Kunstner Jeffrey Gibson, et halvt Cherokee-medlem af Mississippi Band of Choctaw-indianerne, tager en tværfaglig tilgang til sit arbejde - han er maler, billedhugger, fotograf og kunstner. Hans arbejde er en kunstig mashup, der udfordrer sit publikum til at stille spørgsmålstegn ved kulturelle og politiske antagelser. For sit materiale miner han min indianske arv, sin ungdommelige udforskning af natklubs subkultur og sin globale uddannelse i Korea, Tyskland, England og andre lande, hvor han boede op. Hans kunstneriske vægt kan siges at være en samarbejdende omfavnelse af marginaliserede identiteter, ikke-konformister og samfundsmæssige udenforstående.

Gibson resonerer især i dette øjeblik. Hans kunst er lagdelt i både landets historie om kulturel sletning og dets nuværende klima af splittende politik.

”Efterhånden som tiderne er blevet mere og mere politiske, er folk begyndt at projicere mere politiskhed i værket, ” bemærker Gibson, hvis mest anerkendte kunstværk er en række omplacerede Everlast boksesække pyntet med broderi, flerfarvede glasperler, lysstofrør i nylon, metaljingler og mærket med popsangtekster. ”Og så svarer jeg næsten tilbage, ” siger han. ”Fordi jeg nyder samtalen.”

Uanset om geometriske malerier af akryl og grafit på råhud eller blændende, mønstrede tapisserier er inspireret af traditionel quiltning og en oprindelig håndværksfortælling, afspejler Gibsons facilitet på tværs af medier en dyb forståelse af formel abstraktion. Blandt hans indflydelser er amerikanske og europæiske modernister, såsom Sol Lewitt, Josef Albers og Bridget Riley. Hans arbejde inkluderer materialer som gedepels og hjorteskind samt senest håndværk af algonkquisk birkebid og svinekødsværn, der blev praktiseret af stammer længe før europæiske bosættere ankom.

Spørgsmål om kolonisering - både inden for museets vægge og uden for - vildes aldrig langt fra Gibsons sind. I sin amerikanske historie fra 2015 , en flerfarvet væg hængende, indarbejdede han teksten: "Amerikansk historie er længere, større, smukkere og mere forfærdelig end noget nogensinde har sagt om det."

Født i Colorado Springs, Gibson, 47, søn af en US Department of Defense ingeniør, fortæller at flytte hvert andet til tre år i løbet af barndommen, der lyser i North Carolina, New Jersey, Tyskland og Korea. Uddannet ved Art Institute of Chicago og Londons Royal College of Art-kandidatuddannelse studerede Gibson maleri overalt. Men han citerer punk- og ravekulturen i klubbscenen, han tog i, mens han var i teenagere og 20'ere som værende lige så indflydelsesrig på hans kunstnerskab som hans formelle træning. ”Når vi ser tilbage på musikken, der blev spillet i slutningen af ​​80'erne og 90'erne, var det, vi dansede på en festlig måde, ofte et råb om hjælp, hvor vi talte eksplicit om HIV i nogle af disse tekster, " forklarer Gibson. ”Men jeg indså, at der var en grund til, at musikken talte til mig. Det talte til mig som en ung, queer, ikke-hvid mand. ”

Demian DinéYazhi, nr. 3 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Demian DinéYazhi, nr. 4 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Emily Johnson, nr. 1 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Emily Johnson, nr. 4 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Jackson Polys, nr. 1 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Laura Ortman, nr. 1 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Regan de Loggans, nr. 1 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Roxy Romero, nr. 2 af Jeffrey Gibbons, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects) Roxy Romero, nr. 3 af Jeffrey Gibson, 2019 (høflighed af kunstneren, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta og Roberts Projects)

Denne uge bringer Gibson denne diskurs til Smithsonian's National Portrait Gallery i Washington, DC, med sin multimediekoreografi, med titlen "At navngive et andet." Forestillingen indeholder trommer og 50 deltagere, der selv identificerer sig som indfødte, indianere, LGBTQ eller som mennesker af farve, udstyret i Gibsons omfattende håndlavede tøj.

Det er den seneste iteration af museets serie "Identificer". ”Vi åbner op for, hvad et portræt kan være, ” siger museets Dorothy Moss, der er kurator for maleri og skulptur samt Identifys direktør.

Gibson er velegnet til at være den tiende bestilte “Identify” -kunstner, der slutter sig til andre som den berømte James Luna, Martha McDonald, JJ McCracken, María Magdalena Campos-Pons og Wilmer Wilson. Formålet med projektet er at skinne lys over huller i museets tidlige samling og anerkende de personer, der mangler, siger Moss. Når museer i hele USA kæmper med mange år af institutionelle ubalancer, konfronterer “Identificer” racefravær i kunst og amerikansk historie gennem præstationslinsen.

”Jeg håber virkelig, at Gibsons arbejde vil give dem, der følte sig tavse i dette politiske øjeblik, en stemme, ” forklarer Moss om de 50 frivillige kunstnere samt teksten Gibson indarbejder i forestillingen. Gibsons farvestrålende tøj til hver af deltagerne er parret med digitalt trykte slogans som: "De kæmper for rent vand;" "Kraftfulde, fordi de er forskellige." "Deres stemmer tæller;" "De taler deres sprog, " "De identificerer Som hun ”og“ Deres mørke hud bringer lys. ”

Den strategiske brug af tekst er et kendetegn ved Gibsons æstetik og minder om værkerne fra Jenny Holzer og HIV-AIDS-aktivisten David McDiarmid.

”Han tillader folk at være synlige, som har følt sig uhørt og sårbare i vores nuværende klima, ” siger Moss.

Gibsons brug af indfødt perleværk, quiltinspireret håndværk og protest-slogans anerkendes for at fremføre nutidskunst og social dialog fremad. Men hans oprettelse af sin første iriserende boksesæk, Everlast 2011, var en dybt personlig oplevelse. Gibson husker, en amorf følelse af frustration - der stillede spørgsmålstegn ved, om han endda ønsket at være kunstner - under lægens anbefalede terapi. ”Ved udgangen af ​​den første session var der masser af spørgsmål omkring klassisisme, racisme, homofobi, meget specifikke for kunstverdenen på en måde, der helt klart var roden til mine frustrationer, ” siger han. ”Arbejdet med denne terapeut førte til en fysisk træner og derefter boksning, som en måde at bringe mit sind og min krop sammen igen og forsøge at forene de ting, der følte mig meget usammenhængende.”

Til dette års Whitney-biennal hænger Gibson Keep on Moving (2019), et vatteret flaggmaleri fremtrædende i museets lobby, over billetbænkerne, med udsagnet: ”Tak for den plads, du har. Ved, at du er elsket. Bliv ved med at gå. Stop ikke. ”

Besøgende bliver konfronteret med kunstens fremtrædende placering, mens de venter de 5 til 20 minutter, det tager at købe deres adgangskort. ”Det handler om at sige, hvad jeg tror skal sies, og hvad der er den rigtige ting at gøre, ” siger Gibson. ”Jeg føler, at det ville have været uansvarligt for mig at ikke udtrykke nogle ting med en så stor platform som denne.”

Tro mod Gibsons visuelle leksikon griber kunstneren muligheden for at styrke seerne. Whitney Biennial co-kurator og kunsthistoriker Jane Panetta siger, at Gibsons tekst - en kraftig fusion af kunst og sprog - er lige så meget en protest mod nutidig uretfærdighed , som det er en erklæring om styrke mod ulighed og fordomme. ”Selvom han altid kæmper med hårde spørgsmål om hans dronning, om at være en oprindelig kunstner, ” siger Panetta, ”har han altid prøvet at spørge, hvordan kan jeg kæmpe med disse emner, men tænke på en positiv stemme, en produktiv stemme.”

Denne måned i New York City, både New Museum, hvor Gibson har været kunstner-i-residensen det sidste forår, og Whitney Museum of American Art viser Gibsons beklædningslignende værker. Til hans 8. juni-encore-præsentation af ”At navngive et andet”, der finder sted på Det Nye Museum, vil kunstnerne igen genoplive hans tekstiler gennem trommer, procession og bevægelse for at markere afslutningen på Gibsons bopæl. På baggrund af sin dybe interesse i spørgsmål om tilegnelse og fortællinger om konflikt, titlede Gibson det sidste arbejde i sit bopælsprogram på Det Nye Museum, The Anthropophagic Effect, efter digter Oswald de Andrades 1928 "Anthropophagic Manifesto", et essay om, hvordan samfund skulle "fortære ”Eller cannibaliserer en kolonisatørs kultur for at afvise dominans. Værket inkluderer fire af hans beklædningsgenstande sammen med Choctaw- og Cherokee-kjoler og en række materialer fra plastikperler, nylonbånd, messinggrommets, tørrede pæregræs og kurve.

Ved at udforske nye historier om oprindeligt håndværk, under hans ophold på New Museum, tog Gibson for eksempel sydvestlige flodrørkurvvævning. ”Jeffrey er nogen, der virkelig er interesseret i, hvordan forskellige kulturelle former konstant er, og som altid berører hinanden, ” siger New Museums associerede kurator Sara O'Keeffe. "En stor del af tøjet, som Jeffrey har lavet i de sidste par år, er at tænke på dem aktiveret og ikke blot vises som artefakter på museer over hele landet."

"Identificer: Performance art as Portraiture — Jeffrey Gibson: To Name An Other" finder sted 22. maj 2019 kl. 17 på Smithsonian's National Portrait Gallery i Washington, DC