Paul Gauguin manglede ikke på selvtillid. ”Jeg er en stor kunstner, og jeg ved det, ” pralede han i et brev i 1892 til sin kone. Han sagde stort set den samme ting til venner, hans forhandlere og offentligheden og beskrev ofte sit arbejde som endnu bedre end hvad der var kommet før. I lyset af moderne kunsthistorie var hans tillid berettiget.
Relateret indhold
- Jan Lievens: Ud af Rembrandts skygge
- Van Gogh i Auvers
- Edvard Munch: Beyond The Scream
En maler, billedhugger, trykkerier, keramiker og forfatter står Gauguin i dag som en af postimpressionismens giganter og en pioner inden for modernismen. Han var også en stor historiefortæller og skabte fortællinger i hvert medium han berørte. Nogle af hans fortællinger var sande, andre næsten fabrikationer. Selv de frodige Tahitiske mesterværker, som han bedst er kendt for, afspejler et eksotisk paradis, der er mere imaginært end ægte. Fablerne, som Gauguin spundet, var beregnet til at fremme sig selv og hans kunst, en intention, der var mere succesfuld med manden end hans arbejde; han var velkendt i sit liv, men hans malerier solgte dårligt.
“Gauguin skabte sin egen persona og etablerede sin egen myte om, hvilken slags mand han var, ” siger Nicholas Serota, direktøren for Londons Tate, hvis udstilling, “Gauguin: Maker of Myth, ” rejste i sidste måned til Washingtons Nationalgalleri af kunst (indtil 5. juni). ”Gauguin havde den ægte fornemmelse af, at han havde kunstnerisk storhed, ” siger Belinda Thomson, kurator for Tate Moderns udstilling. ”Men han spiller også spil, så du er ikke sikker på, om du kan tage ham bogstaveligt.”
Af de næsten 120 værker, der vises i Washington, skildrer adskillige fristende selvportrætter Gauguin i forskellige dække: kæmperende maler i et garretstudio; forfulgt offer; ligesom Kristus i Olivenhaven. Et selvportræt fra 1889 viser ham med en helgen glorie og en djævelsk slange (med Garden of Eden-æbler til et godt mål), hvilket antyder, hvor modstridende han kunne være.
Kunstneren ville bestemt have været tilfreds med den fornyede opmærksomhed; hans mål var trods alt at være berømt. Han klædte sig underligt, skrev selvbetjenende kritikker af sit arbejde, kiggede efter pressen og udleverede endda fotografier af sig selv til sine fans. Han var ofte beruset, krigsførende og promiskuøs - og muligvis selvmord. Han fjernede sig selv fra Paris-samfundet til stadig mere eksotiske steder - Bretagne, Martinique, Tahiti og til sidst til Marquesas-øerne i Fransk Polynesien - for at undslippe en verden, som han følte moderniserede for hurtigt.
Hans livlige farver, udflatning af perspektiv, forenklede former og opdagelse af såkaldt primitiv kunst førte til, at lærde krediterede ham med at have påvirket Fauvisme, kubisme og surrealisme. Hans stærke personlighed hjalp også med at etablere konventionen om kunstner som ikonoklast (tænk Andy Warhol eller Julian Schnabel). ”Han trak sig fra fransk symbolik og poesi, fra engelsk filosofi, Bibelen og søhavets legender, ” siger Mary G. Morton, kurator for franske malerier ved Nationalgalleriet. ”Han tog en multikulturel tilgang til sit arbejde.”
Soyez mystérieuses (Vær mystisk) er titlen Gauguin gav til en træbaseret udskæring af en kvindelig bader. Det var et bud, hvorpå han levede. Som om hans malerier ikke var tilstrækkeligt fulde af tvetydighed, gav han dem bevidst forvirrende titler. Nogle var i form af spørgsmål, såsom Hvor kommer vi fra? Hvad er vi? Hvor er vi på vej hen?, en tropisk scene lige så forundrende som dens titel. Andre blev skrevet på Tahitisk, et sprog, som nogle potentielle købere fandt afskrækkende. Selv i hans tidligste billeder ville Gauguin indsætte en mærkelig genstand: en overdreven tankard, for eksempel i det ellers charmerende portræt af hans sovende unge søn, Clovis. I The Loss of Virginity er det mærkelige element en ræv, hvis pote tilfældigt hviler på brystet af en nøgen kvinde, der ligger i et Bretagne-landskab. (Modellen, en syerske i Paris, skulle snart føde Gauguins barn, en datter ved navn Germaine.)
Kunstneren selv var sandsynligvis ræven på billedet, et dyr, som han hævdede var ”det indiske symbol på perversitet.” En ottende peruviansk, denne søn af borgerlige parisere, kaldte ofte sig selv som en del vilde. Hans første forhandler, Theo van Gogh (bror til Vincent), foreslog, at Gauguins arbejde var svært at sælge, fordi han var "halvt Inka, halvt europæisk, overtroisk som førstnævnte og avanceret i ideer som visse af sidstnævnte."
Sydhavet gav Gauguin nogle af hans bedste legendariske muligheder. Skuffet over, at mange traditionelle ritualer og guder allerede var forsvundet fra den Tahitiske kultur, rekonstruerede han simpelthen sin egen. Tilbage i Paris skabte han en af sine mest gådefulde skulpturer: en grotesk kvindelig nøgen med svulmende øjne, der trampede en blodig ulv ved hendes fødder, mens han greb en mindre skabning med hænderne. Gauguin betragtede det som hans keramiske mesterværk og ville have det placeret på hans grav. Dets titel: Oviri, Tahitisk for "vill."
Gauguins liv var interessant nok uden al mytologisering. Han blev født Eugene Henri Paul Gauguin den 7. juni 1848 i Paris til en politisk journalist Clovis Gauguin og hans kone, Aline Marie Chazal, datter af en fremtrædende feminist. Med revolutioner, der fejede Europa, da Paul knap et år gammel, søgte familien den relative sikkerhed i Peru, hvor Clovis havde til hensigt at starte en avis. Men han døde undervejs og forlod Aline, Paul og Pauls søster, Marie, for at fortsætte til Lima, hvor de blev hos Alines onkel.
Fem år senere vendte de tilbage til Frankrig; Gauguin var tilbage på det høje hav, da han var 17 år, først i handelsskibet og derefter i den franske flåde. ”Som du kan se, har mit liv altid været meget rastløst og ujævnt, ” skrev han i Avant et Après (Før og efter), selvbiografiske mønstre, der blev offentliggjort efter hans død. "I mig er der mange blandinger."
Da Gauguins mor døde, i 1867, blev hendes nære ven Gustave Arosa, en finansmand og kunstsamler, hans værge. Arosa introducerede hans afdeling for malerne i Paris, hjalp ham med at få et job som børsmægler og arrangerede, at han mødte Mette Gad, den danske kvinde, han ville gifte sig med i 1873.
På det tidspunkt var Gauguin omgivet af mennesker, der ønskede at være kunstnere, herunder medmægler Émile Schuffenecker, som ville forblive en ven, selv efter at andre var trætte af Gauguins fornemmelser. De deltog i kunstshow, købte franske billeder og japanske tryk og dybede i olier. Selvom han bare var søndagsmaler, havde Gauguin et landskab, der blev accepteret i den vigtige Paris-salon i 1876. Og seks år senere, da han mistede sit job i børskrakket i 1882, tog Gauguin sig til at male på fuld tid, selvom han havde en kone og fire børn til støtte. ”Ingen gav ham idéen om at male, ” fortalte Mette en af sin mands biografer meget senere. ”Han malede, fordi han ikke kunne gøre andet.”
For at spare penge flyttede familien, der i sidste ende skulle omfatte fem børn, til Mette familiehjem i København. Gauguin beskrev sig selv som ”mere end nogensinde plaget af sin kunst”, og han varede kun et halvt år med sine svigerforældre og vendte tilbage med sønnen Clovis til Paris i juni 1885. Clovis blev sat i Maries pleje; Gauguin boede aldrig mere med sin familie.
En søgen efter stadig billigere logi førte ham til Bretagne i 1886, hvor kunstneren snart skrev til sin kone med karakteristisk bravado, at han blev "respekteret som den bedste maler" i Pont-Aven, "selvom det ikke lægger flere penge i i min lomme. ”Kunstnere blev trukket til landsbyen på Frankrigs vestlige spids for robustheden i dets landskab, de klædte indbyggere, der var villige til at udgøre, og de keltiske overtro overlejret med katolske ritualer, der gennemgik hverdagen. ”Jeg elsker Brittany, ” skrev Gauguin. ”Jeg finder det vilde og det primitive her. Når mine træsko resonerer på denne granitgrund, hører jeg det dæmpede, kraftige træk, som jeg leder efter i maleriet. ”
Selvom en beundrer af Claude Monet, en samler af Paul Cézanne, en studerende af Camille Pissarro og en ven af Edgar Degas, havde Gauguin længe forsøgt at gå ud over impræsionismen. Han ønskede, at hans kunst skulle være mere intellektuel, mere åndelig og mindre afhængig af hurtige indtryk af den fysiske verden.
I Pont-Aven tog hans arbejde en radikalt ny retning. Hans Vision af Prædikenen var det første maleri, hvor han brugte levende farver og enkle former inden for fed, sorte konturer, i en stil kaldet Cloisonnism, der minder om farvet glas. Effekten flyttede maleriet væk fra den naturlige virkelighed mod et mere andet verdensomspændende rum. I Prædiken deler en tremme på et felt af vermilion billedet diagonalt, japansk stil. På forgrunden har en gruppe bretonske kvinder, deres traditionelle motorhjelmer, der ligner "monstrøse hjelme" (som Gauguin skrev til Vincent van Gogh), lukket øjnene i ærbødighed. Øverst til højre er deres kollektive religiøse oplevelse: den bibelske scene af Jacob, der kæmper med en guldvinget engel. Én kritikers svar på det stemningsfulde, hallucinerende billede var at salve Gauguin mesterens symbolisme.
Tilfreds med det store lærred, udråbte Gauguin kunstnervenner til at bære det til præsentation i en stenkirke i nærheden. Men den lokale præst nægtede donationen som "ikke-religiøs og uinteressant." Gauguin udnyttede denne fornærmelse som en PR-mulighed, skrev forargede breve og opmuntrede hans samarbejdspartnere til at sprede ordet tilbage i Paris. Som kunsthistoriker Nancy Mowll Mathews har bemærket, "fik Gauguin's Vision of the Permon mere berygtethed ved at blive afvist, end det nogensinde ville have været at være høfligt accepteret af præsten og lige så høfligt sat i et skab."
I 1888, som nu legendarisk, inviterede Vincent van Gogh Gauguin, som han havde mødt i Paris, til at slutte sig til ham i Arles for at skabe en kunstners 'Studio of the South'. Først begyndte Gauguin at argumentere for, at han var syg, gæld -redet eller for involveret i en potentiel forretningsforetagende. Men Theo van Gogh tilbød den evigt fattige Gauguin en grund til at acceptere sin brors invitation - et stipendium til gengæld for et maleri om måneden. Gauguins to-måneders ophold i Arles 'Gule Hus viste sig at være produktivt - og fyldigt. ”Vincent og jeg er ikke enige om meget, og især ikke om maleri, ” skrev Gauguin i begyndelsen af december. I et beruset argument kort efter henvendte Van Gogh sig til Gauguin med en barbermaskine. Gauguin flygtede, og van Gogh vendte barbermaskinen på sig selv og skar en del af hans øre af. Alligevel svarede de to, indtil van Gogh dræbte sig 18 måneder senere.
Efter at Gauguin vendte tilbage til Paris fra Arles, skabte han en af sine mest bisarre udskæringer, Selvportræt Vase i form af et afskåret hoved . Måske en hentydning til døberen, dette stentøjshoved drypper med makaber rød glasur. Kom det grusomme billede fra den blodige oplevelse med van Gogh? Guillotinering af en domfældt morder Gauguin havde for nylig været vidne til? Eller var det blot et nikk til den daværende nuværende fascination af det makabre?
Den universelle udstilling fra 1889, som Eiffeltårnet blev bygget til, markerede et afgørende øjeblik for Gauguin. Han deltog entusiastisk i Buffalo Bills Wild West-show, beundrede gipskasterne i det buddhistiske tempel i Borobudur og så malerierne, der blev vist. Kunstnere, der ikke var inkluderet i disse stats sponsorerede udstillinger, forsøgte at udnytte messens popularitet (28 millioner mennesker viste sig) ved at arrangere deres egne shows uden for omkredsen. Men den ubudne Gauguin, som i vid udstrækning blev støttet af den hengivne Schuffenecker, monterede i audiens et gruppeshow på Volpinis Café på messeområdet.
Gauguin blev især taget med Expositionens etnografiske udstillinger, med indfødte fra Frankrigs kolonier i Afrika og det sydlige Stillehav. Han malede javanske dansere, indsamlede fotografier af Cambodja og ellers fik et ønske om et tropisk Elysium. Han ønskede, skrev han, at "slippe af med indflydelsen fra civilisationen ... at fordybe mig i jomfruelig natur, ikke se nogen, men vilde, for at leve deres liv." Han var også opmærksom på, at "nyhed er vigtig for at stimulere den dumme køber offentligt. ”
Det var sandsynligvis udstillingen, der pegede ham på Tahiti. Da han forberedte sig på sin rejse året efter, skrev han til en ven, at ”under en vinterløs himmel, på vidunderligt frugtbar jord, er Tahitians kun nødt til at række sine arme op for at samle sin mad.” Beskrivelsen kommer næsten ord for ord fra Expositionens officielle håndbog.
Da han ankom til Fransk Polynesiens hovedstad, Papeete, i juni 1891, fandt Gauguin det meget mindre eksotisk, end han havde forestillet sig - eller håbet. ”Den Tahitiske jord bliver fuldstændig fransk, ” skrev han til Mette. ”Vores missionærer havde allerede introduceret en hel del protestantisk hykleri og udslettet nogle af poesien” på øen. Missionærerne havde også forvandlet kvindemode, uden tvivl til Gauguin's forfærdelse, fra den traditionelle sarong og pareu til bomuldskjoler med høje kraver og lange ærmer. Han flyttede snart til landsbyen Mataiea, hvor lokalbefolkningen såvel som det tropiske landskab var mere til hans smag, fordi de var mindre vestlige.
Gauguin anerkendte død af den gamle Tahitianske orden i sit foruroligende maleri Arii Matamoe (The Royal End) . Midtstykket er et afskåret hoved, som Gauguin køligt beskrev som "pænt arrangeret på en hvid pude i et palads ifølge min opfindelse og beskyttet af kvinder også efter min opfindelse." Inspirationen til maleriet, hvis ikke halshugningen, kan have været begravelse af kong Pomare V, som Gauguin var vidne til snart efter ankomsten til øen; Pomare blev ikke halshugget.
Skønt en heftig antikleriker, kunne kunstneren ikke rystede sin katolske arv helt. Hans respektfulde Sidste aftensmad kontrasterer glansen af Kristus kromgule glorie med nøgterne stammelistninger. I Nativity holder en Tahitisk sygeplejerske babyen Jesus, mens en grønvinget engel står vagt, og en udmattet Maria hviler.
I hans notesbøger såvel som hans fantasi bar Gauguin de værker, der betød mest for ham. Blandt dem: fotografier af egyptiske gravmalerier, mesterværker fra renæssance og en auktionskatalog fra 1878 over hans værge Arosas samling med værker af Camille Corot, Gustave Courbet og Eugene Delacroix. Som mange kunstnere i dag - Jeff Koons, Richard Price og Cindy Sherman, blandt dem - eksproprierede Gauguin frit fra dem alle. ”Han forklædte ikke sine lån, som var vidtgående, ” siger kurator Thomson. ”Det er en anden måde, hvorpå han er så moderne.”
På væggen i hans bambushytte i Mataeia hang Gauguin en kopi af Olympia, Édouard Manets revolutionerende maleri af en skamløs nøgen prostitueret med en blomst i håret. Nogensinde skælproducenten førte Gauguin sin unge elskerinde Tehamana til at tro, at det var et portræt af hans kone. Tehamana var modellen for adskillige værker i udstillingen, herunder Merahi Metua no Tehamana (The Ancestors of Tehamana), Te Nave Nave Fenua (The Delightful Land) og Manao tupapau (The Spirit of the Dead Keeps Watch) .
Selvom Manets mesterværk, som Gauguin engang havde kopieret, uden tvivl inspireret Manao tupapau, ligger Gauguins elsker ikke på hendes ryg som Olympia, men på hendes mave, og øjnene kigger over skulderen i terror mod tupapau, en sorthættede ånd, nær foden af sengen.
”Som det nu er, er undersøgelsen lidt uanstændig, ” erkendte Gauguin i Noa Noa, en beretning om hans Tahitiske rejser, han skrev efter at have vendt tilbage til Paris. ”Og alligevel vil jeg lave et kyskt billede, et der formidler den indfødte mentalitet, dens karakter, dens tradition.” Så Gauguin skabte en baghistorie til maleriet, en som måske eller måske ikke er sand. Han hævdede, at da han vendte tilbage til hytten sent en aften, var lamperne slukket. Når han tændte en kamp, skræmte han Tehamana fra hendes søvn, at hun stirrede på ham, som om han var en fremmed. Gauguin leverede en rimelig årsag til sin frygt - ”de indfødte lever i konstant frygt for [tupapauen].” På trods af hans bestræbelser på at kontrollere og moderere fortællingen, fandt det svenske Kunstakademi Manao tupapau usagligt og fjernede det fra en Gauguin-udstilling i 1898.
Selvom Gauguins to år i Tahiti var produktive - han malede omkring 80 lærreder og producerede adskillige tegninger og treskulpturer - indbragte de små penge. Modløs besluttede han at vende tilbage til Frankrig og landede i Marseille i august 1893 med kun fire franc til sit navn. Men med hjælp fra venner og en lille arv var han snart i stand til at montere en enmannsvisning af sit Tahitiske arbejde. Kritisk modtagelse var blandet, men kritikeren Octave Mirbeau undrede sig over Gauguins unikke evne til at fange ”sjælen i dette nysgerrige løb, dets mystiske og forfærdelige fortid og den solrige underlige lysthed”. Og Degas, da på højden af hans succes og indflydelse, købte flere malerier.
Han gjorde sit Montparnasse-studie til en eklektisk salon for digtere og kunstnere. Han spillede til anerkendelse og klædte sig i en blå storfrakke med en astrakhan fez, bar en håndudskåret stokk og forbedrede sit slående image med endnu en ung elskerinde, teenageren Anna den javanske og hendes kæledyr abe. Hun ledsagede Gauguin til Pont-Aven, hvor Gauguin planlagde at tilbringe sommeren 1894. Men i stedet for at nyde den kunstneriske stimulans fra Bretagne, befandt Gauguin sig snart i et slagsmål med bretonske sejlere, der plukede Anna og hendes abe, der forlod ham med et brudt ben. Mens han var på bedring, vendte Anna tilbage til Paris og plyndrede sin lejlighed, idet den sluttede deres månedlige forhold.
Feminister kan måske se Annas handling som tilbagebetaling for Gauguins lange misbrug af kvinder. Når alt kommer til alt forlod han sin kone og børn, søgte mindreårige og levede et liv med hedonisme, der endte med hjertesvigt forværret af syfilis. Stadig udtrykte han ofte sorg over sit mislykkede ægteskab og savnede især sine børn. Og han skabte langt flere kvindelige billeder end mænd, og delte med sine symbolistiske samtidige ideen om det evige feminine, hvor kvinder enten var forførende femmes fatales eller dejlige kilder til åndelig energi. Hans smukke, gådefulde Tahitiske kvinder er blevet ikoner for moderne kunst.
Så er der de detaljerede udskæringer, der identificerer Gauguins endelige opholdssted i de fjerntliggende, franske polynesiske Marquesas-øer, ca. 850 km nordøst for Tahiti. Han rejste derhen i en alder af 53 i september 1901 for at finde, sagde han, "usiviliserede omgivelser og total ensomhed", der vil "genoplive min fantasi og bringe mit talent til dets slutning." Dørens sans-serif udskårne breve udtrykker Maison du Jouir ( House of Pleasure) - effektivt, et sted med dårligt omdømme. Måske for at plage sin nabo, den katolske biskop, indeholder portalen stående kvindelige nøgener og formaningen til "Soyez amoureuses vous serez heureuses" - "Vær forelsket, og du vil være glad." Tatekurator Christine Riding antyder, at værket måske ikke er så antifeministisk, som nutidens skik kan indikere. Gauguin tilbyder måske kvinder en befriende idé: Hvorfor skulle de ikke lide at elske så meget som mænd?
Gauguin tilbragte sine sidste dage med at kæmpe for kolonimyndighederne på grund af påstået korruption, samt hvad han betragtede som uberettigede regler for alkohol og børnemoral. I naturklæde og bare fødder argumenterede han også - i retten - for, at han ikke skulle skulle betale skat. ”For mig er det sandt: Jeg er en vilde, ” skrev han til Charles Morice, samarbejdspartneren om sit memoir Noa Noa . ”Og civiliserede mennesker har mistanke om dette, for i mine værker er der intet så overraskende og forvirrende som dette” vilde på trods af mig selv ”aspekt. Det er grunden til [mit arbejde] er uendelig. ”
Da hans helbred forværredes, overvejede Gauguin at vende tilbage til Europa. Hans ven Daniel de Monfreid argumenterede imod det og sagde, at kunstneren ikke var i færd med at tage turen, og at en tilbagevenden til Paris ville bringe hans voksende omdømme i fare. "Du er i øjeblikket den ekstraordinære, legendariske kunstner, der sender fra Oceaniens dybder sine foruroligende, uforlignelige værker, de endelige værker af en stor mand, der som sådan forsvandt fra jordens overflade."
Gauguin døde i en alder af 54 den 8. maj 1903 og blev begravet i Marquesas. Et lille retrospektiv blev afholdt i Paris samme år. I 1906 fulgte en større udstilling med 227 værker, der blandt andet påvirkede Pablo Picasso og Henri Matisse. Gauguin var endelig berømt.
Ann Morrison er den tidligere redaktør af Asiaweek og medredaktør af Time 's European edition. Hun bor nu i Paris.
Paul Gauguin insisterede i et selvportræt fra 1889, at han ville "slippe af med civilisationens indflydelse." (National Gallery of Art, Chester Dale Collection) 
Gauguins Tahitiske elskerinde Tehamana modellerede mange af hans South Seas værker, inklusive den frodige Te Nave Nave Fenua (Det dejlige land), 1892, hvor en Tahitisk aften når frem til en blomst. (Ohara Museum of Art) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, kan være baseret på begravelsen fra Tahitiske konge Pomare V. (J. Paul Getty-museet, Los Angeles) 
Gauguin kaldte bas-lettelse udskæring af en kvindelig bader Be Mysterious, 1889, et bud, hvormed han levede sit liv. (Musée D'Orsay / Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Dette glaserede keramiske hoved, 1889, er et selvportræt af Gauguin. (Dansk Museum for Kunst & Design, København) 
"Vincent og jeg er ikke meget enige om, " skrev Gauguin, 1888, om Arles husmand van Gogh. (Bridgeman Art Library International) 
Hvorfor inkluderede Gauguin en tragtankard i portrættet af hans søn, Clovis Asleep, 1884? Svaret kan ligge i kunstnerens behov for at trodse konvention, eller mere sandsynligt kunne han simpelthen lide at male det: den værdsatte besiddelse dukker op i flere af hans værker. (Privat samling) 
Selvom en heftig antikleriker, vævet Gauguin symboler på sin katolske opdragelse i mange af hans malerier. I Nativity, 1896, holder en Tahitiansk barnepige baby Jesus, mens en grønvinget engel står vagt; i baggrunden sover Mary. (State Hermitage Museum, Skt. Petersborg) 
"Jeg er en stor kunstner, og jeg ved det, " skrev Gauguin i et selvportræt i 1903 i 1892. "Det er fordi jeg ved det, at jeg har udholdt sådanne lidelser." (Kunstmuseum / Erich Lessing / Kunstressource) 
Gauguin malede Merahi Metua no Tehamana (Ancestors of Tehamana) i Tahiti i 1893. (The Art Institute of Chicago, Gift of Mr. and Mrs. Charles Deering McCormick) 
Gauguin, Still Life with Fan, 1888. (Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (Drømmen), 1897. (The Samuel Courtauld Trust, Courtauld Gallery, London) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Hammer Museum, Los Angeles, Armand Hammer Collection, Gift of Armand Hammer Foundation) 
Gauguin, Kristus i haven af oliven, 1889. (Norton Museum of Art, West Palm Beach, gave af Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, to børn, ca. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, København) 
Gauguin, No te aha oe ririr (Why Are You Angry?), 1896. (The Art Institute of Chicago, Mr. and Mrs. Martin A. Ryerson Collection) 
Gauguin, Te Faaturuma (The Brooding Woman), 1892. (Worcester Art Museum) 
Gauguin, portræt af kunstneren med idol, ca. 1893. (Samling af McNay Art Museum, San Antonio, Erkendelse af Marion Koogler McNay) 
Gauguin, The Yellow Christ, 1889. (© Albright-Knox Art Gallery / Art Resource, NY)
