Når jeg vågner op, går jeg gennem min musiksamling for at finde den musik, jeg har lyst til at høre. Det kan være en Bach-koncert, et gammelt Lead Belly-album, en indisk morgen-raga eller en af mine foretrukne moderne afrikanske popstjerner. Når jeg kører på arbejde, kan jeg uden problemer vende kanaler mellem pop, rock, jazz, country, bluegrass, opera og Wiggles, afhængigt af humør og selskab. Min telefon udvider og tilpasser valget næsten uendeligt.
Vi tager denne musikalske mangfoldighed for givet, ligesom vi tilfældigt kan beslutte os for italiensk, mexicansk, thailandsk eller libanesisk mad, når vi beder om den smag. Mangfoldigheden af mennesker, historier og kulturer i dette land har ført til en rig vifte af lyde, stilarter og genrer, der kan holde os med at udforske hele livet.
Når du kommer til at reflektere over det, er dette ganske overraskende. Engagementet med musik er en af de mest universelle aktiviteter hos mennesker, der ikke har en direkte forbindelse til vores overlevelse som art. Ingen døde nogensinde af musikforringelse, men vi arbejder og tilbeder musik, dans og domstol til musik, elsker og slapper af til musik, glæder os og sørger over musik.
Med udviklingen inden for migration, rejser og teknologi i de sidste 70 år (som vi i eftertid sandsynligvis vil betragte som den mest markante periode med musikalsk forandring i de sidste to årtusinder), er der sket to vigtige ting.
Den første er, at vi har millioner af musikstykker fra hele verden ved hånden. Cd'er, dvd'er, downloads, YouTube og anden streaming tilbyder et forbløffende valg af musik. Det er godt at huske, at for mindre end 300 år siden var Johann Sebastian Bach nødt til at gå gennem regnen i flere dage (og næsten mistede sit job) bare for at høre Buxtehude, en anden organist, spille i en kirke i Lübeck.
Den anden vigtigste virkning er, at et stort antal "små musikaler" marginaliseres. Ligesom vi kan få adgang til musik fra det indre Mongoliet og den Amazonske regnskov, lytter folk i disse regioner til kristne salmer, militære bånd-melodier og vestlig popmusik, ofte skubbet med betydelig kraft af missionærer, kolonimagter og - nu effektivt kollapsede —International musikindustri, der i mere end et århundrede stort set har bestemt, hvad vi lytter til.
Mens musik altid har dukket op og forsvandt gennem skiftende smag eller omstændigheder, er nogle "små musik" - i ordene fra den tidligere Smithsonian Folkways-direktør Tony Seeger - "forsvundet" af ikke-musikalsk påvirkning og kræfter. Det medfører en betydelig reduktion i den mangfoldighed af musik, vi kan få adgang til og nyde nu, og endnu mere i fremtiden.
Som akademiker er det fristende at finde sådanne musikere i nød, så de kan indspilles og beskrives for fremtidige generationer. På den måde kan et billede af den musikalske lyd og en vis viden om dens kontekst bevares. Men denne "rednings etnomusikologi" skaber ikke en fremtid for den levende, åndedræt tradition, som har magten til at engagere, involvere og begejstre.
Pham Thi Hue lærer ca trù på verandaen til hendes lærer, Master Nguyen Thi Chuc. (Huib Schippers) Det indså jeg, da jeg først besøgte Vietnam for mere end 10 år siden. På flugt fra den traditionelle turistudflugt på en musikuddannelseskonference sluttede jeg mig med et fakultetsmedlem i National Academy of Music til et besøg hos hendes ca trù- lærer i en lille landsby uden for Hanoi. Jeg hørte den raffinerede sungede poesi ledsaget af en langhalset lut og klapper, og lærte, at genren alt sammen var døde. Siden 1950'erne havde regeringen afskrækket traditionen på grund af sin tilknytning til dekadence.
Mens det havde blomstret i første halvdel af århundrede, var der nu næsten ingen performance-praksis, intet transmissionssystem, intet publikum, ingen støtte fra lånere eller regeringen og ingen medieeksponering. Med andre ord, det kulturelle økosystem, der har en tendens til at støtte musikpraksis verden over, var kollapset for ca trù.
Ca. trùs lidenskab fremkaldte erindringer om anden musikpraksis, som jeg var blevet bekendt med: den vestlige klassiske musik, jeg voksede op med, den nordindiske klassiske musik, jeg havde studeret i 30 år, og de mange traditioner, jeg havde mødt gennem mit lange engagement med verdensmusikinitiativer: spansk flamenco, vestafrikansk slagverk, indonesisk gamelan, tyrkisk saz, japansk traditionel musik osv.
På en eller anden måde så det ud til, at livskvaliteten i en musikpraksis ikke blot kunne forklares ved at henvise til skønheden i dens lyd eller kompleksiteten i dens struktur (selvom vi kunne blive enige om, hvem der er kvalificeret til at bedømme det på tværs af kulturer). Snarere syntes en kompleks bane af eksterne kræfter at være i spil.
Når vi delte disse ideer med snesevis af kolleger inden for musikbranchen, performance, uddannelse, politik og forskning, kom vi til at definere fem domæner - eller klynger af kræfter - der ser ud til at påvirke bæredygtigheden af de fleste musikpraksis: systemer til at lære musik; musikere og samfund; kontekst og konstruktioner (de værdier og holdninger, der ligger til grund for, hvordan enhver musikøvelse oprettes, læres og udføres); infrastruktur (hardware til musik, fra instrumenter til koncertsaler) og regler (herunder ophavsret, subsidier og afgifter); og medier og musikindustrien. Næsten enhver musikøvelse beskæftiger sig med hvert af disse fem domæner i forhandlingerne om sin plads i den moderne lydverden.
Vi var heldige at modtage generøs finansiering fra det australske forskningsråd til at bruge fem år på at teste denne idé på ni meget forskellige musikpraksis, der spænder over gambit fra meget levende til moribund (sandsynligvis ikke overlever ud over dette århundrede). Som en del af vores internationale forskningssamarbejde Sustainable Futures for Music Cultures (2009-2014) undersøgte ni internationale forskningsteam omhyggeligt traditioner lige fra mexicanske mariachi til koreansk samulnori ; fra indiske ragas til vestafrikansk tæver -perkussion; og fra Aboriginal kvindesange i Central Australia til vestlig opera.
Økosystemer af musik fra bæredygtige fremtider for musik kulturer . (Huib Schippers) Fra denne forskning fremkom et billede af et finmajsnet af kræfter, der arbejder på bæredygtigheden af enhver musikøvelse. På hvert domæne var der en række fremtrædende kræfter: engagerede samfund, veludviklede systemer til aflevering af musikken, love og infrastruktur, der er befordrende for levende musikfremstilling, kvalitetseksponering gennem medier og på internettet, og en høj hensyntagen til musik praksis. Disse kan findes (med uret) i den model, vi har udviklet for at gengive en generisk repræsentation af "Ecosystems of Music."
For ca trù kan denne model være nøglen til en ny lejekontrakt på livet. Musikere og sympatisører hjælper med at gendanne transmissionsprocesser og en følelse af samfund ved at genoplive de guilder, der plejede at spille en central rolle i praksis. Prestige steg drastisk, når det lykkedes regeringen at få den anerkendt af UNESCO som immateriel kulturarv i 2009. Regeringsregler, der engang fordømmer genrenes praksis, har nu gjort plads til støtte; og medierne lægger større vægt på denne vigtige del af den vietnamesiske musikarv. Derudover optræder adskillige ca trù-guilder til et betydeligt og kulturelt engageret turistmarked i historiske spillesteder i Hanoi, hvilket indbringer penge til støtte for musikerne.
Disse kræfter faktor forskelligt i den nøjagtige funktion af hver musik praksis. Vi fandt, at medienes rolle var central i Hindustani-musikken, men kun marginalt i Central Australia. Nogle musikpraksis (som opera) har brug for omfattende infrastruktur og økonomisk støtte, mens andre (som mariachi) har meget beskedne behov. Generelt fandt vi, at kortlægning af alle disse kræfter gav et ret præcist indtryk af styrkene og udfordringerne for de ni musikpraksis i deres nutidige virkelighed.
Derudover giver denne væsentligste dynamiske karakter af denne model nye perspektiver på de høje profilerede initiativer, der er baseret på UNESCOs erklæringer og konventioner fra 2001, 2003 og 2005, som tydeligvis har øget den globale bevidsthed om trusler mod immateriel kulturarv som aldrig før. Imidlertid har disse - i vid udstrækning regeringsdrevne - initiativer haft en tendens til at nærme sig musikpraksis som artefakter snarere end som levende praksis, hvilket kan hjælpe med at bevare musik som produkt, men risikerer at miste sin forbindelse til samfund og vedvarende kreativitet, der i vid udstrækning betragtes som kendetegn. af levende traditioner.
Vi lever i en tid, hvor mange musikkulturer er i en kritisk tilstand af overlevelse med hensyn til støtte, eksponering, prestige, transmissionsprocesser og infrastruktur. Dette er tiden for alle os, der elsker, skaber eller arbejder inden for musik til at samarbejde med samfund over hele verden for at styrke dem til at smede musikalske futures på deres egne vilkår. Som vi har set i vores forskning, udgør både små og større bevægelser en forskel for musikpraksis i overgang og i fare, især hvis drivkraften bag dette ikke er nostalgi eller neo-kolonialisme, men forståelse for ideen om, at med en lille indsats og indsigt er det muligt at forhandle om økologier af musikalsk mangfoldighed i en globaliseret, medieret verden.
En version af denne artikel blev oprindeligt offentliggjort i onlinemagasinet for Smithsonian Center for Folklife and Culture Heritage.
