekommer den gode jord muligvis racistisk i dag, men på det tidspunkt blev den betragtet som en oplyst, sympatisk beretning om bondelivet i Kina. Louise Rainer vandt endda en Oscar for sin skildring af O-lan; som hendes kostar Paul Muni og resten af den kaukasiske rollebesætning, tapede hun øjenbrynene for at tilnærme sig et asiatisk udseende. At vælge The Good Earth for sine stort set progressive racemæssige holdninger forekommer temmelig fjollet, i betragtning af at de fleste Hollywood-film på det tidspunkt begrænsede asiatiske roller til kokke, valets eller skurke som Fu Manchu.
Og der er så mange flere relevante eksempler at vælge imellem. Især den tidlige film er fyldt med eksempler på uapologetisk racisme. I kinesisk vasketøjsscene (1895) jager en irsk politimand en kinaman; begge er afbildet som buffoner. (Filmen medvirkede i vaudeville-teamet fra Robetta og Doretto, så dette kunne være det tidligste eksempel i film af en hvid, der portrætterer et medlem af et andet race.) I A Morning Bath (1896) prøver en "mammy" stereotype og undlader at vaske farven fra et sort spædbarns hud. Vandmelon Feast (1896), The Chicken Thief (1904), The Greaser's Gauntlet (1908) og lignende titler indeholdt endnu råere karikaturer. Få film leveret som potent, eller som ødelæggende, en beretning om race end The Birth of a Nation (1915), et værk, der blandede afroamerikanske skuespillere med hvide iført blackface.
Sacha Baron Cohen og Ben Kingsley i The Dictator, fra Paramount Pictures. © 2012 Paramount-billeder. Alle rettigheder forbeholdes. Foto: Melinda Sue Gordon.
Tidlige filmskabere behandlede europæere med lige grusomhed, såvel sydlendere, New Englanders, Midwesterners, landmænd, arbejdere, salgskontorer, bankfolk, rubes, city slickers, kvinder, børn - du får billedet. På en måde reflekterede filmskabere simpelthen medierne omkring dem. Det var en tid, hvor minstrel-shows stadig turnerede mod syd, hvor sangere som May Irwin og Nora Bayes var berømte for “coon” -sange, da den afroamerikanske stjerne Bert Williams bar blackface på scenen.
Keye Luke og Warner Oland i Charlie Chan på Broadway.
Det undskylder ikke filmskaberne, teaterproducenterne, sangskriverne og kunstnerne, der drage fordel af løsere standarder for at nedbryde en anden race eller kultur; der typecast sorte, mexicanere og asiater som tjenere, banditter og skurke til alle formål; der forbød dem overhovedet at vises på skærmen og erstatte dem med hvide skuespillere. (Eller i et endnu skrøbelere eksempel på racisme beordrede skuespiller Fredi Washington at bære mørkere makeup, så hun ikke ville tage fejl af en hvid kvinde i The Emperor Jones .)
Problemet bliver mørkere med en karakter som Charlie Chan, der var baseret på den virkelige Honolulu-detektiv Chang Apana. I 2003, da Fox Movie Channel begyndte at udsende Chan-filmene, før de frigav dem på DVD, protesterede nogle asiatiske aktivister, og gjorde indsigelse mod både den måde, Chans karakter blev skrevet, og det faktum, at han blev portrætteret af kaukasiere (inklusive den svenskfødte Warner Öland). (Jeg har ikke fundet nogen protester mod Manuel Arbó, der portrætterede Chan i 1931's spansksprogede Eran Trece .)
Chan - den smarteste person i sine film - var i sidste ende en bemyndigende figur og en god korrektiv til Sax Rohmer's Fu Manchu, der efterlignes på skærmen af blandt andet Boris Karloff.
Kunstnere har altid et valg. Jeg kan ikke huske et enkelt eksempel på Charlie Chaplin ved hjælp af rachumor, men min yndlingsfilmskaber, Buster Keaton, gjorde alt for ofte sorte hovedet til vittigheder. Tilsvarende kunne forfatter og instruktør Preston Sturges lide at gøre hans sorte bartendere og butlers skræmte og ikke særlig lyse (for eksempel Sullivans rejser, The Palm Beach Story ), noget hans samtidige Val Lewton aldrig gjorde.
Fred Astaire udfører "Bojangles of Harlem", hans hyldest til danseren Bill Robinson, i Swing Time.
I sit stykke overså Mandvi flere af de mere slående eksempler på hvide, der spiller andre løb. Al Jolson brugte blackface gennem sin karriere, inklusive sin banebrydende musical The Jazz Singer . Judy Garland og Mickey Rooney havde sort overflade i musicalen Babes in Arms . Disse kan ses som forsøg på passende sort kultur, og som sådan er ubehagelige at se på. Men da Fred Astaire foretog en efterligning af Bill Robinson i Swing Time, virkede det som et ægte hyldest, et forsøg på at ære en respekteret meddanser.
Var det racistisk, da Orson Welles skød mørk makeup for at spille hovedrollen i sin skærmatisering af Shakespeares Othello (1952), eller et kunstnerisk valg? Da Laurence Olivier lavede sin version af Othello i 1965, ville det have været bedre modtaget, hvis han ikke var gået i sådanne ekstremer med sin makeup?
Så ja, John Wayne spillede Genghis Khan i The Conqueror (1960), ligesom Chuck Connors spillede Geronimo (1962) og Jeff Chandler, Cochise i Broken Arrow (1950). Men Wayne spillede også den svenske sømand Ole Olsen i John Fords tilpasning af Eugene O'Neill-stykket The Long Voyage Home (1940) - det er sandsynligvis en hårdere strækning for hertugen. Bør filmskabere have æren for at have behandlet disse figurer med respekt? Er det værre, når Tony Curtis efterligger den Pima indiske helt Ira Hayes (i The Outsider, 1961), eller når han foregiver at være en ridder fra det 15. århundrede (i The Black Shield of Falworth, 1954)?
Det virkelige spørgsmål her er måske ikke, om kaukasiere kan fremstille forskellige racer, seksuelle orienteringer eller køn. Det, der skal genere os, er, hvis det er tydeligt, at kunstnerens intention var at skade. Og dette ser ud til at være i centrum for den arabisk-amerikanske reaktion på Diktatoren .
Det er en vanskelig opgave at gætte kunstneres motiver. I Borat, håner Sacha Baron Cohen befolkningen i Kasakhstan og fremstiller dem som uvidende og pervers. Men for mange kom Baron Cohen af med sin karakter, fordi han også portrætterede amerikanere i filmen som uvidende og stor. Da Baron Cohen hånede homoseksuelle i Bruno, blev den kritiske reaktion mere dæmpet.
Klager mod Baron Cohen startede tidligt i The Dictator- reklamekampagne: Nadia Tonova, direktør for National Network for Arab American Communities; advokat Dean Obeidallah ved CNN-udtalelse; forfatter Lucas Shaw på The Wrap.
Fordi hans karakter i The Dictator er en ond nar, føler Baron Cohen igen, at han har licens til at anvende vittigheder, der i andre hænder ville være racistiske. New York Times-kritikeren AO Scott finder denne logiske "afvisende" i sin anmeldelse. ”Vi kunne grine af hans grovhed, sikre ved viden om, at vi ikke virkelig var fremmedhad, fordi vi også grinede over de fjols, der faldt for tricket, ” skriver Scott. “Stumme humle. Stumme udlændinge. Gudskelov, vi er ikke bigots som dem! ”
Racisme, der er tæt knyttet til fremmedhad, snakkes uløseligt ind i populærkulturen. I hans ord og steder; eller, Etymologiske illustrationer af historie, etnologi og geografi, Isaac Taylor anførte de mange måder, de navne, der blev brugt til forskellige etniske grupper, kan spores tilbage til rødder, der betyder “anden”, “udenfor”, “barbarisk”, “fjende”. Det er når vi begrænser med vilje vores forståelse af de folk, vi ikke kender, eller insisterer på at se dem som ”andre”, at vi bliver racistiske.
Læs nye Reel Culture-indlæg hver onsdag og fredag. Og du kan følge mig på Twitter @Film_Legacy.
