For mange fremkalder ordet "kunst" tanker om hovmodighed og indelukkede gallerier, over udsmykkede saloner og eliter, der vinkler over cocktails. Den stereotype museumsoplevelse, skønt den er mindre nøjagtig end den plejede at være, sætter kunsten ud på skærmen, da produktet fra en muromgivet del af samfundet, som hoi polloi ikke har adgang til. Dette års kunstfestival By the People i Washington, DC, der begyndte den 15. juni og vil fortsætte gennem 23. juni, vælter denne opfattelse af kunst fuldstændigt i sin fejring af deltagende værker med stærke bånd til samfund og kulturer for hverdagslige mennesker.
Lanceret sidste år af den nonprofitorganisation Halcyon, der søger at støtte borgerlige kunstnere og sociale iværksættere, viser af folket kunstemblematik for de demokratiske idealer i Amerika og nationens hyppige kampe for at leve op til dem. Det er en festival, der er forankret i levet oplevelse, menneskelig interaktion og historie, og den udfolder sig denne uge og kommende weekend over hele DC, inklusive Smithsonian Arts and Industries Building og Union Market. I tråd med sin mission er festivalen gratis at deltage i.
Ved åbningsweekend talte Smithsonian med flere af kunstnerne, hvis omfattende arbejde udstilles i Arts and Industries Building, der ligger i National Mall. Her er, hvad de havde at sige om deres fremhævede stykker og deres tilgang til By the People's kernetemaer:
Martha Jackson Jarvis, Tilpasning
Tilpasning undersøger måderne, hvorpå både kunst og historie formes og omformes over tid. (Chris Ferenzi) Den Virginia-fødte billedhugger Martha Jackson Jarvis har længe været kendt for sin tankevækkende blandingsmedie-evokation af sorte og oprindelige samfund og de rum, de beboer. På By the People 2019 udstiller Jarvis et stykke kaldet Adaptation, der centrerer om et sortiment af store, abstrakt malede rektangulære blokke, der er lagt ud over et bredt stykke gulv - nogle i direkte kontakt med det, nogle holdes højt med magert stillads af metal. Overhead, historiske tekster med primær kilde, der er trykt på halvtransparent bomuld, stiger ned fra et hvælvet loft som statelige spøgelser.
Jarvis forklarer, at hendes stykke var inspireret af livshistorien til en fjern oldefar ved navn Luke Valentine, en fri mand, der boede i Virginia, da revolutionærkrigen brød ud, og som vovede sig nord som en militiaman for at kæmpe med briterne. Da han var ældre, blev Valentine indkaldt til retten for at demonstrere, at han faktisk havde deltaget i krigen. ”Han fik underskrifter fra to af de generaler, han tjente under bevis for, at han fortjente sin pension, ” siger Jarvis. Hun fandt Valentins ”personlige engagement med dets hastende tid” bevægende og transcendent; dokumenterne i udstillingen vedrører direkte Valentins påstand om hans identitet.
Hver side af blokke viser i mellemtiden en anden fase i processen med et ambitiøst maleriprojekt af Jarvis selv. Hun ønskede, at Adaptation skulle tilbyde et slags bag kulisserne på den lange rejse med at skabe et kunstnerisk produkt. Ligesom hvert trin i hendes proces bidrog til et storslået, sammenhængende kunst, gjorde også hver enkelt person, der lever i et givet historisk øjeblik - som Luke Valentine - bidrag til storslåede ændringer i deres samfund. Frem for alt håber Jarvis, at hendes stykke er en styrkende påmindelse om vores evne som enkeltpersoner til at bidrage til historiens stadig voksende landskab. ”Vi har alle en ekstraordinær magt i processen med, hvad der sker, ” siger hun.
Ada Pinkston, mere end et tal
Med mere end et antal forsøgte Ada Pinkston at gøre det tilsyneladende muligt: mindes 272 lidt kendte historiske figurer på en intim måde. (Chris Ferenzi) Som supplement til Jarvis's meditation om tid og indflydelse er den unge blandede mediekunstner Ada Pinkstons tag på tid og hukommelse, Mere end et tal . I stedet for at fokusere på et veldokumenteret enkeltindivid valgte Pinkston i stedet at hylde en samling af liv overset af konventionel historie: de 272 slavearbejdere, der blev solgt i 1838 af Georgetown Universitets jesuittiske præsident for at holde sin skole flydende.
Mere end et tal består af en samling af forskellig proportionerede hvidblå hvide blokke malet med gaffelblå striber, der antyder tretræer. Mængden og nærheden af blokke taget sammen med sammenkoblingen mellem deres grenbilleder og den enkle elegance i Pinkstons maleri fanger godt konceptet med 272 unikke menneskelige sjæle bundet sammen i et øjeblik, men alligevel skubbet fra historiebøgerne og gjort anonym.
Disse visuals ledsages af lydoptagelser af levende efterkommere af de involverede mænd og kvinder, der konstant spiller i det rum, udstillingen indtager. Disse optagelser indånder liv i den ukendte 272 og giver det, der kunne være et tragisk stykke, en overraskende triumferende kvalitet. Pinkston håber, at det ansporer besøgende til at overveje historien om deres egne familier og reflektere over hullerne i den historiske fortegnelse, hvor meningsfulde mennesker levede ud af deres liv.
”Hvordan ærer vi livet for mennesker, som vi ikke kender meget til?” Spørger Pinkston. ”Jeg vil have folk til at overveje øjeblikke som disse med mere ærbødighed.”
Rania Hassan, Stier 7
Fiberkunstneren Rania Hassan finder skønhed i tilfældet mellem forskellige mennesker, der besætter det samme øjeblik i rum og tid sammen. (Med tilladelse fra kunstneren) Hvor Pinkston trækker på arborealt billede for at antyde forbindelse på tværs af tid og rum, påberåber fiber- og træartist Rania Hassan tråde af tråde. Når du strikker noget, bemærker hun, ”hele strukturen er fra en enkelt trådlinie. For mig er det virkelig inspirerende, fordi mit arbejde handler om forbindelse og hvordan vi alle er sammenkoblet. ”Tråde kan naturligvis også flettes sammen som historierne om mennesker, der bevæger sig mellem steder og øjeblikke sammen. Disse tanker informerer meget om Hassans arbejde.
Hassans fremhævede stykke på By the People i år er Stier 7, en del af en serie, der undersøger de tråde, vi følger, når vi tager beslutninger gennem vores liv - beslutninger, som vi ofte kommer til at fortryde. Stier 7, en afvisning af denne beklagelse, har form af en markant symmetrisk bunke af guldblad placeret lige under spidsen af en dråbsspindelpendel. Det er et rent, smukt billede, der antyder sindsro og perfektion. Hassan ser det som et kosmisk "You Are Here" -tegn.
Hassan forklarer, at stykkets vidunderlige kvalitet stammede fra hendes egen undring over det faktum, at alle, der ville se det på festivalen, ville være ankommet til det nøjagtige samme sted og øjeblik i Washington, DC på trods af at have fulgt helt unikke stier i deres liv indtil da. Hun finder en slags beroligende solidaritet i det - de uundgåelige sammenflød i alle vores respektive strenge gennem tiden. ”Alle dine historier kolliderer på samme tid, ” siger hun. ”Det er her, du skal være. Alt hvad du har gjort har bragt dig lige her. ”
Jonathan Rosen, Walking on Clouds
Jonathan Rosen's Walking on Clouds opfordrer galleristerne til at komme ansigt til ansigt med deres drømme. (Chris Ferenzi) Jonathan Rosen pludselig drejede sig fra en karriere inden for reklame til en kunstners liv, så han også bruger en masse af sin tid på at tænke på de stier, der ikke er taget. Især er han fascineret af drømme og trist over de måder, hvorpå livets begrænsninger så ofte fører til, at vi opgiver dem.
”Mange gange bliver vi fortalt af vores chefer, af vores forældre, af religion, af samfundet, at vi ikke må have drømme, eller at drømmer er forkert, ” siger Rosen. ”Og så begynder vi at glemme vores drømme, vi begynder at ignorere dem. Livet går videre, og vi bliver ældre, og så lader vi dem gå. ”Han vil have, at hans kunst skal være et wake-up call for alle, der oplever det. ”Jeg er her for at sige: Følg dine drømme!”
Rosen's By the People-installationen, Walking on Clouds, er elegant i sin enkelhed. Det består af en række spejle, der hver medfører åbninger til sætninger: “Jeg er…” eller “Jeg kunne være…” eller “Jeg ser…” Under disse startere blinker substantiv og adjektiver elektronisk i et blæstrende tempo: “en blomst, ”“ En røvhul ”, “ funklende ”, “ kongelige ”hundreder mere. Når du klikker på en selfie med et af spejlerne, erstattes den uklarhed med en enkelt tilfældig sætning, som pludselig får stor personlig betydning, efter at have været udpeget og udødeliggjort sammen med dit eget billede takket være det nøjagtige tryk på tommelfingeren. "Jeg er et fyrværkeri." "Jeg ser spøgelser." "Jeg kunne stråle."
Rosen's mission med dette stykke er at få folk til at tænke over, hvad der er muligt i deres liv, at skrubbe dem ud af selvtilfredshed og forbinde dem spontant med en drøm. Han mener, at for at drømme skal blive virkelighed, skal de først artikuleres, og Walking on Clouds artikulerer drømme, som du måske ikke engang har indset, at du havde. ”Hvis jeg aldrig havde sagt, at jeg ville være kunstner, ” siger Rosen, ”ville dette ikke eksistere. Vi er nødt til at sige det højt for at det er sandt. ”
Stevie Famulari, Engage Urban Greening
Engager Urban Greening er en glædelig opfordring til handling, der opfordrer deltagerne til at byde naturen ind i deres liv. (Chris Ferenzi) Hvor Walking on Clouds sigter mod at få dig til at tænke på dig selv og hvad du er i stand til, handler Stevie Famulari og hende af People-projektet Engage Urban Greening om samfundene og naturlige vidundere omkring vores individuelle selv.
I hjertet af udstillingen er et felt af farverige papirblomster, der skråner ned ad en trappe, hver af en speciel slags konstruktionspapir, der indeholder frø og til sidst vil blive plantet og vandet for at give vilde blomster. Ligesom det planteliv, det fejrer, vokser Engage Urban Greening selv stadig, når besøgende på galleriet mode deres egne origami-skabninger og tager dem hjem for at plante, vand og hæve.
Famulari, hvis kunst først begyndte at få en miljømæssig karakter, da hun afsluttede sin kandidatuddannelse inden for landskapsarkitektur, ser Engage- projektet som en ny drejning om temaet By the People i ”marginaliserede samfund.” For hende er plantelivet i bymiljøer indbegrebet af et marginaliseret samfund - et, som fortjener at blive hilst velkommen i kvartererne.
Ligesom hun mener, at vi alle er i stand til at have en positiv indflydelse på vores miljø, er Famulari også en lidenskabelig fortaler for ideen om, at enhver kan skabe kunst, hvis de sætter en indsats. ”Alles stil skal ikke bedømmes som 'bedre' eller 'værre', siger hun. ”Deres kunst har værdi, fordi det er deres perspektiv.”
Se denne kunst for dig selv på Arts and Industries Building inden afslutningen den 23. juni af festivalen By the People. Den fulde gennemgang af By the People-begivenheder og placeringer er tilgængelig her .
