Når folk siger, at nogen virkelig ”lever” hendes kunst, kan de betyde, at hun tager sit arbejde meget alvorligt. Men i næsten tre måneder bestod Linn Meyers liv virkelig af hendes kunst - hun gjorde næppe andet. Hun tilbragte så mange som 11 timer om dagen i den cirkulære anden sal på Smithsonian's Hirshhorn Museum og tegner på væggene. Hvilket måske lyder som børns leg, men det er bestemt ikke.
Relateret indhold
- Museumsbesøgende kan spille denne vægkunst som et instrument
- Hvorfor en kvinde spiller samme guitarakkord igen og igen ved Hirshhorn
Meyers brugte en kombination af største præcision og fuldstændig chance for at skabe Our View From Here, en superstor tegning, der betagende sine seere. Hendes arbejde, der fylder 400 lineære fødder med museets vægplads, vises på 14. maj 2017 og er en del af en nylig indsats for at udnytte nye rum inden for Hirshhorn.
Museet var åbent et godt stykke af den tid, hun arbejdede på stykket, og fascinerede besøgende gabkede, da hun anvendte sit ene valgte værktøj - en slags tyk markør favoriseret af graffitikunstnere - på væggene, der var malet i to neutrale toner. Selvom hun holder sig til en enkelt farve, er effekten alt andet end monoton. De svage linjer danner bølger og mønstre, der springer sammen med museets vægge, der næsten ser ud til at bevæge sig. Som udstillingskuratoren Stéphane Aquin siger: ”Hun danser bare sammen med bygningen. Hendes kunst blandes smukt med arkitekturen. Hun afslører bevægelsen, der ligger i bygningen. ”
Meyers, en Washington, DC-baseret kunstner, skaber både individuelle kunstværker i sit atelier og stedspecifikke installationer som den på Hirshhorn (andre installationer er blevet vist på Hammer Museum i Los Angeles og Phillips Collection i Washington, DC). Meyers forklarer, at når hun skaber et stykke i et bestemt miljø, er hun naturligvis nødt til at være opmærksom på bygningen, på det rum, der vil huse hendes arbejde: ”Et af de første spørgsmål, jeg stiller mig selv, er, 'Hvor godt kan jeg nærme mig forundringer i arkitekturen? ' ”
Det vigtigste "skæve" ved den doughnutformede Hirshhorn er, at museets besøgende, seere af Meyers installation, vil følge den cirkulære indre gangbro. ”Rummet krævede, at jeg skabte et stykke, der viklede rundt i rummet, omkring den sti, som besøgende tager gennem museet, ” forklarer hun.
Meyers brugte en kombination af største præcision og fuldstændig chance for at skabe vores udsigt herfra . (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) ”Og så er der pauser i rummet - døråbninger, indgange til gallerier. I forudgående rum eller arkitektur er der altid noget, der bliver en udfordring. Det mener jeg ikke på en negativ måde. En udfordring kan provokere en ny tilgang til den måde, et stykke ville udvikle sig på. Så i dette tilfælde er det den måde, hvor galleriets cirkel er opdelt i otte dele. Og disse åbninger er ikke altid åbne. Nogle gange ændres rummet til en udstilling, og noget af rummet lukkes. Mit stykke overlapper hinanden med tre forskellige shows, og pladsen ændres for hvert show. Det måtte jeg tænke på. Det er nyt. Jeg har aldrig haft et dynamisk gallerirum før. ”
Meyers 'første skridt var at skabe forberedende tegninger, der blev udført i en kvart tommer skala. Derefter brugte Hirshhorn-medarbejdere CAD (Computer Assisted Design) -software til at spore en ramme - cirklerne fra Meyers tegninger - direkte på museets vægge. Meyers satte sig derefter i gang med at arbejde med sin graffiti-pen fra Molotow og lod hånden gå, hvor den ville. Det er her tilfældighed og tilfældighed kommer ind.
”Al den bevægelse, du ser på disse tegninger, er bare et resultat af processen, ” forklarer hun. ”Det udvikler sig bare, linjerne er ikke planlagt. Men kompositionerne er planlagt. Det er et spil mellem det tilsigtede og det utilsigtede. Geometrien kortlægges på forhånd i mit forberedende arbejde. Når jeg skulle starte et afsnit, spurgte jeg en cirkel. Det er planen, det tilsigtede. Efter dette punkt reagerer hver linje på linjen før den - en slags entropi uden for min kontrol. Altså: både tilsigtet og ikke tilsigtet. En dejlig metafor for livet! ”
Meyers brugte en tyk markør, foretrukket af graffitikunstnere, til at dække væggene i to neutrale toner. (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) Meyers 'valg af farve til dette projekt var en blågrå kaldet Paynes grå. Fordi kunstneren fortyndede farven i forskellige grader, var hun i stand til at opnå forskellige farvetætheder i hele værket.
Når seerne går rundt i rotunden, kan de se, at markørens linje til tider er så svag, at det bare er en hvisken, mens andre gange tykner den til en plet, og stadig andre steder er der en plettet effekt. I visse dele af installationen er der en stor mængde vægplads, som er blevet forladt, men andre sektioner er fyldt med overfyldte bølgeledninger.
Meyers indså, at de første sektioner, hun gjorde, var resultatet af al den energi, hun havde opbevaret, mens hun tænkte over og planlagde projektet: ”Det første par vægge, som jeg gjorde, er anderledes end det sidste par vægge. Til at begynde med var jeg rare at gå: alle disse måneder med forberedelse og forventning. Mærket er mere aggressivt. Jeg angreb slags på væggene! ”Men til sidst, da hun lod flere af væggene stå tomme, bemærker hun“ en slags lethed. ”
”Hendes kunst blandes smukt med arkitekturen, ” siger kurator Stéphane Aquin. (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) På grund af rotundens cirkulære dimensioner er seerne ikke i stand til at se hele stykket på én gang. Det er bare ikke muligt. Og det påvirker, hvordan de opfatter arbejdet. Det var det samme for Meyers. ”Jeg havde denne vision om, hvordan det hele ville se ud, men det er ikke som i studiet, hvor mit øje kan passere frem og tilbage over et stykke. I studiet laver jeg diskrete kunstværker, og du kan stå foran dem. Med dette kan du bare fysisk ikke. Jeg kunne se det afsnit, jeg var færdig med, for eksempel, men så ikke det afsnit, jeg arbejdede på. Du kan ikke se en fjerdedel af det på én gang, når du står på et sted. ”
En sådan mammutvirksomhed krævede mammutkoncentration. Meyers, der normalt går i sit studie dagligt og arbejder på flere stykker på én gang, gjorde det heller ikke.
”Det var den længste tid, jeg har været væk fra mit studie, ” siger hun. ”Jeg gjorde intet andet. Det var godt. På den hektiske måde, vi findes i tiden - fra sociale medier til at stå op og få dagligvarer til at være i telefon - er det bare sådan, vi lever. Men med dette at fokusere på én ting - det var sådan en vidunderlig ting at se fremskridt hver dag. I timevis løftede jeg ikke rigtig mit hoved. ”Da hun arbejdede på museet i sin hyperkoncentrerede tilstand, ville museumsmedarbejdere eller kurator Stéphane Aquin henvende sig til hende, prøve at tale med hende, og hun ville ikke engang bemærke dem. ”Jeg ville bare være så fokuseret. Jeg var nødt til at sætte mine blinds på. Det er noget, vi bare ikke skal gøre. ”
Måske fordi Meyers fotografi vises på museets reception eller måske på grund af den stille autoritet, hun udstråler, når hun går gennem den færdige installation, fornemmer seerne, at hun er kunstneren. De vil tale, komplimentere hende, stille hende spørgsmål, endda posere for telefonfotos. Meyers griber fat i at forklare hendes nye mini-berømthed. ”Der er et element af mystik, hvad der foregår i studiet, hvor værket kommer fra. Ikke at jeg kan destillere alle disse elementer til mennesker, men de kan se, hvor enkelt det er: Bare mig, der tegner en linje og derefter tegner en anden linje. ”
"Linn Meyers: Our View From Here" er ved visning på Hirshhorn Museum and Sculpture Garden til og med 14. maj 2017 i Washington, DC Linn Meyers holder et foredrag om sit arbejde som en del af Hirshhorn's Meet the Artist-serien onsdag, maj 25, kl. 06:30 i museets auditorium. Det er gratis og åbent for offentligheden.
UPDATE 5/25/2016: En tidligere version af denne historie indikerede, at det var kunstneren, der arbejdede med et CAD-program. Hun gjorde ikke. Museumsmedarbejdere brugte denne proces. Vi beklager fejlen.
